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Kunst: in Italien In Italien, dem römischen Barock bildet den Laib master Der neue Stil; auch mehr als anderswo ist offensichtlich in Rom, der Hauptstadt der Katholizität, die insbesondere auf die Einhaltung der künstlerischen Phänomen zu einer sozialen Wirklichkeit, innerhalb dessen in volle Übereinstimmung mit der Absicht entwickelt. In der Glut der Werke, Sixtus V. und Paul V begonnen hatte, in Anspruch nehmende Zusammenarbeit von Maderno, Fontana, die Tür die neue URBAN-Plan der Stadt, die Leitlinien in der Perspektive auf die wichtigsten Denkmäler definiert wurde, effektvoller Struktur der Basis für die barocken Rom. Die nächste Generation von Künstlern, die unter dem Pontifikat von Papst Urban VIII., brachte eine implizite Diskurs zur Reifung. In der Architektur die Überwindung der klassischen Methoden der Komposition wurde durch eine Kritik von innen an die klassischen Aufträge, die Ergebnisse in einer Erweiterung und in einem Revision: Protagonisten in den Jahren um 1630, Gian Lorenzo Bernini und Francesco Borromini, Pietro da Cortona realisiert. Räume und Volumen, nicht mehr Verbindungen nach einer einfachen Geometrie und sofort in seiner Logik ersichtlich, ist der Bereich der Spannungen, die Biegung Strukturen und Oberflächen und Bogen geworden ist, ist es in der Unterordnung der Parteien kompliziert. Kopien, auch in der Vielfalt der Ergebnisse, die Kirchen von SS. Luca und Martina (1634-50) und S. Maria vom Frieden (1656), Pietro da Cortona, S. Carlino alle Quattro Fontane (1634) der Borromini und monumentale szenografische Lösung von Kolonnaden des Bernini für die Basilika von S. Peter (1656-67), das Emblem der erneuerten Vorsatz Propaganda des Papsttums. Die Anlage Centrica bevorzugen Sie die elliptische, multilobed stellar, (S. Ivo alla Sapienza und S. Agnese in der Piazza Navona Borromini; S. Andrea al Quirinale von Bernini), um den Drehpunkt Dynamik der Kuppel, sammelt und löst die Spannung der membering und Oberflächen organisiert. Im privaten Gebäude, der Palazzo Barberini von Bernini stellt eine Art bestimmt zu verbreiten. Architektur und Dekoration, lackiert und skulpturale, haben den Wert "zusammen" untrennbar miteinander verbunden. Die dekorative Malerei in der Arbeit von Pietro da Cortona, Vater Pozzo, G.B. Gaulli konfigurieren Sie, wie die Überwindung der Klassizismus der Carracci (Galerie des Palazzo Farnese, 1594-96), die auch der Ausgangspunkt gebildet hat; die allegorische Feiern von Urban VIII. im Palazzo Barberini (1633-39), S. Ignatius (1682-98) und von Jesus (1672-83) in Kirchen Homonymen, unabhängig von jedem Ergebnis architektonische, schaffen Räume illusorisch, die die Grenzen der architektonischen Struktur durch die Einführung eines allgemeinen gedacht im gesamten europäischen Raum zu entwickeln, erweitern, bis zum achtzehnten Jahrhundert Advanced (Tiepolo). An der Seite des großen Laib dekorative Malerei, die mehr meditiert künstlerische Erfahrung von Caravaggio, in realistischer Form und antiretorica ausgedrückt, stellt eine der dynamischen Alternativen innerhalb des italienischen Barock und des Parlaments, die das Boot auf eine aktuelle, die Epigone in Frankreich, Spanien, in Flandern (Valentin, Ribera, Elsheimers), im Süden von Italien (Caracciolo, Priester) und der Toskana (O. Gentileschi). Ist es notwendig, wieder mit dem Konzept des Barock als Einheit der Künste im Sinne der Skulptur zu durchdringen zurück: Auch in diesem Bereich Herrscher ist Bernini mit seiner Schule (Baratta, Strahlen), die wächst und entwickelt sich rund um das Unternehmen der "canopy" von S. Peter, der "Stuhl des Heiligen" und der römischen Brunnen, die eine neue Interpretation malerische Natur vorschlagen. Eine aktuelle mehr Klassische führt zu A. Algardi. Im südlichen Italien, Ligurien, Venetien, Lombardei, Emilia, lokale Künstler entwickeln, mit neuem Empfindlichkeit, so viele Interpretationen des neuen Stils, die sich aus einer Graft einiger Aspekte der römischen Barock auf Matrizen der lokalen Kultur, während die Toskana am Rande der Bewegung bleibt. In Lecce (Kathedrale), Palermo (Villen von Bagheria), Catania, eine Interpretation äußerst Kunststoff dekorative und verändert die Flächen aber nicht Strukturen. In Genua selbst auf die lebendige Tradition der Manieristischen neue städtebauliche Lösungen (Via Balbi) und architektonische Tätigkeit der B. weiß; mehr als die Hälfte des ersten Jahrhunderts dekorative Zyklen De Ferrari, die naturalistische Skulpturen von berniniano Parodi Vorspiel, wegen der Eleganz des kompositorischen Rhythmen, zu Rokoko. In Venedig B.Longhena interpretiert im barocken Begriffe in S. Maria della Salute des Palladianischen Klassizismus, während in den Ateliers von Strozzi, Fetti, Liss Sie kritisch die große Tradition der venezianischen Malerei des 16. Jahrhunderts. In Bologna, auf Erfahrungen, die dekorativen von quadraturisti, Formen der Dynastie der Bühnenbildner Bibiena und der Accademia degli Incamminati lebendig hält eine klassische Tradition, von Carracci gestartet, in der Arbeit der G. Reni und Domenichino. In Mailand G. B. Crespi, die morazzone und Tanzio da Varallo interpretieren, im Einklang mit der lokalen Tradition eingedenk der Askese counter-reformistische im Alter von San Carlo, die heilige Drama als Einladung zur Meditation und Askese. Torino schließlich, der Hauptstadt des Savoy Zustand, wird entlang des 17. Jahrhunderts als barocke Städte konfiguriert; die historischen und monumentalen konzentriert sich um die Quadrate S. Carlo (1637) und das Schloss, maximale Manifestationen der erneuerten Stadtplanung der Stadt. Die links mit Frankreich rechtfertigen eine Suche der Monumentalität bei Iteration der architektonische Motive und Klassizismus, die ausgeschlossen sind, für die ein Bedarf für mehr Inhalt Dekoration, die Ergebnisse mehr Wagemut des römischen Barock. In der Dekoration des Inneren die allegorische Fresken der Guidobono, Dufour (Palazzo Madama), Seyter (Royal Palace) werden von Stuck und Kerben von Handwerkern von Lugano und lokalen Behörden eingerahmt. In einer Physiognomie der Stadt offene Internationale und die der Castellamonte einen endgültigen Charakter gegeben haben, die Arbeit der Guarini (Kapelle des Heiligen Grabtuch, 1668; Palazzo Carignano, das Kollegium der Adligen, Ca. 1680) passt mit der Richtigkeit der einen Kontrapunkt, und Juvara, die zu Beginn des achtzehnten Jahrhunderts (Basilika Superga, 1716; Palazzo Madama, 1718; Palazzina di Stupinigi, 1729-30), mit intelligenten Konsistenz. Kunst: in Frankreich Die Barocke übernimmt seine endgültige Form um großen Fabriken von Versailles (Le Vau, Mansart), den Louvre (Perrault), Les Invalides (Bruant, mansart) und auf die Pläne der großen städtischen Unterkunft, von der Place Royale (1605-12) Vendôme (Mansart, 1677-98), zu den allgemeinen Plänen von Blondel (1686) und Bullet (1690); Klassische Physiognomie, fast Polemik gegen die Lösungen mehr heterodoxen des römischen Barock, der in enger Verbindung mit dem absolutistischen Ideologie von Louis XIV, die zum Paradigma der Geschmack durch die offiziellen Organe der Akademien der Malerei (1648) und der Architektur (1671). Die französischen Klassizismus ist sicherlich nicht der Renaissance Art", um das Maß des Menschen", aber nachdrücklichen und monumental. Die Iteration der klassischen Muster der Spalte und der Giebel, Annahme der riesige Aufträge erreichen einen Effekt auch rhetorische und eloquent die höchsten Ergebnisse des italienischen Barock. Die Gärten von Versailles, die Champs-elysées und der königlichen Schlösser (Marly, Sceaux), geordnet nach zu einer geometrischen Szenografie und rational, bilden einen wesentlichen Aspekt der Stadtplanung und der barocken Architektur. Die Dekoration des inneren Offiziere, der Eifer organisatorische Le Brun, Schüler von Vouet anvertraut, und seine Schule, das die Zusammenarbeit von Bildhauern wie Coysevox Girardon und nach genauen Richtlinien von Schimmel carraccesco classiciste entwickelt. Auf der gleichen Linie, wie Sie die Aktivität ein mehr geistigen und literarischen Poussin, während die Tradition des Realismus Caravaggio krawatte zurück De La Tour und die Brüder Der Nain. Im privaten Bau wird nach genauen Regelungen der Typologie des Hôtel Particulier (City Palace) mit J. Du Cerceau und Muet definiert. Kunst: in England Auf der palladianischen Architektur in voller Pracht in I. Jones (Queen's House in Greenwich, 1616-35) rückt die Tätigkeit der C. Wren, der die Daten des Barock klassische französische interpretiert, ausgehend in Richtung auf eine strukturelle Vereinfachung und eine eklektische Auswahl und rational, die Sie definieren können, die barocke für seine extreme visuelle Evidenz: Die Kathedrale von S. Paul (1675-1710) in London ist die monumentale Leistung; diese Schule, gestreckt, von der klassischen Effekte mehr ungewöhnlich, entfernt von Anhängern in N. Hawksmoor (Castle Howard, 1699-1726) und in J. Vanbrugh (Blenheim, 1705-16) extrahieren. Die Inneneinrichtung echten Windsor aktiv sieht die Italienische Verrio (1674-84) nach den Regelungen des Gemäldes Continental feierlich. Die englische Aktivität von Van Dyck war der Ausgangspunkt für die Schule des 18. Jahrhunderts ritrattisti. Kunst: in Holland Die dominierende Persönlichkeit von Rembrandt und Rubens sind beispielhaft für die unterschiedlichen kulturellen Klima, das in den Niederlanden evangelische und Borghese aus Flandern realistisch und Katholischen und der verschiedenen Ergebnisse des Barock in den beiden Ländern unterscheidet. In Holland das Problem von Licht, die die caravaggeschi Schule von Utrecht (Terbrugghen, Van Honthorst) und der flämischen Realismus genannt, F. Hals eine effektive Auslegung im barocken Stil gibt, sie zu lösen, in den Formen meditieren und dramatische im Rembrandt und Vermeer. Das Gemälde von Stativ zerfällt in eine Vielzahl von spezialisierten Genres: Landschaft (ruysdael), Städtische Ansichten, Blumen und Tiere, Stillleben, die in der Komplexität der Komposition und durch eine illusionistische Technik, sind auf dem Weg zu einem stärker akzentuiert decorativismo ausgerichtet. In Flandern die Arbeit von Rubens, gestreckt mit tiefen historischen Sinn die große Renaissance Tradition zu verarbeiten, erzielt Ergebnisse die landschaftlichen und naturalistischen Merkmale, die es zu einem der besten Errungenschaften des europäischen Barock. Die entscheidende Impulse für die Zusammensetzung einer großen Massen von Rubens beruhigt im eleganten Rhythmen in der Portraitmalerei feierliche des Schülers Van Dyck und durchbohrt, die sich in dem Sinne popolaresco, in der Arbeit der Jordaens. Bei der niederländischen Architektur, in den Canones eine rhetorische palladianesimo enthielt, lehnt die Architektur von Flandern auf der Basis von generischen Schemata aus dem italienischen Barock abgeleitet, in der Arbeit der Einige der Architekten der Gesellschaft Jesu (Aguillon, Projekt für die Kirche der Jesuiten in Antwerpen, geschrieben von huyssens; Hesius, Jesuitenkirche in Louvain). Kunst: in Österreich und Deutschland Die Barocke sie in einem komplexen Geflecht aus Erfahrungen und Einflüsse konfigurieren und erreichte Ergebnisse schlüssig und Vorlagen, die in den letzten Jahren des 17. und frühen 18. Jahrhunderts, von der Bearbeitung der Eingänge Französisch und Italienisch; um den Einfluss der Französischen Architekten (de Cotte, boffrand) in den Bau des Gerichtshofes in Deutschland, Bayern, Franken, Österreich, einer der italienischen Architekten (Solar, Barelli, Lurago, Carlone, Brunnen). Borrominiana guariniana und die Inspiration der Fischer von Erlach (Trinity von Salzburg, 1694-1702), der dientzenhofer (Trinity von Kappel, 1685-89), L. von Hildebrandt (Belvedere in Wien, 1721-24), B. Neumann (Residenz Würzburg, 1719-29), Pöppelmann (Zwinger Dresden, 1709-36), nicht nur für die Dekoration, sondern vor allem für die Aufmerksamkeit auf die Erneuerung der Strukturen: komplexe Anlagen, mal verdoppeln und sich überschneidenden, dilatation Perspektive von Räumen, organicity der Dekoration, Stuck und Fresken gewidmet, im Innenraum. Kunst: in Spanien In der Überwindung der späten Manierismus, der kam um die Fabrik des Escorial definiert, ist grundlegend für die innovative Arbeit von J. de Ribera, die sich in dramatischen Sinn und expressionistische Malerei der Caravaggeschi Neapolitaner und Römer, während des Aufenthalts in Italien bekannt interpretiert; bei ein und demselben Laib die Arbeit von Zurbarán tendenziell von den Räumlichkeiten des luminismo Beweise Kunststoff formale und eine starre fast Metaphysischen zu extrahieren, während in der Murillo Realismus fades Formen pathetisch und sentimental. Die Arbeit von Velázquez schließlich, dass mit der von Rembrandt ist vielleicht die größte Errungenschaft des barocken Realismus, verwaltet in Einklang zu bringen, für die perfekte Balance zwischen den formalen Beweis und Unmittelbarkeit der Darstellung, die Notwendigkeit der Wahren mit der Dekoration der Rechnungshof, in seinen Porträts, Gruppen, historische Szenen. Die Episode ist am wichtigsten in der Architektur, die zwischen dem siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert, konstituiert sich durch die Tätigkeit des Architekten und Dekorateure de Churriguera aktiv in Salamanca und Madrid, dass Laib naturalistischen und malerische Barock, erstellt eine Art der Dekoration ist umfassend und bewegt, dass dringt die architektonische Oberfläche sostituendovisi: eines der höchsten Ergebnisse dieser Stil ist der Transparente (1721-32) der Kathedrale von Toledo von Nr. Tomé. Kunst: In der spanischen Kolonien in Amerika Die Barocke churrigueresco findet ein Echo sofortige und brillante Bilder in den spanischen Kolonien in Amerika, wo es als Anregung auf der lebhaften Trends lokale dekorativ wirkt. Wenn in der Architektur des Barock und der Kunst der Import, Anhänger der europäischen Regelungen ist, Kunsthandwerk, in denen teilweise überlebt der indigenen Tradition ist frei drückt sich in Formen der decorativismo in reiche Innenausstattung akzentuiert (Kathedrale von Puebla, Mexiko). Kleinkunst In der organische Konzeption der Einrichtung, die dem reifen Barock wird eingefügt, der Kleinkunst, in einem raffinarsi technischer Prozesse und in einer allgemeinen Anhebung der Kunstfertigkeit, integraler Teil der Dekoration. Der Künstler ist der Schöpfer der gültige Gründe auch für das Kunsthandwerk, von Keramik bis zu Glas, von Handy zu Besteck: bezeugen die Kerben liberissimi im Bellunese Brustolon, die Stände der bergamasco Fantoni. In Frankreich die Möbel Lieferant A.-C. Boulle, der goldschmied Ballin, Caffieri, bronze Factory und Carver, Arbeit zu Gobelins in perfekter Synchronizität mit Architekten und Innenarchitekten, die berain Lepautre und. Die Organisation von Workshops in den Dienst der Gerichte, in Paris wie in Turin oder Rom, stellt eine neue Beziehung: von der einen Seite die barocke wird eine gemeinsame Sprache und breitet sich ein Handwerker im Stile auf regionaler und lokaler Ebene; auf der anderen Seite die Tätigkeit des Architekten und Dekorateure trägt zur Erhöhung des allgemeinen Grades an Produktion. Die historische Zyklen und Feier des Freskos Dekoration gefunden ein Echo bei der Wiederaufnahme der Produktion von Tapisserien (manufakturen von Gobelins; Brüssel; Monaco; Mortlake; Florenz; Rom): Autoren in der Tat der Kartons sind fast alle großen barocken Maler, von Rubens im Le Brun, während repliziert werden mit großem Glück einige Renaissance Zyklen (Raphael). Die Keramik Manufakturen von Faenza; Savona; Florenz; Nevers; Paris; Nürnberg; Delft), die Murano Glas und Böhmen, das Besteck wird in den Formen und in der Dekoration, um den neuen Geschmack mehr frei bleiben, diffuse Sammlungen von Modellen für die silberschmiede und Modellierer, die zu der Nivellierung des Geschmacks beitragen. Musik Der Begriff erscheint in musikalischen Geschichtsschreibung nur um 1920: Die deutsche Musikwissenschaft hat aus der bildenden Kunst genommen, wenn die Gelehrten in der Geschichte der Kunst als stilistische Festlegung einer Frist angenommen hatte, jetzt kostenlos von den negativen Konnotationen, die am Ursprung hatte. Die Verwendung des Begriffs im Bereich der Musikwissenschaftlichen provoziert lebendige Kontraste und ist noch nicht universell akzeptiert: in Großbritannien, in Frankreich und in Italien Begegnungen insbesondere Störungen, vor allem wegen der Schwierigkeit, eine stilistische Definition einheitlichen einen Zeitraum, der sich über ein Jahrhundert und eine Hälfte (Ca. 1600-1750), reich an musikalischen Veranstaltungen disparatissime. Auf der anderen Seite einen breiten Strom der Musikwissenschaft ist der Auffassung, dass der Begriff besitzt eine Anregung unverzichtbar wie stilistische Hinweise allgemein für einen Zeitraum, in dem die Erneuerung der Sprache der Musik hat unbestreitbar eine Parallelität mit der figurativen Sprache (auch wenn es natürlich nicht angemessen, zu versuchen, zu detailliert Übereinstimmungen zu ravvisarvi): auf der Ebene rein sprachliche, ist sicherlich eine Definition geeigneter als das von Riemann, die einfach zu einem bestimmten technischen bezieht, wenn auch entscheidende, sprechen von "Alter der Basso continuo". Mit dem Einsatz von Barock erscheint viel mehr die Vermittlung kulturell-historischen Stil deutlich. Das Aufkommen des Basso continuo ist immer noch einer der auffälligsten der Transformation der Sprache der Renaissance, das um 1600. Schreiben streng Polyphon, worin alle Einträge auf der gleichen Ebene von Bedeutung waren, ist die Vereinfachung und Vorurteile auf extreme Einträge: bekräftigt die monodia begleitet und die Versammlung der Vertragsparteien in vertikaler Richtung bestimmt die Entwicklung von Harmonie, das aus der Mode ist kostenlos, und definiert den Farbton. Die Konzeption der Rede in horizontaler Richtung ist daher weniger, oder (wie in Bach) schreiben counterpointistic passt, harmonisch. Die Haftung der Musik in die Welt der "Leiden" ist eines der Ziele der barocken Lyrik: Die statische Renaissance Balance bietet Platz für eine lebendige ausdrucksstarke Dynamik, die sich in der traumhaften Intensität der colorismo der Venezianischen Schule kann wie in der Linearität des monophone Kompositionen. Die Suche der Spannung, Kontrast, "Chiaroscuro", auch in der Instrumentalmusik, die in der Barockzeit mit dem Concerto grosso solo und mit der Sonate und mit Kompositionen für Orgel und Cembalo geboren wird und sich entwickelt. Mit der Übernahme durch die Instrumentalmusik Tanz bildet auch die Fluid- und verschiebbaren Renaissance Rhythmus dreht razionalizzandosi. Die Tools selbst sichtbar in Anzahl vermindern und sind in Abhängigkeit von der Suche nach einem neuen ideal Sound perfektioniert. Parallel zur Instrumentalmusik, die in Venedig eines der Zentren der großen Entwicklung befinden, sind sie im Bereich der Stimme die Genres das Oratorium der gesungen und das Melodram: in Letzterem die glitz Scenic, der Geschmack für die Ornamente und Virtuosität beziehen, wie viele Einstellungen ein Sinnbild der barocken Geschmack. Zurbarán, Francisco de - Kunst: in Italien In Italien, dem römischen Barock bildet den Laib master Der neue Stil; auch mehr als anderswo ist offensichtlich in Rom, der Hauptstadt der Katholizität, die insbesondere auf die Einhaltung der künstlerischen Phänomen zu einer sozialen Wirklichkeit, innerhalb dessen in volle Übereinstimmung mit der Absicht entwickelt. In der Glut der Werke, Sixtus V. und Paul V begonnen hatte, in Anspruch nehmende Zusammenarbeit von Maderno, Fontana, die Tür die neue URBAN-Plan der Stadt, die Leitlinien in der Perspektive auf die wichtigsten Denkmäler definiert wurde, effektvoller Struktur der Basis für die barocken Rom. Die nächste Generation von Künstlern, die unter dem Pontifikat von Papst Urban VIII., brachte eine implizite Diskurs zur Reifung. In der Architektur die Überwindung der klassischen Methoden der Komposition wurde durch eine Kritik von innen an die klassischen Aufträge, die Ergebnisse in einer Erweiterung und in einem Revision: Protagonisten in den Jahren um 1630, Gian Lorenzo Bernini und Francesco Borromini, Pietro da Cortona realisiert. Räume und Volumen, nicht mehr Verbindungen nach einer einfachen Geometrie und sofort in seiner Logik ersichtlich, ist der Bereich der Spannungen, die Biegung Strukturen und Oberflächen und Bogen geworden ist, ist es in der Unterordnung der Parteien kompliziert. Kopien, auch in der Vielfalt der Ergebnisse, die Kirchen von SS. Luca und Martina (1634-50) und S. Maria vom Frieden (1656), Pietro da Cortona, S. Carlino alle Quattro Fontane (1634) der Borromini und monumentale szenografische Lösung von Kolonnaden des Bernini für die Basilika von S. Peter (1656-67), das Emblem der erneuerten Vorsatz Propaganda des Papsttums. Die Anlage Centrica bevorzugen Sie die elliptische, multilobed stellar, (S. Ivo alla Sapienza und S. Agnese in der Piazza Navona Borromini; S. Andrea al Quirinale von Bernini), um den Drehpunkt Dynamik der Kuppel, sammelt und löst die Spannung der membering und Oberflächen organisiert. Im privaten Gebäude, der Palazzo Barberini von Bernini stellt eine Art bestimmt zu verbreiten. Architektur und Dekoration, lackiert und skulpturale, haben den Wert "zusammen" untrennbar miteinander verbunden. Die dekorative Malerei in der Arbeit von Pietro da Cortona, Vater Pozzo, G.B. Gaulli konfigurieren Sie, wie die Überwindung der Klassizismus der Carracci (Galerie des Palazzo Farnese, 1594-96), die auch der Ausgangspunkt gebildet hat; die allegorische Feiern von Urban VIII. im Palazzo Barberini (1633-39), S. Ignatius (1682-98) und von Jesus (1672-83) in Kirchen Homonymen, unabhängig von jedem Ergebnis architektonische, schaffen Räume illusorisch, die die Grenzen der architektonischen Struktur durch die Einführung eines allgemeinen gedacht im gesamten europäischen Raum zu entwickeln, erweitern, bis zum achtzehnten Jahrhundert Advanced (Tiepolo). An der Seite des großen Laib dekorative Malerei, die mehr meditiert künstlerische Erfahrung von Caravaggio, in realistischer Form und antiretorica ausgedrückt, stellt eine der dynamischen Alternativen innerhalb des italienischen Barock und des Parlaments, die das Boot auf eine aktuelle, die Epigone in Frankreich, Spanien, in Flandern (Valentin, Ribera, Elsheimers), im Süden von Italien (Caracciolo, Priester) und der Toskana (O. Gentileschi). Ist es notwendig, wieder mit dem Konzept des Barock als Einheit der Künste im Sinne der Skulptur zu durchdringen zurück: Auch in diesem Bereich Herrscher ist Bernini mit seiner Schule (Baratta, Strahlen), die wächst und entwickelt sich rund um das Unternehmen der "canopy" von S. Peter, der "Stuhl des Heiligen" und der römischen Brunnen, die eine neue Interpretation malerische Natur vorschlagen. Eine aktuelle mehr Klassische führt zu A. Algardi. Im südlichen Italien, Ligurien, Venetien, Lombardei, Emilia, lokale Künstler entwickeln, mit neuem Empfindlichkeit, so viele Interpretationen des neuen Stils, die sich aus einer Graft einiger Aspekte der römischen Barock auf Matrizen der lokalen Kultur, während die Toskana am Rande der Bewegung bleibt. In Lecce (Kathedrale), Palermo (Villen von Bagheria), Catania, eine Interpretation äußerst Kunststoff dekorative und verändert die Flächen aber nicht Strukturen. In Genua selbst auf die lebendige Tradition der Manieristischen neue städtebauliche Lösungen (Via Balbi) und architektonische Tätigkeit der B. weiß; mehr als die Hälfte des ersten Jahrhunderts dekorative Zyklen De Ferrari, die naturalistische Skulpturen von berniniano Parodi Vorspiel, wegen der Eleganz des kompositorischen Rhythmen, zu Rokoko. In Venedig B.Longhena interpretiert im barocken Begriffe in S. Maria della Salute des Palladianischen Klassizismus, während in den Ateliers von Strozzi, Fetti, Liss Sie kritisch die große Tradition der venezianischen Malerei des 16. Jahrhunderts. In Bologna, auf Erfahrungen, die dekorativen von quadraturisti, Formen der Dynastie der Bühnenbildner Bibiena und der Accademia degli Incamminati lebendig hält eine klassische Tradition, von Carracci gestartet, in der Arbeit der G. Reni und Domenichino. In Mailand G. B. Crespi, die morazzone und Tanzio da Varallo interpretieren, im Einklang mit der lokalen Tradition eingedenk der Askese counter-reformistische im Alter von San Carlo, die heilige Drama als Einladung zur Meditation und Askese. Torino schließlich, der Hauptstadt des Savoy Zustand, wird entlang des 17. Jahrhunderts als barocke Städte konfiguriert; die historischen und monumentalen konzentriert sich um die Quadrate S. Carlo (1637) und das Schloss, maximale Manifestationen der erneuerten Stadtplanung der Stadt. Die links mit Frankreich rechtfertigen eine Suche der Monumentalität bei Iteration der architektonische Motive und Klassizismus, die ausgeschlossen sind, für die ein Bedarf für mehr Inhalt Dekoration, die Ergebnisse mehr Wagemut des römischen Barock. In der Dekoration des Inneren die allegorische Fresken der Guidobono, Dufour (Palazzo Madama), Seyter (Royal Palace) werden von Stuck und Kerben von Handwerkern von Lugano und lokalen Behörden eingerahmt. In einer Physiognomie der Stadt offene Internationale und die der Castellamonte einen endgültigen Charakter gegeben haben, die Arbeit der Guarini (Kapelle des Heiligen Grabtuch, 1668; Palazzo Carignano, das Kollegium der Adligen, Ca. 1680) passt mit der Richtigkeit der einen Kontrapunkt, und Juvara, die zu Beginn des achtzehnten Jahrhunderts (Basilika Superga, 1716; Palazzo Madama, 1718; Palazzina di Stupinigi, 1729-30), mit intelligenten Konsistenz. Kunst: in Frankreich Die Barocke übernimmt seine endgültige Form um großen Fabriken von Versailles (Le Vau, Mansart), den Louvre (Perrault), Les Invalides (Bruant, mansart) und auf die Pläne der großen städtischen Unterkunft, von der Place Royale (1605-12) Vendôme (Mansart, 1677-98), zu den allgemeinen Plänen von Blondel (1686) und Bullet (1690); Klassische Physiognomie, fast Polemik gegen die Lösungen mehr heterodoxen des römischen Barock, der in enger Verbindung mit dem absolutistischen Ideologie von Louis XIV, die zum Paradigma der Geschmack durch die offiziellen Organe der Akademien der Malerei (1648) und der Architektur (1671). Die französischen Klassizismus ist sicherlich nicht der Renaissance Art", um das Maß des Menschen", aber nachdrücklichen und monumental. Die Iteration der klassischen Muster der Spalte und der Giebel, Annahme der riesige Aufträge erreichen einen Effekt auch rhetorische und eloquent die höchsten Ergebnisse des italienischen Barock. Die Gärten von Versailles, die Champs-elysées und der königlichen Schlösser (Marly, Sceaux), geordnet nach zu einer geometrischen Szenografie und rational, bilden einen wesentlichen Aspekt der Stadtplanung und der barocken Architektur. Die Dekoration des inneren Offiziere, der Eifer organisatorische Le Brun, Schüler von Vouet anvertraut, und seine Schule, das die Zusammenarbeit von Bildhauern wie Coysevox Girardon und nach genauen Richtlinien von Schimmel carraccesco classiciste entwickelt. Auf der gleichen Linie, wie Sie die Aktivität ein mehr geistigen und literarischen Poussin, während die Tradition des Realismus Caravaggio krawatte zurück De La Tour und die Brüder Der Nain. Im privaten Bau wird nach genauen Regelungen der Typologie des Hôtel Particulier (City Palace) mit J. Du Cerceau und Muet definiert. Kunst: in England Auf der palladianischen Architektur in voller Pracht in I. Jones (Queen's House in Greenwich, 1616-35) rückt die Tätigkeit der C. Wren, der die Daten des Barock klassische französische interpretiert, ausgehend in Richtung auf eine strukturelle Vereinfachung und eine eklektische Auswahl und rational, die Sie definieren können, die barocke für seine extreme visuelle Evidenz: Die Kathedrale von S. Paul (1675-1710) in London ist die monumentale Leistung; diese Schule, gestreckt, von der klassischen Effekte mehr ungewöhnlich, entfernt von Anhängern in N. Hawksmoor (Castle Howard, 1699-1726) und in J. Vanbrugh (Blenheim, 1705-16) extrahieren. Die Inneneinrichtung echten Windsor aktiv sieht die Italienische Verrio (1674-84) nach den Regelungen des Gemäldes Continental feierlich. Die englische Aktivität von Van Dyck war der Ausgangspunkt für die Schule des 18. Jahrhunderts ritrattisti. Kunst: in Holland Die dominierende Persönlichkeit von Rembrandt und Rubens sind beispielhaft für die unterschiedlichen kulturellen Klima, das in den Niederlanden evangelische und Borghese aus Flandern realistisch und Katholischen und der verschiedenen Ergebnisse des Barock in den beiden Ländern unterscheidet. In Holland das Problem von Licht, die die caravaggeschi Schule von Utrecht (Terbrugghen, Van Honthorst) und der flämischen Realismus genannt, F. Hals eine effektive Auslegung im barocken Stil gibt, sie zu lösen, in den Formen meditieren und dramatische im Rembrandt und Vermeer. Das Gemälde von Stativ zerfällt in eine Vielzahl von spezialisierten Genres: Landschaft (ruysdael), Städtische Ansichten, Blumen und Tiere, Stillleben, die in der Komplexität der Komposition und durch eine illusionistische Technik, sind auf dem Weg zu einem stärker akzentuiert decorativismo ausgerichtet. In Flandern die Arbeit von Rubens, gestreckt mit tiefen historischen Sinn die große Renaissance Tradition zu verarbeiten, erzielt Ergebnisse die landschaftlichen und naturalistischen Merkmale, die es zu einem der besten Errungenschaften des europäischen Barock. Die entscheidende Impulse für die Zusammensetzung einer großen Massen von Rubens beruhigt im eleganten Rhythmen in der Portraitmalerei feierliche des Schülers Van Dyck und durchbohrt, die sich in dem Sinne popolaresco, in der Arbeit der Jordaens. Bei der niederländischen Architektur, in den Canones eine rhetorische palladianesimo enthielt, lehnt die Architektur von Flandern auf der Basis von generischen Schemata aus dem italienischen Barock abgeleitet, in der Arbeit der Einige der Architekten der Gesellschaft Jesu (Aguillon, Projekt für die Kirche der Jesuiten in Antwerpen, geschrieben von huyssens; Hesius, Jesuitenkirche in Louvain). Kunst: in Österreich und Deutschland Die Barocke sie in einem komplexen Geflecht aus Erfahrungen und Einflüsse konfigurieren und erreichte Ergebnisse schlüssig und Vorlagen, die in den letzten Jahren des 17. und frühen 18. Jahrhunderts, von der Bearbeitung der Eingänge Französisch und Italienisch; um den Einfluss der Französischen Architekten (de Cotte, boffrand) in den Bau des Gerichtshofes in Deutschland, Bayern, Franken, Österreich, einer der italienischen Architekten (Solar, Barelli, Lurago, Carlone, Brunnen). Borrominiana guariniana und die Inspiration der Fischer von Erlach (Trinity von Salzburg, 1694-1702), der dientzenhofer (Trinity von Kappel, 1685-89), L. von Hildebrandt (Belvedere in Wien, 1721-24), B. Neumann (Residenz Würzburg, 1719-29), Pöppelmann (Zwinger Dresden, 1709-36), nicht nur für die Dekoration, sondern vor allem für die Aufmerksamkeit auf die Erneuerung der Strukturen: komplexe Anlagen, mal verdoppeln und sich überschneidenden, dilatation Perspektive von Räumen, organicity der Dekoration, Stuck und Fresken gewidmet, im Innenraum. Kunst: in Spanien In der Überwindung der späten Manierismus, der kam um die Fabrik des Escorial definiert, ist grundlegend für die innovative Arbeit von J. de Ribera, die sich in dramatischen Sinn und expressionistische Malerei der Caravaggeschi Neapolitaner und Römer, während des Aufenthalts in Italien bekannt interpretiert; bei ein und demselben Laib die Arbeit von Zurbarán tendenziell von den Räumlichkeiten des luminismo Beweise Kunststoff formale und eine starre fast Metaphysischen zu extrahieren, während in der Murillo Realismus fades Formen pathetisch und sentimental. Die Arbeit von Velázquez schließlich, dass mit der von Rembrandt ist vielleicht die größte Errungenschaft des barocken Realismus, verwaltet in Einklang zu bringen, für die perfekte Balance zwischen den formalen Beweis und Unmittelbarkeit der Darstellung, die Notwendigkeit der Wahren mit der Dekoration der Rechnungshof, in seinen Porträts, Gruppen, historische Szenen. Die Episode ist am wichtigsten in der Architektur, die zwischen dem siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert, konstituiert sich durch die Tätigkeit des Architekten und Dekorateure de Churriguera aktiv in Salamanca und Madrid, dass Laib naturalistischen und malerische Barock, erstellt eine Art der Dekoration ist umfassend und bewegt, dass dringt die architektonische Oberfläche sostituendovisi: eines der höchsten Ergebnisse dieser Stil ist der Transparente (1721-32) der Kathedrale von Toledo von Nr. Tomé. Kunst: In der spanischen Kolonien in Amerika Die Barocke churrigueresco findet ein Echo sofortige und brillante Bilder in den spanischen Kolonien in Amerika, wo es als Anregung auf der lebhaften Trends lokale dekorativ wirkt. Wenn in der Architektur des Barock und der Kunst der Import, Anhänger der europäischen Regelungen ist, Kunsthandwerk, in denen teilweise überlebt der indigenen Tradition ist frei drückt sich in Formen der decorativismo in reiche Innenausstattung akzentuiert (Kathedrale von Puebla, Mexiko). Kleinkunst In der organische Konzeption der Einrichtung, die dem reifen Barock wird eingefügt, der Kleinkunst, in einem raffinarsi technischer Prozesse und in einer allgemeinen Anhebung der Kunstfertigkeit, integraler Teil der Dekoration. Der Künstler ist der Schöpfer der gültige Gründe auch für das Kunsthandwerk, von Keramik bis zu Glas, von Handy zu Besteck: bezeugen die Kerben liberissimi im Bellunese Brustolon, die Stände der bergamasco Fantoni. In Frankreich die Möbel Lieferant A.-C. Boulle, der goldschmied Ballin, Caffieri, bronze Factory und Carver, Arbeit zu Gobelins in perfekter Synchronizität mit Architekten und Innenarchitekten, die berain Lepautre und. Die Organisation von Workshops in den Dienst der Gerichte, in Paris wie in Turin oder Rom, stellt eine neue Beziehung: von der einen Seite die barocke wird eine gemeinsame Sprache und breitet sich ein Handwerker im Stile auf regionaler und lokaler Ebene; auf der anderen Seite die Tätigkeit des Architekten und Dekorateure trägt zur Erhöhung des allgemeinen Grades an Produktion. Die historische Zyklen und Feier des Freskos Dekoration gefunden ein Echo bei der Wiederaufnahme der Produktion von Tapisserien (manufakturen von Gobelins; Brüssel; Monaco; Mortlake; Florenz; Rom): Autoren in der Tat der Kartons sind fast alle großen barocken Maler, von Rubens im Le Brun, während repliziert werden mit großem Glück einige Renaissance Zyklen (Raphael). Die Keramik Manufakturen von Faenza; Savona; Florenz; Nevers; Paris; Nürnberg; Delft), die Murano Glas und Böhmen, das Besteck wird in den Formen und in der Dekoration, um den neuen Geschmack mehr frei bleiben, diffuse Sammlungen von Modellen für die silberschmiede und Modellierer, die zu der Nivellierung des Geschmacks beitragen. MusikKunst: in Italien In Italien, dem römischen Barock bildet den Laib master Der neue Stil; auch mehr als anderswo ist offensichtlich in Rom, der Hauptstadt der Katholizität, die insbesondere auf die Einhaltung der künstlerischen Phänomen zu einer sozialen Wirklichkeit, innerhalb dessen in volle Übereinstimmung mit der Absicht entwickelt. In der Glut der Werke, Sixtus V. und Paul V begonnen hatte, in Anspruch nehmende Zusammenarbeit von Maderno, Fontana, die Tür die neue URBAN-Plan der Stadt, die Leitlinien in der Perspektive auf die wichtigsten Denkmäler definiert wurde, effektvoller Struktur der Basis für die barocken Rom. Die nächste Generation von Künstlern, die unter dem Pontifikat von Papst Urban VIII., brachte eine implizite Diskurs zur Reifung. In der Architektur die Überwindung der klassischen Methoden der Komposition wurde durch eine Kritik von innen an die klassischen Aufträge, die Ergebnisse in einer Erweiterung und in einem Revision: Protagonisten in den Jahren um 1630, Gian Lorenzo Bernini und Francesco Borromini, Pietro da Cortona realisiert. Räume und Volumen, nicht mehr Verbindungen nach einer einfachen Geometrie und sofort in seiner Logik ersichtlich, ist der Bereich der Spannungen, die Biegung Strukturen und Oberflächen und Bogen geworden ist, ist es in der Unterordnung der Parteien kompliziert. Kopien, auch in der Vielfalt der Ergebnisse, die Kirchen von SS. Luca und Martina (1634-50) und S. Maria vom Frieden (1656), Pietro da Cortona, S. Carlino alle Quattro Fontane (1634) der Borromini und monumentale szenografische Lösung von Kolonnaden des Bernini für die Basilika von S. Peter (1656-67), das Emblem der erneuerten Vorsatz Propaganda des Papsttums. Die Anlage Centrica bevorzugen Sie die elliptische, multilobed stellar, (S. Ivo alla Sapienza und S. Agnese in der Piazza Navona Borromini; S. Andrea al Quirinale von Bernini), um den Drehpunkt Dynamik der Kuppel, sammelt und löst die Spannung der membering und Oberflächen organisiert. Im privaten Gebäude, der Palazzo Barberini von Bernini stellt eine Art bestimmt zu verbreiten. Architektur und Dekoration, lackiert und skulpturale, haben den Wert "zusammen" untrennbar miteinander verbunden. Die dekorative Malerei in der Arbeit von Pietro da Cortona, Vater Pozzo, G.B. Gaulli konfigurieren Sie, wie die Überwindung der Klassizismus der Carracci (Galerie des Palazzo Farnese, 1594-96), die auch der Ausgangspunkt gebildet hat; die allegorische Feiern von Urban VIII. im Palazzo Barberini (1633-39), S. Ignatius (1682-98) und von Jesus (1672-83) in Kirchen Homonymen, unabhängig von jedem Ergebnis architektonische, schaffen Räume illusorisch, die die Grenzen der architektonischen Struktur durch die Einführung eines allgemeinen gedacht im gesamten europäischen Raum zu entwickeln, erweitern, bis zum achtzehnten Jahrhundert Advanced (Tiepolo). An der Seite des großen Laib dekorative Malerei, die mehr meditiert künstlerische Erfahrung von Caravaggio, in realistischer Form und antiretorica ausgedrückt, stellt eine der dynamischen Alternativen innerhalb des italienischen Barock und des Parlaments, die das Boot auf eine aktuelle, die Epigone in Frankreich, Spanien, in Flandern (Valentin, Ribera, Elsheimers), im Süden von Italien (Caracciolo, Priester) und der Toskana (O. Gentileschi). Ist es notwendig, wieder mit dem Konzept des Barock als Einheit der Künste im Sinne der Skulptur zu durchdringen zurück: Auch in diesem Bereich Herrscher ist Bernini mit seiner Schule (Baratta, Strahlen), die wächst und entwickelt sich rund um das Unternehmen der "canopy" von S. Peter, der "Stuhl des Heiligen" und der römischen Brunnen, die eine neue Interpretation malerische Natur vorschlagen. Eine aktuelle mehr Klassische führt zu A. Algardi. Im südlichen Italien, Ligurien, Venetien, Lombardei, Emilia, lokale Künstler entwickeln, mit neuem Empfindlichkeit, so viele Interpretationen des neuen Stils, die sich aus einer Graft einiger Aspekte der römischen Barock auf Matrizen der lokalen Kultur, während die Toskana am Rande der Bewegung bleibt. In Lecce (Kathedrale), Palermo (Villen von Bagheria), Catania, eine Interpretation äußerst Kunststoff dekorative und verändert die Flächen aber nicht Strukturen. In Genua selbst auf die lebendige Tradition der Manieristischen neue städtebauliche Lösungen (Via Balbi) und architektonische Tätigkeit der B. weiß; mehr als die Hälfte des ersten Jahrhunderts dekorative Zyklen De Ferrari, die naturalistische Skulpturen von berniniano Parodi Vorspiel, wegen der Eleganz des kompositorischen Rhythmen, zu Rokoko. In Venedig B.Longhena interpretiert im barocken Begriffe in S. Maria della Salute des Palladianischen Klassizismus, während in den Ateliers von Strozzi, Fetti, Liss Sie kritisch die große Tradition der venezianischen Malerei des 16. Jahrhunderts. In Bologna, auf Erfahrungen, die dekorativen von quadraturisti, Formen der Dynastie der Bühnenbildner Bibiena und der Accademia degli Incamminati lebendig hält eine klassische Tradition, von Carracci gestartet, in der Arbeit der G. Reni und Domenichino. In Mailand G. B. Crespi, die morazzone und Tanzio da Varallo interpretieren, im Einklang mit der lokalen Tradition eingedenk der Askese counter-reformistische im Alter von San Carlo, die heilige Drama als Einladung zur Meditation und Askese. Torino schließlich, der Hauptstadt des Savoy Zustand, wird entlang des 17. Jahrhunderts als barocke Städte konfiguriert; die historischen und monumentalen konzentriert sich um die Quadrate S. Carlo (1637) und das Schloss, maximale Manifestationen der erneuerten Stadtplanung der Stadt. Die links mit Frankreich rechtfertigen eine Suche der Monumentalität bei Iteration der architektonische Motive und Klassizismus, die ausgeschlossen sind, für die ein Bedarf für mehr Inhalt Dekoration, die Ergebnisse mehr Wagemut des römischen Barock. In der Dekoration des Inneren die allegorische Fresken der Guidobono, Dufour (Palazzo Madama), Seyter (Royal Palace) werden von Stuck und Kerben von Handwerkern von Lugano und lokalen Behörden eingerahmt. In einer Physiognomie der Stadt offene Internationale und die der Castellamonte einen endgültigen Charakter gegeben haben, die Arbeit der Guarini (Kapelle des Heiligen Grabtuch, 1668; Palazzo Carignano, das Kollegium der Adligen, Ca. 1680) passt mit der Richtigkeit der einen Kontrapunkt, und Juvara, die zu Beginn des achtzehnten Jahrhunderts (Basilika Superga, 1716; Palazzo Madama, 1718; Palazzina di Stupinigi, 1729-30), mit intelligenten Konsistenz. Kunst: in Frankreich Die Barocke übernimmt seine endgültige Form um großen Fabriken von Versailles (Le Vau, Mansart), den Louvre (Perrault), Les Invalides (Bruant, mansart) und auf die Pläne der großen städtischen Unterkunft, von der Place Royale (1605-12) Vendôme (Mansart, 1677-98), zu den allgemeinen Plänen von Blondel (1686) und Bullet (1690); Klassische Physiognomie, fast Polemik gegen die Lösungen mehr heterodoxen des römischen Barock, der in enger Verbindung mit dem absolutistischen Ideologie von Louis XIV, die zum Paradigma der Geschmack durch die offiziellen Organe der Akademien der Malerei (1648) und der Architektur (1671). Die französischen Klassizismus ist sicherlich nicht der Renaissance Art", um das Maß des Menschen", aber nachdrücklichen und monumental. Die Iteration der klassischen Muster der Spalte und der Giebel, Annahme der riesige Aufträge erreichen einen Effekt auch rhetorische und eloquent die höchsten Ergebnisse des italienischen Barock. Die Gärten von Versailles, die Champs-elysées und der königlichen Schlösser (Marly, Sceaux), geordnet nach zu einer geometrischen Szenografie und rational, bilden einen wesentlichen Aspekt der Stadtplanung und der barocken Architektur. Die Dekoration des inneren Offiziere, der Eifer organisatorische Le Brun, Schüler von Vouet anvertraut, und seine Schule, das die Zusammenarbeit von Bildhauern wie Coysevox Girardon und nach genauen Richtlinien von Schimmel carraccesco classiciste entwickelt. Auf der gleichen Linie, wie Sie die Aktivität ein mehr geistigen und literarischen Poussin, während die Tradition des Realismus Caravaggio krawatte zurück De La Tour und die Brüder Der Nain. Im privaten Bau wird nach genauen Regelungen der Typologie des Hôtel Particulier (City Palace) mit J. Du Cerceau und Muet definiert. Kunst: in England Auf der palladianischen Architektur in voller Pracht in I. Jones (Queen's House in Greenwich, 1616-35) rückt die Tätigkeit der C. Wren, der die Daten des Barock klassische französische interpretiert, ausgehend in Richtung auf eine strukturelle Vereinfachung und eine eklektische Auswahl und rational, die Sie definieren können, die barocke für seine extreme visuelle Evidenz: Die Kathedrale von S. Paul (1675-1710) in London ist die monumentale Leistung; diese Schule, gestreckt, von der klassischen Effekte mehr ungewöhnlich, entfernt von Anhängern in N. Hawksmoor (Castle Howard, 1699-1726) und in J. Vanbrugh (Blenheim, 1705-16) extrahieren. Die Inneneinrichtung echten Windsor aktiv sieht die Italienische Verrio (1674-84) nach den Regelungen des Gemäldes Continental feierlich. Die englische Aktivität von Van Dyck war der Ausgangspunkt für die Schule des 18. Jahrhunderts ritrattisti. Kunst: in Holland Die dominierende Persönlichkeit von Rembrandt und Rubens sind beispielhaft für die unterschiedlichen kulturellen Klima, das in den Niederlanden evangelische und Borghese aus Flandern realistisch und Katholischen und der verschiedenen Ergebnisse des Barock in den beiden Ländern unterscheidet. In Holland das Problem von Licht, die die caravaggeschi Schule von Utrecht (Terbrugghen, Van Honthorst) und der flämischen Realismus genannt, F. Hals eine effektive Auslegung im barocken Stil gibt, sie zu lösen, in den Formen meditieren und dramatische im Rembrandt und Vermeer. Das Gemälde von Stativ zerfällt in eine Vielzahl von spezialisierten Genres: Landschaft (ruysdael), Städtische Ansichten, Blumen und Tiere, Stillleben, die in der Komplexität der Komposition und durch eine illusionistische Technik, sind auf dem Weg zu einem stärker akzentuiert decorativismo ausgerichtet. In Flandern die Arbeit von Rubens, gestreckt mit tiefen historischen Sinn die große Renaissance Tradition zu verarbeiten, erzielt Ergebnisse die landschaftlichen und naturalistischen Merkmale, die es zu einem der besten Errungenschaften des europäischen Barock. Die entscheidende Impulse für die Zusammensetzung einer großen Massen von Rubens beruhigt im eleganten Rhythmen in der Portraitmalerei feierliche des Schülers Van Dyck und durchbohrt, die sich in dem Sinne popolaresco, in der Arbeit der Jordaens. Bei der niederländischen Architektur, in den Canones eine rhetorische palladianesimo enthielt, lehnt die Architektur von Flandern auf der Basis von generischen Schemata aus dem italienischen Barock abgeleitet, in der Arbeit der Einige der Architekten der Gesellschaft Jesu (Aguillon, Projekt für die Kirche der Jesuiten in Antwerpen, geschrieben von huyssens; Hesius, Jesuitenkirche in Louvain). Kunst: in Österreich und Deutschland Die Barocke sie in einem komplexen Geflecht aus Erfahrungen und Einflüsse konfigurieren und erreichte Ergebnisse schlüssig und Vorlagen, die in den letzten Jahren des 17. und frühen 18. Jahrhunderts, von der Bearbeitung der Eingänge Französisch und Italienisch; um den Einfluss der Französischen Architekten (de Cotte, boffrand) in den Bau des Gerichtshofes in Deutschland, Bayern, Franken, Österreich, einer der italienischen Architekten (Solar, Barelli, Lurago, Carlone, Brunnen). Borrominiana guariniana und die Inspiration der Fischer von Erlach (Trinity von Salzburg, 1694-1702), der dientzenhofer (Trinity von Kappel, 1685-89), L. von Hildebrandt (Belvedere in Wien, 1721-24), B. Neumann (Residenz Würzburg, 1719-29), Pöppelmann (Zwinger Dresden, 1709-36), nicht nur für die Dekoration, sondern vor allem für die Aufmerksamkeit auf die Erneuerung der Strukturen: komplexe Anlagen, mal verdoppeln und sich überschneidenden, dilatation Perspektive von Räumen, organicity der Dekoration, Stuck und Fresken gewidmet, im Innenraum. Kunst: in Spanien In der Überwindung der späten Manierismus, der kam um die Fabrik des Escorial definiert, ist grundlegend für die innovative Arbeit von J. de Ribera, die sich in dramatischen Sinn und expressionistische Malerei der Caravaggeschi Neapolitaner und Römer, während des Aufenthalts in Italien bekannt interpretiert; bei ein und demselben Laib die Arbeit von Zurbarán tendenziell von den Räumlichkeiten des luminismo Beweise Kunststoff formale und eine starre fast Metaphysischen zu extrahieren, während in der Murillo Realismus fades Formen pathetisch und sentimental. Die Arbeit von Velázquez schließlich, dass mit der von Rembrandt ist vielleicht die größte Errungenschaft des barocken Realismus, verwaltet in Einklang zu bringen, für die perfekte Balance zwischen den formalen Beweis und Unmittelbarkeit der Darstellung, die Notwendigkeit der Wahren mit der Dekoration der Rechnungshof, in seinen Porträts, Gruppen, historische Szenen. Die Episode ist am wichtigsten in der Architektur, die zwischen dem siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert, konstituiert sich durch die Tätigkeit des Architekten und Dekorateure de Churriguera aktiv in Salamanca und Madrid, dass Laib naturalistischen und malerische Barock, erstellt eine Art der Dekoration ist umfassend und bewegt, dass dringt die architektonische Oberfläche sostituendovisi: eines der höchsten Ergebnisse dieser Stil ist der Transparente (1721-32) der Kathedrale von Toledo von Nr. Tomé. Kunst: In der spanischen Kolonien in Amerika Die Barocke churrigueresco findet ein Echo sofortige und brillante Bilder in den spanischen Kolonien in Amerika, wo es als Anregung auf der lebhaften Trends lokale dekorativ wirkt. Wenn in der Architektur des Barock und der Kunst der Import, Anhänger der europäischen Regelungen ist, Kunsthandwerk, in denen teilweise überlebt der indigenen Tradition ist frei drückt sich in Formen der decorativismo in reiche Innenausstattung akzentuiert (Kathedrale von Puebla, Mexiko). Kleinkunst In der organische Konzeption der Einrichtung, die dem reifen Barock wird eingefügt, der Kleinkunst, in einem raffinarsi technischer Prozesse und in einer allgemeinen Anhebung der Kunstfertigkeit, integraler Teil der Dekoration. Der Künstler ist der Schöpfer der gültige Gründe auch für das Kunsthandwerk, von Keramik bis zu Glas, von Handy zu Besteck: bezeugen die Kerben liberissimi im Bellunese Brustolon, die Stände der bergamasco Fantoni. In Frankreich die Möbel Lieferant A.-C. Boulle, der goldschmied Ballin, Caffieri, bronze Factory und Carver, Arbeit zu Gobelins in perfekter Synchronizität mit Architekten und Innenarchitekten, die berain Lepautre und. Die Organisation von Workshops in den Dienst der Gerichte, in Paris wie in Turin oder Rom, stellt eine neue Beziehung: von der einen Seite die barocke wird eine gemeinsame Sprache und breitet sich ein Handwerker im Stile auf regionaler und lokaler Ebene; auf der anderen Seite die Tätigkeit des Architekten und Dekorateure trägt zur Erhöhung des allgemeinen Grades an Produktion. Die historische Zyklen und Feier des Freskos Dekoration gefunden ein Echo bei der Wiederaufnahme der Produktion von Tapisserien (manufakturen von Gobelins; Brüssel; Monaco; Mortlake; Florenz; Rom): Autoren in der Tat der Kartons sind fast alle großen barocken Maler, von Rubens im Le Brun, während repliziert werden mit großem Glück einige Renaissance Zyklen (Raphael). Die Keramik Manufakturen von Faenza; Savona; Florenz; Nevers; Paris; Nürnberg; Delft), die Murano Glas und Böhmen, das Besteck wird in den Formen und in der Dekoration, um den neuen Geschmack mehr frei bleiben, diffuse Sammlungen von Modellen für die silberschmiede und Modellierer, die zu der Nivellierung des Geschmacks beitragen. Musik Der Begriff erscheint in musikalischen Geschichtsschreibung nur um 1920: Die deutsche Musikwissenschaft hat aus der bildenden Kunst genommen, wenn die Gelehrten in der Geschichte der Kunst als stilistische Festlegung einer Frist angenommen hatte, jetzt kostenlos von den negativen Konnotationen, die am Ursprung hatte. Die Verwendung des Begriffs im Bereich der Musikwissenschaftlichen provoziert lebendige Kontraste und ist noch nicht universell akzeptiert: in Großbritannien, in Frankreich und in Italien Begegnungen insbesondere Störungen, vor allem wegen der Schwierigkeit, eine stilistische Definition einheitlichen einen Zeitraum, der sich über ein Jahrhundert und eine Hälfte (Ca. 1600-1750), reich an musikalischen Veranstaltungen disparatissime. Auf der anderen Seite einen breiten Strom der Musikwissenschaft ist der Auffassung, dass der Begriff besitzt eine Anregung unverzichtbar wie stilistische Hinweise allgemein für einen Zeitraum, in dem die Erneuerung der Sprache der Musik hat unbestreitbar eine Parallelität mit der figurativen Sprache (auch wenn es natürlich nicht angemessen, zu versuchen, zu detailliert Übereinstimmungen zu ravvisarvi): auf der Ebene rein sprachliche, ist sicherlich eine Definition geeigneter als das von Riemann, die einfach zu einem bestimmten technischen bezieht, wenn auch entscheidende, sprechen von "Alter der Basso continuo". Mit dem Einsatz von Barock erscheint viel mehr die Vermittlung kulturell-historischen Stil deutlich. Das Aufkommen des Basso continuo ist immer noch einer der auffälligsten der Transformation der Sprache der Renaissance, das um 1600. Schreiben streng Polyphon, worin alle Einträge auf der gleichen Ebene von Bedeutung waren, ist die Vereinfachung und Vorurteile auf extreme Einträge: bekräftigt die monodia begleitet und die Versammlung der Vertragsparteien in vertikaler Richtung bestimmt die Entwicklung von Harmonie, das aus der Mode ist kostenlos, und definiert den Farbton. Die Konzeption der Rede in horizontaler Richtung ist daher weniger, oder (wie in Bach) schreiben counterpointistic passt, harmonisch. Die Haftung der Musik in die Welt der "Leiden" ist eines der Ziele der barocken Lyrik: Die statische Renaissance Balance bietet Platz für eine lebendige ausdrucksstarke Dynamik, die sich in der traumhaften Intensität der colorismo der Venezianischen Schule kann wie in der Linearität des monophone Kompositionen. Die Suche der Spannung, Kontrast, "Chiaroscuro", auch in der Instrumentalmusik, die in der Barockzeit mit dem Concerto grosso solo und mit der Sonate und mit Kompositionen für Orgel und Cembalo geboren wird und sich entwickelt. Mit der Übernahme durch die Instrumentalmusik Tanz bildet auch die Fluid- und verschiebbaren Renaissance Rhythmus dreht razionalizzandosi. Die Tools selbst sichtbar in Anzahl vermindern und sind in Abhängigkeit von der Suche nach einem neuen ideal Sound perfektioniert. Parallel zur Instrumentalmusik, die in Venedig eines der Zentren der großen Entwicklung befinden, sind sie im Bereich der Stimme die Genres das Oratorium der gesungen und das Melodram: in Letzterem die glitz Scenic, der Geschmack für die Ornamente und Virtuosität beziehen, wie viele Einstellungen ein Sinnbild der barocken Geschmack. Zurbarán, Francisco de - Der Begriff erscheint in musikalischen Geschichtsschreibung nur um 1920: Die deutsche Musikwissenschaft hat aus der bildenden Kunst genommen, wenn die Gelehrten in der Geschichte der Kunst als stilistische Festlegung einer Frist angenommen hatte, jetzt kostenlos von den negativen Konnotationen, die am Ursprung hatte. Die Verwendung des Begriffs im Bereich der Musikwissenschaftlichen provoziert lebendige Kontraste und ist noch nicht universell akzeptiert: in Großbritannien, in Frankreich und in Italien Begegnungen insbesondere Störungen, vor allem wegen der Schwierigkeit, eine stilistische Definition einheitlichen einen Zeitraum, der sich über ein Jahrhundert und eine Hälfte (Ca. 1600-1750), reich an musikalischen Veranstaltungen disparatissime. Auf der anderen Seite einen breiten Strom der Musikwissenschaft ist der Auffassung, dass der Begriff besitzt eine Anregung unverzichtbar wie stilistische Hinweise allgemein für einen Zeitraum, in dem die Erneuerung der Sprache der Musik hat unbestreitbar eine Parallelität mit der figurativen Sprache (auch wenn es natürlich nicht angemessen, zu versuchen, zu detailliert Übereinstimmungen zu ravvisarvi): auf der Ebene rein sprachliche, ist sicherlich eine Definition geeigneter als das von Riemann, die einfach zu einem bestimmten technischen bezieht, wenn auch entscheidende, sprechen von "Alter der Basso continuo". Mit dem Einsatz von Barock erscheint viel mehr die Vermittlung kulturell-historischen Stil deutlich. Das Aufkommen des Basso continuo ist immer noch einer der auffälligsten der Transformation der Sprache der Renaissance, das um 1600. Schreiben streng Polyphon, worin alle Einträge auf der gleichen Ebene von Bedeutung waren, ist die Vereinfachung und Vorurteile auf extreme Einträge: bekräftigt die monodia begleitet und die Versammlung der Vertragsparteien in vertikaler Richtung bestimmt die Entwicklung von Harmonie, das aus der Mode ist kostenlos, und definiert den Farbton. Die Konzeption der Rede in horizontaler Richtung ist daher weniger, oder (wie in Bach) schreiben counterpointistic passt, harmonisch. Die Haftung der Musik in die Welt der "Leiden" ist eines der Ziele der barocken Lyrik: Die statische Renaissance Balance bietet Platz für eine lebendige ausdrucksstarke Dynamik, die sich in der traumhaften Intensität der colorismo der Venezianischen Schule kann wie in der Linearität des monophone Kompositionen. Die Suche der Spannung, Kontrast, "Chiaroscuro", auch in der Instrumentalmusik, die in der Barockzeit mit dem Concerto grosso solo und mit der Sonate und mit Kompositionen für Orgel und Cembalo geboren wird und sich entwickelt. Mit der Übernahme durch die Instrumentalmusik Tanz bildet auch die Fluid- und verschiebbaren Renaissance Rhythmus dreht razionalizzandosi. Die Tools selbst sichtbar in Anzahl vermindern und sind in Abhängigkeit von der Suche nach einem neuen ideal Sound perfektioniert. Parallel zur Instrumentalmusik, die in Venedig eines der Zentren der großen Entwicklung befinden, sind sie im Bereich der Stimme die Genres das Oratorium der gesungen und das Melodram: in Letzterem die glitz Scenic, der Geschmack für die Ornamente und Virtuosität beziehen, wie viele Einstellungen ein Sinnbild der barocken Geschmack. Zurbarán, Francisco de -
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