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Arte: em Itália Em Itália, a barroca Romana constitui o pão mestre de novo estilo; também mais do que noutros países é evidente em Roma, capital da catolicidade, a especial aderência do fenômeno artístico a uma realidade social dentro do qual se desenvolve em plena conformidade de intenções. No fervor de obras que Sisto V e Paulo V havia começado, que façam uso da colaboração de Maderno, Fontana, a porta foi definido o novo plano urbano da cidade de orientações em perspectiva para os principais monumentos, cenográfica estrutura da base para o barroco de Roma. A próxima geração de artistas, sob o pontificado do Papa Urbano VIII, trouxe a maturação de um discurso implícito. Na arquitetura a superação dos métodos clássicos de composição foi realizada através de uma crítica a partir do interior para ordens clássicas, o que resulta em um alargamento e uma revisão: protagonistas nos anos em torno de 1630, Gian Lorenzo Bernini e Francesco Borromini, Pietro da Cortona. Espaços e volumes, não mais compostos de acordo com uma geometria simples e imediatamente evidente na sua lógica, tornar o campo de tensões que dobre e estruturas de proa e superfícies, é complicada na subordinação das partes. Cópias, mesmo na diversidade de resultados, as igrejas de SS. Luca e Martina (1634-50) e S. Maria da Paz (1656), Pietro da Cortona, S. Carlino alle Quattro Fontane (1634) do Borromini e monumental solução cenotécnico da colunata de Bernini para a basílica de S. Pedro (1656-67), o emblema da renovada intenção de propaganda do papado. A fábrica centrica preferir o elíptico, multilobed stellar, (S. Ivo alla Sapienza e S. Agnese na piazza Navona Borromini; S. Andrea al Quirinale de Bernini ), organizado em torno da Fulcrum dinâmica da cúpula que recolhe e elimina a tensão do membering e superfícies. No edifício privado, o Palazzo Barberini de Bernini estabelece um tipo destinados a difundir. Arquitetura e decoração pintada e esculpida, têm um valor de "juntos" inseparáveis. A pintura decorativa na obra de Pietro da Cortona, Padre Pozzo, G.B. Gaulli, você configurar como a superação do classicismo do Carracci (Galeria de Palazzo Farnese, 1594-96) que também constituiu o ponto de partida; o alegórico celebrações de Urbano VIII no Palazzo Barberini (1633-39), S. Inácio (1682-98) e de Jesus (1672-83) em igrejas homónimas, que prescinde de qualquer pontuação arquitectónico, criar espaços ilusória que expandir os limites da estrutura arquitetônica através da criação de um quadro geral destinado a evoluir em todo o espaço europeu, até o século XVIII avançado (Tiepolo). Ao lado do grande bolo de pintura decorativa, mais meditada experiência artística de Caravaggio , expressa em forma realista e antiretorica, constitui uma das alternativas dinâmico dentro do barroco italiano e europeu, dando o boot para uma corrente que irá encontrar epigone em França, Espanha, na Flandres (Valentin, Ribera, Elsheimer), no Sul da Itália (Caracciolo, sacerdotes) e Toscana (O. Gentileschi). É necessário retornar novamente para o conceito de barroco como uma unidade das artes para penetrar o sentido da escultura: também neste campo régua é Bernini com sua escola (Baratta, raios), que cresce e se desenvolve em torno de empresas da "cobertura" de S. Pedro, a "cátedra de Santo" e de fontes romana, que propõem uma nova interpretação pitoresca natureza. Uma corrente mais clássica leva a A. Algardi. No sul da Itália, na Ligúria, Veneto, Lombardia, Emilia, artistas locais desenvolver, com renovada sensibilidade, como muitas interpretações do novo estilo, resultantes de um enxerto de alguns aspectos da barroca Romana sobre matrizes da cultura local, enquanto o Toscana permanece à margem do movimento. Em Lecce (Catedral), Palermo (villas de Novalaise), Catania, uma interpretação extremamente decorativos de plástico e altera as superfície mas não estruturas. Em Génova no mesmo da tradição viva da concepção maneirista engatar novas soluções urbanístico (Via Balbi) e arquitectónico actividade de B. branco; mais de metade do primeiro século ciclos decorativos de Ferrari, o naturalista esculturas de berniniano Parodi prelúdio, devido à elegância dos ritmos de composição para o rococó. Em Veneza B. Longhena interpreta em termos barroco em S. Maria della Salute Paladiano classicismo, enquanto nos ateliers de Strozzi, Fetti, Liss você processo de forma crítica a grande tradição da pintura veneziana do século xvi. Em Bolonha, sobre as experiências de quadraturisti decorativa, formas a dinastia dos projectistas e a Accademia degli Bibiena Incamminati mantém viva uma tradição clássica, iniciado por Carracci no trabalho de G. Reni e Domenichino. Em Milão G. B. Crespi, Morazzone e Tanzio da Varallo interpretar, em conformidade com as tradições locais conscientes de ascetismo contra-reformistas da idade de San Carlo, sagrado drama como convite para a meditação e a ascese. Torino finalmente, capital do Estado de Sabóia, está sendo configurado ao longo de todo o século XVII como cidades barroco; seu histórico e monumental se concentra em torno de praças S. Carlo (1637) e o castelo, máximo de manifestações de urbanismo renovada na cidade. Os laços com a França justificar uma pesquisa da monumentalidade baseado na iteração de motivos arquitetônicos e um classicismo que exclui, para a necessidade de mais conteúdo decoração, os resultados mais ousada da barroca Romana. A decoração do interior o alegórico afrescos do Guidobono, Dufour (Palazzo Madama), Seyter (Palácio Real) são emoldurados por estuques e entalhes feitos por artesãos de Lugano e autoridades locais. Na fisionomia da cidade e que o Castellamonte internacionais têm dado um carácter definitivo, o trabalho de Guarini (Capela do Santo Sudário, 1668; Palazzo Carignano, o Colégio dos Nobres, ca. 1680) se encaixa com a regularidade de um contraponto e Juvara, no início do século XVIII (Basílica de Superga, 1716; Palazzo Madama, 1718; Palazzina di Stupinigi, 1729-30), com consistência inteligente. Arte: em França O barroco assume a sua forma final em torno das grandes fábricas de Versailles real (Le Vau, Mansart), o Louvre (Perrault), Les Invalides (Bruant, Mansart) e sobre os esquemas de grandes aglomerações urbanas alojamento, da Place Royale (1605-12) a Place Vendôme (Mansart, 1677-98), ao plano geral de Blondel (1686) e Bullet (1690); Peste fisionomia, quase polémica contra as soluções mais heterodoxas de barroca Romana, intimamente ligado com a ideologia absolutista de Louis XIV, que se torna um paradigma de sabor através de órgãos oficiais das academias de pintura (1648) e da arquitectura (1671). O classicismo francês certamente não é do tipo Renascentista, "à medida do homem", mas enfático e monumental. A iteração do padrão clássico da coluna e do frontão Adopção da ordem gigante alcançar um efeito igualmente retórico e eloquente os resultados mais elevados do Barroco Italiano. Os jardins de Versailles em o Jardim das Tulherias e o royal castelos (Marly, Sceaux), ordenados segundo a geométrico cenografia e racional, constitui um aspecto essencial do planeamento urbano e de arquitectura barroca. A decoração do interior oficiais, confiada ao zelo organizacional Le Brun, aluno de Vouet e sua escola, que aproveita a colaboração de escultores como Coysevox Girardon e se desenvolve de acordo com as directivas de molde classiciste precisas carraccesco. Na mesma linha que você insira a actividade mais intelectual e obras literárias Poussin, enquanto a tradição de realismo Caravaggio amarre De La Tour e os irmãos a Naim. Na casa de construção é definida de acordo com a tipologia dos regimes precisas o hôtel particulier (um palácio da cidade) com J. Du Cerceau e Muet. Arte: na Inglaterra Sobre a arquitectura de Palladio em pleno esplendor em I. Jones (Queen's House em Greenwich, 1616-35) aciona a atividade de C. Wren que interpreta os dados do barroco clássico francês, processo no sentido de uma simplificação estrutural e uma eclética e escolha racional, o resultado do que você pode definir o estilo barroco por sua extrema evidência visual: a catedral de S. Paulo (1675-1710) em Londres é a mais monumental realização; esta escola, estendeu para extrair a partir do clássico efeitos mais incomum, localizado de seguidores em N. Hawksmoor (Castelo Howard, 1699-1726) e J. Vanbrugh (Blenheim, 1705-16). A decoração interior real Windsor ativo vê o italiano Verrio (1674-84), de acordo com os esquemas da pintura continental solene. A actividade de Inglês Van Dyck foi o ponto de partida para a escola do século XVIII-ritrattisti. Arte: na Holanda A personalidade dominante de Rembrandt e Rubens são exemplares de diferentes clima cultural que distingue os Países Baixos e a protestante Borghese da Flandres realista e católica e de vários desfechos do Barroco nos dois países . Na Holanda o problema da luz, definido pelo caravaggeschi escola de Utrecht (Terbrugghen, Van Honthorst), e o realismo Flamengo, referido F. Hals dá uma interpretação eficaz em estilo barroco, você resolver, em formas de meditar e dramático no Rembrandt e Vermeer. A pintura de tripé se decompõe em uma multiplicidade de gêneros especializados: paisagem (Ruysdael), vistas urbanas, de flores e animais, naturezas mortas que, na complexidade da composição e através de uma técnica de ilusionista, são direcionados a um decorativismo mais acentuada. Na Flandres o trabalho de Rubens, estendeu para reprocessar com profundo sentido histórico a grande tradição renascentista, alcança resultados mais cênicas e naturalística características que a tornam uma das mais perfeitas realizações do barroco europeu. O impulso vital da composição de um grandes massas de Rubens acalma em ritmos elegantes em retratos solene do aluno Van Dyck e penetra, evoluindo no sentido popolaresco, no trabalho de Jordaens. Holandês de arquitetura, contido dentro dos cânones da retórica palladianesimo, se opõe a arquitetura da Flandres com base em regimes genérico derivado do Barroco italianos no trabalho de alguns dos arquitectos da Companhia de Jesus (Aguillon, o projeto para a Igreja dos Jesuítas em Antuérpia, reescritas por Huyssens; Hesius, igreja jesuíta em Louvain). Arte: na Áustria e Alemanha O barroco que você configurar no interior de um complexo de tafetá de experiências e influências, alcançando resultados conclusivos e originais nos últimos anos do século XVII e início do XVIII, a partir da transformação de entradas do francês e do italiano; a influência de arquitetos franceses (De Cotte, Boffrand) na construção do Tribunal na Alemanha acrescenta, na Baviera, Francónia, Áustria, um dos arquitectos italianos (energia solar, Barelli, Lurago, Carlone, fonte). Borrominiana guariniana e a inspiração de Fischer von Erlach (Trindade de Salzburgo, 1694-1702), do Dientzenhofer (Trindade de Kappel, 1685-89), L. von Hildebrandt (Belvedere em Viena, 1721-24), B. Neumann (Residenz Würzburg, 1719-29), Pöppelmann (Zwinger Dresden, 1709-36), não só para a decoração, mas especialmente para a atenção dedicada à renovação das estruturas: plantas complexas, tempos duplos e interseção, dilatação perspectiva de espaços, organicidade de decoração, estuque e fresco, no interior. Arte: em Espanha Na superação dos atrasos de maneirismo que veio definido em redor da fábrica do Escorial, é fundamental para o trabalho inovador de J. de Ribera que interpreta no sentido dramático e expressionistas a pintura do Caravaggeschi napolitanos e Romanos, conhecido durante a estadia em Itália; no mesmo pão o trabalho de Zurbarán tende a extrair das instalações do luminismo prova formal de plástico e uma invariabilidade quase metafísico, enquanto no de realismo Murillo desbota formas patético e sentimental. O trabalho de Velázquez finalmente, que com que de Rembrandt é talvez a maior conquista do barroco realismo, consegue conciliar, para o equilíbrio perfeito entre a prova formal e o imediatismo de representação, a necessidade de verdade com a decoração do tribunal , em seus retratos, grupos, cenas históricas. O episódio mais importante na arquitetura, entre o século XVII e XVIII, é constituída pela atividade dos arquitetos e decoradores de Churriguera activo em Salamanca e Madrid, que, pão de naturalista e pitoresca barroco, elaborará um tipo de decoração é abrangente e movido que invade a superfície arquitetônica sostituendovisi: um dos resultados mais elevados deste estilo é o transparente (1721-32) da Catedral de Toledo de n° Tomé. Arte: em colônias espanholas da América O barroco churrigueresco encontra um eco imediato e brilhantes em colônias espanholas da América, onde ele atua como um estímulo na animada tendências locais decorativa. Se na arquitetura barroca e arte de importação, é mantido aderentes ao sistemas europeus, artesanato local em que parcialmente sobrevive à tradição indígena é livremente expressa em formas de decorativismo acentuada no rico interior (Catedral de Puebla, México). Artes menores Inserido na orgânica concepção da decoração que é próprio da maturidade do barroco, os menores de artes, em um raffinarsi de processos técnicos e de uma sensibilização geral do nível de profissionalismo, se tornar parte integrante da decoração. O artista é um criador de razões válidas também para o artesanato, de cerâmicas de vidro, do dispositivo móvel para talheres: testemunhar liberissimi os entalhes no Bellunese Brustolon, bancas de o bergamasco Fantoni. Em França o mobiliário fornecedor A.-C. Boulle, o ourives Ballin, Caffieri, bronze fábrica e escultores, trabalho a Gobelins em perfeita sincronia com os arquitetos e decoradores de interiores, que Berain Lepautre e. A organização de workshops de grande ao serviço dos tribunais, em Paris como em Turim ou Roma, estabelece uma nova relação: de um lado o barroco se torna uma linguagem comum e se difunde no nível de um artesão em estilos a nível regional e local; por outro lado a atividade dos arquitetos e decoradores contribui para aumentar o nível geral de produção. Os ciclos históricos e a celebração da decoração afresco encontrado eco na retomada da produção de tapeçarias (manufactories de Gobelins; Bruxelas; Mónaco; Mortlake; Florença; Roma): autores no facto de cartões são quase todos os grandes pintores do barroco, por Rubens em Le Brun, enquanto são replicados com grande sorte alguns ciclos de renascimento (Rafael). O manufactories cerâmica de Faenza; Savona; Florença; Nevers; Saint-Cloud; Nuremberga; Delft), o vidro de Murano e a Boémia, talheres devem respeitar nas formas e na decoração para o novo gosto mais livre, enquanto coleções difusas de modelos para a fabulosa e modellers que contribuem para o nivelamento do gosto. Música O termo aparece na historiografia musical apenas cerca de 1920: o alemão musicologia tomou a partir de artes visuais quando os estudiosos da história da arte tinha aceite como definição estilística de um período, agora livre das conotações negativas que tinha na origem. O uso do termo no campo da musicological provocou animada contrastes e ainda não é universalmente aceite: na Grã-Bretanha, em França e em Itália encontra especial interferência, principalmente devido à dificuldade de dar uma definição unitária estilística um período que se estende de um século e meio (ca. 1600-1750), rico de eventos musicais disparatissime. Por outro lado uma ampla corrente de musicologia considera que o termo possui uma sugestão indispensável como indicação estilística geral para um período em que a renovação da linguagem da música tem um inegável paralelismo com a linguagem figurativa (mesmo se é evidente que não é adequado para tentar ravvisarvi demasiado pormenorizada correspondências): no plano estritamente linguística, é certamente uma definição mais apropriada do que a de Riemann, que se refere simplesmente a uma determinada técnica, embora decisivo, falando de "idade da basso continuo". Com o uso do estilo barroco é muito mais evidente a colocação estilo histórico-cultural. O advento da basso continuo ainda é um dos mais visíveis da transformação da língua do período renascentista que está fazendo em torno de 1600. Escrito estritamente polifônico, onde todas as entradas foram no mesmo plano de importância, é simplificar e vieses em extremos de entradas: afirma a monodia acompanhada e a reunião das partes no sentido vertical que determina o desenvolvimento da harmonia, que é livre de o modo e define a tonalidade. A concepção do discurso no sentido horizontal é portanto menos ou (como em Bach) escrito counterpointistic se encaixa com a harmônica. A aderência da música para o mundo de "sofrimento" é uma das finalidades do Barroco poesia: o equilíbrio estático renaissance dá lugar a uma vibrante expressivo dinamismo, que pode se manifestar no belíssimo intensidade do colorismo da escola de Veneza como em a linearidade de composições monofónico. A pesquisa de tensão, contraste, "chiaroscuro", declarou também na música instrumental, que nasce e se desenvolve na idade barroca com o Concerto grosso a solo e com o sonata e com composições para órgão e cravo. Com a assunção pela música instrumental de dança formas também o fluido e deslizando o ritmo voltas razionalizzandosi renascentista. As ferramentas de si visivelmente diminuir em número e são aperfeiçoados em função da busca de um novo som ideal. Paralelamente à música instrumental, que está localizado em Veneza um dos centros de grande desenvolvimento, eles estão no campo da voz os gêneros do oratório de cantada e o melodrama: neste último o glitz Scénic, o gosto pela ornamentação e virtuosidade consulte como muitas atitudes emblemáticas de sabor barroco. Zurbarán, Francisco de- Arte: em Itália Em Itália, a barroca Romana constitui o pão mestre de novo estilo; também mais do que noutros países é evidente em Roma, capital da catolicidade, a especial aderência do fenômeno artístico a uma realidade social dentro do qual se desenvolve em plena conformidade de intenções. No fervor de obras que Sisto V e Paulo V havia começado, que façam uso da colaboração de Maderno, Fontana, a porta foi definido o novo plano urbano da cidade de orientações em perspectiva para os principais monumentos, cenográfica estrutura da base para o barroco de Roma. A próxima geração de artistas, sob o pontificado do Papa Urbano VIII, trouxe a maturação de um discurso implícito. Na arquitetura a superação dos métodos clássicos de composição foi realizada através de uma crítica a partir do interior para ordens clássicas, o que resulta em um alargamento e uma revisão: protagonistas nos anos em torno de 1630, Gian Lorenzo Bernini e Francesco Borromini, Pietro da Cortona. Espaços e volumes, não mais compostos de acordo com uma geometria simples e imediatamente evidente na sua lógica, tornar o campo de tensões que dobre e estruturas de proa e superfícies, é complicada na subordinação das partes. Cópias, mesmo na diversidade de resultados, as igrejas de SS. Luca e Martina (1634-50) e S. Maria da Paz (1656), Pietro da Cortona, S. Carlino alle Quattro Fontane (1634) do Borromini e monumental solução cenotécnico da colunata de Bernini para a basílica de S. Pedro (1656-67), o emblema da renovada intenção de propaganda do papado. A fábrica centrica preferir o elíptico, multilobed stellar, (S. Ivo alla Sapienza e S. Agnese na piazza Navona Borromini; S. Andrea al Quirinale de Bernini ), organizado em torno da Fulcrum dinâmica da cúpula que recolhe e elimina a tensão do membering e superfícies. No edifício privado, o Palazzo Barberini de Bernini estabelece um tipo destinados a difundir. Arquitetura e decoração pintada e esculpida, têm um valor de "juntos" inseparáveis. A pintura decorativa na obra de Pietro da Cortona, Padre Pozzo, G.B. Gaulli, você configurar como a superação do classicismo do Carracci (Galeria de Palazzo Farnese, 1594-96) que também constituiu o ponto de partida; o alegórico celebrações de Urbano VIII no Palazzo Barberini (1633-39), S. Inácio (1682-98) e de Jesus (1672-83) em igrejas homónimas, que prescinde de qualquer pontuação arquitectónico, criar espaços ilusória que expandir os limites da estrutura arquitetônica através da criação de um quadro geral destinado a evoluir em todo o espaço europeu, até o século XVIII avançado (Tiepolo). Ao lado do grande bolo de pintura decorativa, mais meditada experiência artística de Caravaggio , expressa em forma realista e antiretorica, constitui uma das alternativas dinâmico dentro do barroco italiano e europeu, dando o boot para uma corrente que irá encontrar epigone em França, Espanha, na Flandres (Valentin, Ribera, Elsheimer), no Sul da Itália (Caracciolo, sacerdotes) e Toscana (O. Gentileschi). É necessário retornar novamente para o conceito de barroco como uma unidade das artes para penetrar o sentido da escultura: também neste campo régua é Bernini com sua escola (Baratta, raios), que cresce e se desenvolve em torno de empresas da "cobertura" de S. Pedro, a "cátedra de Santo" e de fontes romana, que propõem uma nova interpretação pitoresca natureza. Uma corrente mais clássica leva a A. Algardi. No sul da Itália, na Ligúria, Veneto, Lombardia, Emilia, artistas locais desenvolver, com renovada sensibilidade, como muitas interpretações do novo estilo, resultantes de um enxerto de alguns aspectos da barroca Romana sobre matrizes da cultura local, enquanto o Toscana permanece à margem do movimento. Em Lecce (Catedral), Palermo (villas de Novalaise), Catania, uma interpretação extremamente decorativos de plástico e altera as superfície mas não estruturas. Em Génova no mesmo da tradição viva da concepção maneirista engatar novas soluções urbanístico (Via Balbi) e arquitectónico actividade de B. branco; mais de metade do primeiro século ciclos decorativos de Ferrari, o naturalista esculturas de berniniano Parodi prelúdio, devido à elegância dos ritmos de composição para o rococó. Em Veneza B. Longhena interpreta em termos barroco em S. Maria della Salute Paladiano classicismo, enquanto nos ateliers de Strozzi, Fetti, Liss você processo de forma crítica a grande tradição da pintura veneziana do século xvi. Em Bolonha, sobre as experiências de quadraturisti decorativa, formas a dinastia dos projectistas e a Accademia degli Bibiena Incamminati mantém viva uma tradição clássica, iniciado por Carracci no trabalho de G. Reni e Domenichino. Em Milão G. B. Crespi, Morazzone e Tanzio da Varallo interpretar, em conformidade com as tradições locais conscientes de ascetismo contra-reformistas da idade de San Carlo, sagrado drama como convite para a meditação e a ascese. Torino finalmente, capital do Estado de Sabóia, está sendo configurado ao longo de todo o século XVII como cidades barroco; seu histórico e monumental se concentra em torno de praças S. Carlo (1637) e o castelo, máximo de manifestações de urbanismo renovada na cidade. Os laços com a França justificar uma pesquisa da monumentalidade baseado na iteração de motivos arquitetônicos e um classicismo que exclui, para a necessidade de mais conteúdo decoração, os resultados mais ousada da barroca Romana. A decoração do interior o alegórico afrescos do Guidobono, Dufour (Palazzo Madama), Seyter (Palácio Real) são emoldurados por estuques e entalhes feitos por artesãos de Lugano e autoridades locais. Na fisionomia da cidade e que o Castellamonte internacionais têm dado um carácter definitivo, o trabalho de Guarini (Capela do Santo Sudário, 1668; Palazzo Carignano, o Colégio dos Nobres, ca. 1680) se encaixa com a regularidade de um contraponto e Juvara, no início do século XVIII (Basílica de Superga, 1716; Palazzo Madama, 1718; Palazzina di Stupinigi, 1729-30), com consistência inteligente. Arte: em França O barroco assume a sua forma final em torno das grandes fábricas de Versailles real (Le Vau, Mansart), o Louvre (Perrault), Les Invalides (Bruant, Mansart) e sobre os esquemas de grandes aglomerações urbanas alojamento, da Place Royale (1605-12) a Place Vendôme (Mansart, 1677-98), ao plano geral de Blondel (1686) e Bullet (1690); Peste fisionomia, quase polémica contra as soluções mais heterodoxas de barroca Romana, intimamente ligado com a ideologia absolutista de Louis XIV, que se torna um paradigma de sabor através de órgãos oficiais das academias de pintura (1648) e da arquitectura (1671). O classicismo francês certamente não é do tipo Renascentista, "à medida do homem", mas enfático e monumental. A iteração do padrão clássico da coluna e do frontão Adopção da ordem gigante alcançar um efeito igualmente retórico e eloquente os resultados mais elevados do Barroco Italiano. Os jardins de Versailles em o Jardim das Tulherias e o royal castelos (Marly, Sceaux), ordenados segundo a geométrico cenografia e racional, constitui um aspecto essencial do planeamento urbano e de arquitectura barroca. A decoração do interior oficiais, confiada ao zelo organizacional Le Brun, aluno de Vouet e sua escola, que aproveita a colaboração de escultores como Coysevox Girardon e se desenvolve de acordo com as directivas de molde classiciste precisas carraccesco. Na mesma linha que você insira a actividade mais intelectual e obras literárias Poussin, enquanto a tradição de realismo Caravaggio amarre De La Tour e os irmãos a Naim. Na casa de construção é definida de acordo com a tipologia dos regimes precisas o hôtel particulier (um palácio da cidade) com J. Du Cerceau e Muet. Arte: na Inglaterra Sobre a arquitectura de Palladio em pleno esplendor em I. Jones (Queen's House em Greenwich, 1616-35) aciona a atividade de C. Wren que interpreta os dados do barroco clássico francês, processo no sentido de uma simplificação estrutural e uma eclética e escolha racional, o resultado do que você pode definir o estilo barroco por sua extrema evidência visual: a catedral de S. Paulo (1675-1710) em Londres é a mais monumental realização; esta escola, estendeu para extrair a partir do clássico efeitos mais incomum, localizado de seguidores em N. Hawksmoor (Castelo Howard, 1699-1726) e J. Vanbrugh (Blenheim, 1705-16). A decoração interior real Windsor ativo vê o italiano Verrio (1674-84), de acordo com os esquemas da pintura continental solene. A actividade de Inglês Van Dyck foi o ponto de partida para a escola do século XVIII-ritrattisti. Arte: na Holanda A personalidade dominante de Rembrandt e Rubens são exemplares de diferentes clima cultural que distingue os Países Baixos e a protestante Borghese da Flandres realista e católica e de vários desfechos do Barroco nos dois países . Na Holanda o problema da luz, definido pelo caravaggeschi escola de Utrecht (Terbrugghen, Van Honthorst), e o realismo Flamengo, referido F. Hals dá uma interpretação eficaz em estilo barroco, você resolver, em formas de meditar e dramático no Rembrandt e Vermeer. A pintura de tripé se decompõe em uma multiplicidade de gêneros especializados: paisagem (Ruysdael), vistas urbanas, de flores e animais, naturezas mortas que, na complexidade da composição e através de uma técnica de ilusionista, são direcionados a um decorativismo mais acentuada. Na Flandres o trabalho de Rubens, estendeu para reprocessar com profundo sentido histórico a grande tradição renascentista, alcança resultados mais cênicas e naturalística características que a tornam uma das mais perfeitas realizações do barroco europeu. O impulso vital da composição de um grandes massas de Rubens acalma em ritmos elegantes em retratos solene do aluno Van Dyck e penetra, evoluindo no sentido popolaresco, no trabalho de Jordaens. Holandês de arquitetura, contido dentro dos cânones da retórica palladianesimo, se opõe a arquitetura da Flandres com base em regimes genérico derivado do Barroco italianos no trabalho de alguns dos arquitectos da Companhia de Jesus (Aguillon, o projeto para a Igreja dos Jesuítas em Antuérpia, reescritas por Huyssens; Hesius, igreja jesuíta em Louvain). Arte: na Áustria e Alemanha O barroco que você configurar no interior de um complexo de tafetá de experiências e influências, alcançando resultados conclusivos e originais nos últimos anos do século XVII e início do XVIII, a partir da transformação de entradas do francês e do italiano; a influência de arquitetos franceses (De Cotte, Boffrand) na construção do Tribunal na Alemanha acrescenta, na Baviera, Francónia, Áustria, um dos arquitectos italianos (energia solar, Barelli, Lurago, Carlone, fonte). Borrominiana guariniana e a inspiração de Fischer von Erlach (Trindade de Salzburgo, 1694-1702), do Dientzenhofer (Trindade de Kappel, 1685-89), L. von Hildebrandt (Belvedere em Viena, 1721-24), B. Neumann (Residenz Würzburg, 1719-29), Pöppelmann (Zwinger Dresden, 1709-36), não só para a decoração, mas especialmente para a atenção dedicada à renovação das estruturas: plantas complexas, tempos duplos e interseção, dilatação perspectiva de espaços, organicidade de decoração, estuque e fresco, no interior. Arte: em Espanha Na superação dos atrasos de maneirismo que veio definido em redor da fábrica do Escorial, é fundamental para o trabalho inovador de J. de Ribera que interpreta no sentido dramático e expressionistas a pintura do Caravaggeschi napolitanos e Romanos, conhecido durante a estadia em Itália; no mesmo pão o trabalho de Zurbarán tende a extrair das instalações do luminismo prova formal de plástico e uma invariabilidade quase metafísico, enquanto no de realismo Murillo desbota formas patético e sentimental. O trabalho de Velázquez finalmente, que com que de Rembrandt é talvez a maior conquista do barroco realismo, consegue conciliar, para o equilíbrio perfeito entre a prova formal e o imediatismo de representação, a necessidade de verdade com a decoração do tribunal , em seus retratos, grupos, cenas históricas. O episódio mais importante na arquitetura, entre o século XVII e XVIII, é constituída pela atividade dos arquitetos e decoradores de Churriguera activo em Salamanca e Madrid, que, pão de naturalista e pitoresca barroco, elaborará um tipo de decoração é abrangente e movido que invade a superfície arquitetônica sostituendovisi: um dos resultados mais elevados deste estilo é o transparente (1721-32) da Catedral de Toledo de n° Tomé. Arte: em colônias espanholas da América O barroco churrigueresco encontra um eco imediato e brilhantes em colônias espanholas da América, onde ele atua como um estímulo na animada tendências locais decorativa. Se na arquitetura barroca e arte de importação, é mantido aderentes ao sistemas europeus, artesanato local em que parcialmente sobrevive à tradição indígena é livremente expressa em formas de decorativismo acentuada no rico interior (Catedral de Puebla, México). Artes menores Inserido na orgânica concepção da decoração que é próprio da maturidade do barroco, os menores de artes, em um raffinarsi de processos técnicos e de uma sensibilização geral do nível de profissionalismo, se tornar parte integrante da decoração. O artista é um criador de razões válidas também para o artesanato, de cerâmicas de vidro, do dispositivo móvel para talheres: testemunhar liberissimi os entalhes no Bellunese Brustolon, bancas de o bergamasco Fantoni. Em França o mobiliário fornecedor A.-C. Boulle, o ourives Ballin, Caffieri, bronze fábrica e escultores, trabalho a Gobelins em perfeita sincronia com os arquitetos e decoradores de interiores, que Berain Lepautre e. A organização de workshops de grande ao serviço dos tribunais, em Paris como em Turim ou Roma, estabelece uma nova relação: de um lado o barroco se torna uma linguagem comum e se difunde no nível de um artesão em estilos a nível regional e local; por outro lado a atividade dos arquitetos e decoradores contribui para aumentar o nível geral de produção. Os ciclos históricos e a celebração da decoração afresco encontrado eco na retomada da produção de tapeçarias (manufactories de Gobelins; Bruxelas; Mónaco; Mortlake; Florença; Roma): autores no facto de cartões são quase todos os grandes pintores do barroco, por Rubens em Le Brun, enquanto são replicados com grande sorte alguns ciclos de renascimento (Rafael). O manufactories cerâmica de Faenza; Savona; Florença; Nevers; Saint-Cloud; Nuremberga; Delft), o vidro de Murano e a Boémia, talheres devem respeitar nas formas e na decoração para o novo gosto mais livre, enquanto coleções difusas de modelos para a fabulosa e modellers que contribuem para o nivelamento do gosto. Música O termo aparece na historiografia musical apenas cerca de 1920: o alemão musicologia tomou a partir de artes visuais quando os estudiosos da história da arte tinha aceite como definição estilística de um período, agora livre das conotações negativas que tinha na origem. O uso do termo no campo da musicological provocou animada contrastes e ainda não é universalmente aceite: na Grã-Bretanha, em França e em Itália encontra especial interferência, principalmente devido à dificuldade de dar uma definição unitária estilística um período que se estende de um século e meio (ca. 1600-1750), rico de eventos musicais disparatissime. Por outro lado uma ampla corrente de musicologia considera que o termo possui uma sugestão indispensável como indicação estilística geral para um período em que a renovação da linguagem da música tem um inegável paralelismo com a linguagem figurativa (mesmo se é evidente que não é adequado para tentar ravvisarvi demasiado pormenorizada correspondências): no plano estritamente linguística, é certamente uma definição mais apropriada do que a de Riemann, que se refere simplesmente a uma determinada técnica, embora decisivo, falando de "idade da basso continuo". Com o uso do estilo barroco é muito mais evidente a colocação estilo histórico-cultural. O advento da basso continuo ainda é um dos mais visíveis da transformação da língua do período renascentista que está fazendo em torno de 1600. Escrito estritamente polifônico, onde todas as entradas foram no mesmo plano de importância, é simplificar e vieses em extremos de entradas: afirma a monodia acompanhada e a reunião das partes no sentido vertical que determina o desenvolvimento da harmonia, que é livre de o modo e define a tonalidade. A concepção do discurso no sentido horizontal é portanto menos ou (como em Bach) escrito counterpointistic se encaixa com a harmônica. A aderência da música para o mundo de "sofrimento" é uma das finalidades do Barroco poesia: o equilíbrio estático renaissance dá lugar a uma vibrante expressivo dinamismo, que pode se manifestar no belíssimo intensidade do colorismo da escola de Veneza como em a linearidade de composições monofónico. A pesquisa de tensão, contraste, "chiaroscuro", declarou também na música instrumental, que nasce e se desenvolve na idade barroca com o Concerto grosso a solo e com o sonata e com composições para órgão e cravo. Com a assunção pela música instrumental de dança formas também o fluido e deslizando o ritmo voltas razionalizzandosi renascentista. As ferramentas de si visivelmente diminuir em número e são aperfeiçoados em função da busca de um novo som ideal. Paralelamente à música instrumental, que está localizado em Veneza um dos centros de grande desenvolvimento, eles estão no campo da voz os gêneros do oratório de cantada e o melodrama: neste último o glitz Scénic, o gosto pela ornamentação e virtuosidade consulte como muitas atitudes emblemáticas de sabor barroco. Zurbarán, Francisco de- Arte: em Itália Em Itália, a barroca Romana constitui o pão mestre de novo estilo; também mais do que noutros países é evidente em Roma, capital da catolicidade, a especial aderência do fenômeno artístico a uma realidade social dentro do qual se desenvolve em plena conformidade de intenções. No fervor de obras que Sisto V e Paulo V havia começado, que façam uso da colaboração de Maderno, Fontana, a porta foi definido o novo plano urbano da cidade de orientações em perspectiva para os principais monumentos, cenográfica estrutura da base para o barroco de Roma. A próxima geração de artistas, sob o pontificado do Papa Urbano VIII, trouxe a maturação de um discurso implícito. Na arquitetura a superação dos métodos clássicos de composição foi realizada através de uma crítica a partir do interior para ordens clássicas, o que resulta em um alargamento e uma revisão: protagonistas nos anos em torno de 1630, Gian Lorenzo Bernini e Francesco Borromini, Pietro da Cortona. Espaços e volumes, não mais compostos de acordo com uma geometria simples e imediatamente evidente na sua lógica, tornar o campo de tensões que dobre e estruturas de proa e superfícies, é complicada na subordinação das partes. Cópias, mesmo na diversidade de resultados, as igrejas de SS. Luca e Martina (1634-50) e S. Maria da Paz (1656), Pietro da Cortona, S. Carlino alle Quattro Fontane (1634) do Borromini e monumental solução cenotécnico da colunata de Bernini para a basílica de S. Pedro (1656-67), o emblema da renovada intenção de propaganda do papado. A fábrica centrica preferir o elíptico, multilobed stellar, (S. Ivo alla Sapienza e S. Agnese na piazza Navona Borromini; S. Andrea al Quirinale de Bernini ), organizado em torno da Fulcrum dinâmica da cúpula que recolhe e elimina a tensão do membering e superfícies. No edifício privado, o Palazzo Barberini de Bernini estabelece um tipo destinados a difundir. Arquitetura e decoração pintada e esculpida, têm um valor de "juntos" inseparáveis. A pintura decorativa na obra de Pietro da Cortona, Padre Pozzo, G.B. Gaulli, você configurar como a superação do classicismo do Carracci (Galeria de Palazzo Farnese, 1594-96) que também constituiu o ponto de partida; o alegórico celebrações de Urbano VIII no Palazzo Barberini (1633-39), S. Inácio (1682-98) e de Jesus (1672-83) em igrejas homónimas, que prescinde de qualquer pontuação arquitectónico, criar espaços ilusória que expandir os limites da estrutura arquitetônica através da criação de um quadro geral destinado a evoluir em todo o espaço europeu, até o século XVIII avançado (Tiepolo). Ao lado do grande bolo de pintura decorativa, mais meditada experiência artística de Caravaggio , expressa em forma realista e antiretorica, constitui uma das alternativas dinâmico dentro do barroco italiano e europeu, dando o boot para uma corrente que irá encontrar epigone em França, Espanha, na Flandres (Valentin, Ribera, Elsheimer), no Sul da Itália (Caracciolo, sacerdotes) e Toscana (O. Gentileschi). É necessário retornar novamente para o conceito de barroco como uma unidade das artes para penetrar o sentido da escultura: também neste campo régua é Bernini com sua escola (Baratta, raios), que cresce e se desenvolve em torno de empresas da "cobertura" de S. Pedro, a "cátedra de Santo" e de fontes romana, que propõem uma nova interpretação pitoresca natureza. Uma corrente mais clássica leva a A. Algardi. No sul da Itália, na Ligúria, Veneto, Lombardia, Emilia, artistas locais desenvolver, com renovada sensibilidade, como muitas interpretações do novo estilo, resultantes de um enxerto de alguns aspectos da barroca Romana sobre matrizes da cultura local, enquanto o Toscana permanece à margem do movimento. Em Lecce (Catedral), Palermo (villas de Novalaise), Catania, uma interpretação extremamente decorativos de plástico e altera as superfície mas não estruturas. Em Génova no mesmo da tradição viva da concepção maneirista engatar novas soluções urbanístico (Via Balbi) e arquitectónico actividade de B. branco; mais de metade do primeiro século ciclos decorativos de Ferrari, o naturalista esculturas de berniniano Parodi prelúdio, devido à elegância dos ritmos de composição para o rococó. Em Veneza B. Longhena interpreta em termos barroco em S. Maria della Salute Paladiano classicismo, enquanto nos ateliers de Strozzi, Fetti, Liss você processo de forma crítica a grande tradição da pintura veneziana do século xvi. Em Bolonha, sobre as experiências de quadraturisti decorativa, formas a dinastia dos projectistas e a Accademia degli Bibiena Incamminati mantém viva uma tradição clássica, iniciado por Carracci no trabalho de G. Reni e Domenichino. Em Milão G. B. Crespi, Morazzone e Tanzio da Varallo interpretar, em conformidade com as tradições locais conscientes de ascetismo contra-reformistas da idade de San Carlo, sagrado drama como convite para a meditação e a ascese. Torino finalmente, capital do Estado de Sabóia, está sendo configurado ao longo de todo o século XVII como cidades barroco; seu histórico e monumental se concentra em torno de praças S. Carlo (1637) e o castelo, máximo de manifestações de urbanismo renovada na cidade. Os laços com a França justificar uma pesquisa da monumentalidade baseado na iteração de motivos arquitetônicos e um classicismo que exclui, para a necessidade de mais conteúdo decoração, os resultados mais ousada da barroca Romana. A decoração do interior o alegórico afrescos do Guidobono, Dufour (Palazzo Madama), Seyter (Palácio Real) são emoldurados por estuques e entalhes feitos por artesãos de Lugano e autoridades locais. Na fisionomia da cidade e que o Castellamonte internacionais têm dado um carácter definitivo, o trabalho de Guarini (Capela do Santo Sudário, 1668; Palazzo Carignano, o Colégio dos Nobres, ca. 1680) se encaixa com a regularidade de um contraponto e Juvara, no início do século XVIII (Basílica de Superga, 1716; Palazzo Madama, 1718; Palazzina di Stupinigi, 1729-30), com consistência inteligente. Arte: em França O barroco assume a sua forma final em torno das grandes fábricas de Versailles real (Le Vau, Mansart), o Louvre (Perrault), Les Invalides (Bruant, Mansart) e sobre os esquemas de grandes aglomerações urbanas alojamento, da Place Royale (1605-12) a Place Vendôme (Mansart, 1677-98), ao plano geral de Blondel (1686) e Bullet (1690); Peste fisionomia, quase polémica contra as soluções mais heterodoxas de barroca Romana, intimamente ligado com a ideologia absolutista de Louis XIV, que se torna um paradigma de sabor através de órgãos oficiais das academias de pintura (1648) e da arquitectura (1671). O classicismo francês certamente não é do tipo Renascentista, "à medida do homem", mas enfático e monumental. A iteração do padrão clássico da coluna e do frontão Adopção da ordem gigante alcançar um efeito igualmente retórico e eloquente os resultados mais elevados do Barroco Italiano. Os jardins de Versailles em o Jardim das Tulherias e o royal castelos (Marly, Sceaux), ordenados segundo a geométrico cenografia e racional, constitui um aspecto essencial do planeamento urbano e de arquitectura barroca. A decoração do interior oficiais, confiada ao zelo organizacional Le Brun, aluno de Vouet e sua escola, que aproveita a colaboração de escultores como Coysevox Girardon e se desenvolve de acordo com as directivas de molde classiciste precisas carraccesco. Na mesma linha que você insira a actividade mais intelectual e obras literárias Poussin, enquanto a tradição de realismo Caravaggio amarre De La Tour e os irmãos a Naim. Na casa de construção é definida de acordo com a tipologia dos regimes precisas o hôtel particulier (um palácio da cidade) com J. Du Cerceau e Muet. Arte: na Inglaterra Sobre a arquitectura de Palladio em pleno esplendor em I. Jones (Queen's House em Greenwich, 1616-35) aciona a atividade de C. Wren que interpreta os dados do barroco clássico francês, processo no sentido de uma simplificação estrutural e uma eclética e escolha racional, o resultado do que você pode definir o estilo barroco por sua extrema evidência visual: a catedral de S. Paulo (1675-1710) em Londres é a mais monumental realização; esta escola, estendeu para extrair a partir do clássico efeitos mais incomum, localizado de seguidores em N. Hawksmoor (Castelo Howard, 1699-1726) e J. Vanbrugh (Blenheim, 1705-16). A decoração interior real Windsor ativo vê o italiano Verrio (1674-84), de acordo com os esquemas da pintura continental solene. A actividade de Inglês Van Dyck foi o ponto de partida para a escola do século XVIII-ritrattisti. Arte: na Holanda A personalidade dominante de Rembrandt e Rubens são exemplares de diferentes clima cultural que distingue os Países Baixos e a protestante Borghese da Flandres realista e católica e de vários desfechos do Barroco nos dois países . Na Holanda o problema da luz, definido pelo caravaggeschi escola de Utrecht (Terbrugghen, Van Honthorst), e o realismo Flamengo, referido F. Hals dá uma interpretação eficaz em estilo barroco, você resolver, em formas de meditar e dramático no Rembrandt e Vermeer. A pintura de tripé se decompõe em uma multiplicidade de gêneros especializados: paisagem (Ruysdael), vistas urbanas, de flores e animais, naturezas mortas que, na complexidade da composição e através de uma técnica de ilusionista, são direcionados a um decorativismo mais acentuada. Na Flandres o trabalho de Rubens, estendeu para reprocessar com profundo sentido histórico a grande tradição renascentista, alcança resultados mais cênicas e naturalística características que a tornam uma das mais perfeitas realizações do barroco europeu. O impulso vital da composição de um grandes massas de Rubens acalma em ritmos elegantes em retratos solene do aluno Van Dyck e penetra, evoluindo no sentido popolaresco, no trabalho de Jordaens. Holandês de arquitetura, contido dentro dos cânones da retórica palladianesimo, se opõe a arquitetura da Flandres com base em regimes genérico derivado do Barroco italianos no trabalho de alguns dos arquitectos da Companhia de Jesus (Aguillon, o projeto para a Igreja dos Jesuítas em Antuérpia, reescritas por Huyssens; Hesius, igreja jesuíta em Louvain). Arte: na Áustria e Alemanha O barroco que você configurar no interior de um complexo de tafetá de experiências e influências, alcançando resultados conclusivos e originais nos últimos anos do século XVII e início do XVIII, a partir da transformação de entradas do francês e do italiano; a influência de arquitetos franceses (De Cotte, Boffrand) na construção do Tribunal na Alemanha acrescenta, na Baviera, Francónia, Áustria, um dos arquitectos italianos (energia solar, Barelli, Lurago, Carlone, fonte). Borrominiana guariniana e a inspiração de Fischer von Erlach (Trindade de Salzburgo, 1694-1702), do Dientzenhofer (Trindade de Kappel, 1685-89), L. von Hildebrandt (Belvedere em Viena, 1721-24), B. Neumann (Residenz Würzburg, 1719-29), Pöppelmann (Zwinger Dresden, 1709-36), não só para a decoração, mas especialmente para a atenção dedicada à renovação das estruturas: plantas complexas, tempos duplos e interseção, dilatação perspectiva de espaços, organicidade de decoração, estuque e fresco, no interior. Arte: em Espanha Na superação dos atrasos de maneirismo que veio definido em redor da fábrica do Escorial, é fundamental para o trabalho inovador de J. de Ribera que interpreta no sentido dramático e expressionistas a pintura do Caravaggeschi napolitanos e Romanos, conhecido durante a estadia em Itália; no mesmo pão o trabalho de Zurbarán tende a extrair das instalações do luminismo prova formal de plástico e uma invariabilidade quase metafísico, enquanto no de realismo Murillo desbota formas patético e sentimental. O trabalho de Velázquez finalmente, que com que de Rembrandt é talvez a maior conquista do barroco realismo, consegue conciliar, para o equilíbrio perfeito entre a prova formal e o imediatismo de representação, a necessidade de verdade com a decoração do tribunal , em seus retratos, grupos, cenas históricas. O episódio mais importante na arquitetura, entre o século XVII e XVIII, é constituída pela atividade dos arquitetos e decoradores de Churriguera activo em Salamanca e Madrid, que, pão de naturalista e pitoresca barroco, elaborará um tipo de decoração é abrangente e movido que invade a superfície arquitetônica sostituendovisi: um dos resultados mais elevados deste estilo é o transparente (1721-32) da Catedral de Toledo de n° Tomé. Arte: em colônias espanholas da América O barroco churrigueresco encontra um eco imediato e brilhantes em colônias espanholas da América, onde ele atua como um estímulo na animada tendências locais decorativa. Se na arquitetura barroca e arte de importação, é mantido aderentes ao sistemas europeus, artesanato local em que parcialmente sobrevive à tradição indígena é livremente expressa em formas de decorativismo acentuada no rico interior (Catedral de Puebla, México). Artes menores Inserido na orgânica concepção da decoração que é próprio da maturidade do barroco, os menores de artes, em um raffinarsi de processos técnicos e de uma sensibilização geral do nível de profissionalismo, se tornar parte integrante da decoração. O artista é um criador de razões válidas também para o artesanato, de cerâmicas de vidro, do dispositivo móvel para talheres: testemunhar liberissimi os entalhes no Bellunese Brustolon, bancas de o bergamasco Fantoni. Em França o mobiliário fornecedor A.-C. Boulle, o ourives Ballin, Caffieri, bronze fábrica e escultores, trabalho a Gobelins em perfeita sincronia com os arquitetos e decoradores de interiores, que Berain Lepautre e. A organização de workshops de grande ao serviço dos tribunais, em Paris como em Turim ou Roma, estabelece uma nova relação: de um lado o barroco se torna uma linguagem comum e se difunde no nível de um artesão em estilos a nível regional e local; por outro lado a atividade dos arquitetos e decoradores contribui para aumentar o nível geral de produção. Os ciclos históricos e a celebração da decoração afresco encontrado eco na retomada da produção de tapeçarias (manufactories de Gobelins; Bruxelas; Mónaco; Mortlake; Florença; Roma): autores no facto de cartões são quase todos os grandes pintores do barroco, por Rubens em Le Brun, enquanto são replicados com grande sorte alguns ciclos de renascimento (Rafael). O manufactories cerâmica de Faenza; Savona; Florença; Nevers; Saint-Cloud; Nuremberga; Delft), o vidro de Murano e a Boémia, talheres devem respeitar nas formas e na decoração para o novo gosto mais livre, enquanto coleções difusas de modelos para a fabulosa e modellers que contribuem para o nivelamento do gosto. Música O termo aparece na historiografia musical apenas cerca de 1920: o alemão musicologia tomou a partir de artes visuais quando os estudiosos da história da arte tinha aceite como definição estilística de um período, agora livre das conotações negativas que tinha na origem. O uso do termo no campo da musicological provocou animada contrastes e ainda não é universalmente aceite: na Grã-Bretanha, em França e em Itália encontra especial interferência, principalmente devido à dificuldade de dar uma definição unitária estilística um período que se estende de um século e meio (ca. 1600-1750), rico de eventos musicais disparatissime. Por outro lado uma ampla corrente de musicologia considera que o termo possui uma sugestão indispensável como indicação estilística geral para um período em que a renovação da linguagem da música tem um inegável paralelismo com a linguagem figurativa (mesmo se é evidente que não é adequado para tentar ravvisarvi demasiado pormenorizada correspondências): no plano estritamente linguística, é certamente uma definição mais apropriada do que a de Riemann, que se refere simplesmente a uma determinada técnica, embora decisivo, falando de "idade da basso continuo". Com o uso do estilo barroco é muito mais evidente a colocação estilo histórico-cultural. O advento da basso continuo ainda é um dos mais visíveis da transformação da língua do período renascentista que está fazendo em torno de 1600. Escrito estritamente polifônico, onde todas as entradas foram no mesmo plano de importância, é simplificar e vieses em extremos de entradas: afirma a monodia acompanhada e a reunião das partes no sentido vertical que determina o desenvolvimento da harmonia, que é livre de o modo e define a tonalidade. A concepção do discurso no sentido horizontal é portanto menos ou (como em Bach) escrito counterpointistic se encaixa com a harmônica. A aderência da música para o mundo de "sofrimento" é uma das finalidades do Barroco poesia: o equilíbrio estático renaissance dá lugar a uma vibrante expressivo dinamismo, que pode se manifestar no belíssimo intensidade do colorismo da escola de Veneza como em a linearidade de composições monofónico. A pesquisa de tensão, contraste, "chiaroscuro", declarou também na música instrumental, que nasce e se desenvolve na idade barroca com o Concerto grosso a solo e com o sonata e com composições para órgão e cravo. Com a assunção pela música instrumental de dança formas também o fluido e deslizando o ritmo voltas razionalizzandosi renascentista. As ferramentas de si visivelmente diminuir em número e são aperfeiçoados em função da busca de um novo som ideal. Paralelamente à música instrumental, que está localizado em Veneza um dos centros de grande desenvolvimento, eles estão no campo da voz os gêneros do oratório de cantada e o melodrama: neste último o glitz Scénic, o gosto pela ornamentação e virtuosidade consulte como muitas atitudes emblemáticas de sabor barroco. Zurbarán, Francisco de-
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