@naturalped1a
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El pintor español (Fuente de cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Se formó en Sevilla, el animado centro de la cultura figurativa de carácter realista. En 1617 abrió su propio taller en Llerena, en Extremadura, pero en 1629 se radicó de regreso a Sevilla y permaneció allí (excepto una estancia en Madrid en 1634) hasta 1659 ca. Cuando se reduce, en condiciones de extrema pobreza, se trasladó a Madrid, donde intentó en vano para ser insertado en el clima cultural de la ciudad. La actividad de Zurbaran es esplicò casi exclusivamente en la producción de imágenes sagradas de muy alto número (ca. 600) y calidad a veces no sublime, debido en parte a que el uso generalizado de los colaboradores, en parte para momentos de crisis del pintor, especialmente en los últimos años de vida, cuando se consideró aprobada por sus contemporáneos en favor de Murillo. El estilo de Zurbarán comprende tanto el naturalismo típico sevillano, desarrollado y llevado a los más altos resultados para el uso del color, siempre lúcida y deslumbrante, incluso en tonos oscuros; tanto la tradición disegnativa del Manierismo Español, que lleva el pintor para resolver sus composiciones en las cifras de la primera planta, desde elegantes contornos y incisivos, claramente separados de los fondos neutro u oscuro, fuera de cualquier ambiente histórico. La mayoría de sus obras fueron realizadas como ciclos devocional a iglesias y monasterios de Sevilla y otras ciudades españolas (actualmente dispersas entre varios museos), sinceramente partícipes de la religiosidad popular (pinturas para la Merced Calzada de Sevilla, 1629; las pinturas de Nuestra Señora de la Defension en Jerez de la Frontera, 1638-39). La famosa serie de santos que Pierce por misticheggianti claves para celebración de elegante decoración. Alrededor de 1633 Zurbarán se dedicó también por un tiempo corto para Natura morta, dejando una de las mayores obras maestras del género, de pureza absoluta: el plato de cedros, un cesto de naranjas y la taza con rosa (1633, ya en Florencia, la colección Contini Bonacossi, desde 1973 en Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). La influencia de Zurbarán, bastante limitada en España, en lugar de eso fue enorme en América Latina, especialmente en Perú, donde el pintor envió numerosas obras durante el período 1640-58. Bartolomé Esteban Murillo, El pintor español Sevilla (1617-1682). Los inicios artísticos de Murillo fueron esencialmente vinculada a la ciudad de Navidad, primero como estudiante mediocre Juan del Castillo, luego como pintor independiente, sensible al arte de Ribera, Zurbarán, Velázquez; el joven trabaja, fuerte en diseño y modelado pero sustancialmente poco originales el demuestran también un partícipe de los Generic caravaggismo flotando en el entorno español. Contactos con la pintura italiana, a través de B. El Cavallino y A. Vaccari, flamenca y (quizá visitó las colecciones reales durante un viaje a Madrid en 1648, donde pudo estudiar las obras de Rubens y Van Dyck), dio lugar a una interpretación original de colorismo véneto al que se une un uso ligero profundamente escenográficas y barroco; estos caracteres aparecen ya en las once pinturas con milagros de santos franciscanos del convento de la orden homónima en Sevilla (1645-48), hoy dispersas, y en el nacimiento de la Virgen (París, Museo del Louvre), inicios triunfales de una larga actividad al servicio de las cofradías y órdenes religiosas dentro del cual Murillo resultó ser sincero y convincente intérprete de misticismo contrarreformistas. La interpretación realista suavemente, populares y comunicativo de la sagrada episodio, cada vez más evidente en las obras maduras (ciclo para el Hospicio de la caridad en Sevilla, ca. 1670-80: la curación del paralítico en la piscina, La Galería Nacional de Londres; el regreso del hijo pródigo, Washington, National Gallery), sumado a la sofisticación del color y alta calidad formal, han hecho de las composiciones de temas de Murillo el más popular de los religiosos oleografia (pensando en las innumerables versiones de la Inmaculada Concepción, algunas de las cuales en Madrid Prado), que ha venido a alterar, en el desgaste de la imagen, el verdadero y gran valor artístico. Los ciclos de las pinturas de género popolaresco (niños que comen fruta, Mónaco, Alte Pinakothek Gallego; la ventana, Washington, National Gallery), a partir de aberturas en el mundo picaresco que inauguró un género destinatoa gran éxito hasta el siglo XVIII presentados, y los retratos del valor naturalístico (caballero con collar, Madrid, Prado), contribuirán a clarificar la profunda inspiración del artista, que tiene como objetivo mejorar las posibilidades expresivas del color, a veces con compiacimenti virtuosa. "Para profundizar ver arte Gedea vol 7 pp 262-269" "para profundizar ver arte Gedea vol 7 pp 262-269" El Léxico Sm. [Del Rococó francés, alteración ligera de rocaille]. El estilo decorativo que se desarrolló en París en 1730 y que dominó en otros estilos de unos veinte años, la propagación y luego a la derecha hacia el final del siglo en las regiones del norte de Francia, de Italia y de Europa central hasta Rusia. Con el valor de Adj., pertenecientes a, exactamente este estilo: móvil, fachada, gusto rococó; por extensión, lambiccato artificiales, pero no sin gracia: un estilo rococó. Arte: en Francia Ferozmente opuestos por las corrientes y tardobarocche classicistiche contemporáneo, el rococó fue considerado negativamente a lo largo del siglo XIX hasta el primer análisis crítico realizado por los hermanos De Goncourt, quien advirtió la estrecha relación con una determinada concepción de la vida social, tanto en la estética revolucionaria le informamos. Ideológicamente el rococó es la expresión artística de la aristocracia de la cosmopolita ciudad de venir al final de su función histórica, que enmascara la conciencia del declive con una filosofía de evasión de la realidad, creando un mundo ficticio en el mito de la eterna juventud y de la tranquila serenidad. A continuación, ajustar el comportamiento social en los conceptos de refinamiento y elegancia, hasta la frivolidad de una parte y el libertinaje filosófico de otro. La huida de la realidad se produce tanto en el plano intelectual y en el existencial y cada detalle del ambiente debe concederse a la forma de vida: todo debe ser hermoso, de hecho "bonito", ya que el concepto de belleza está compuesto por sí solo lo que es delicada y frágil, matizado, claro, pintorescos. Bajo este aspecto entendemos entonces la "necesidad" de un determinado tipo de ropa (ornamentos leer de seda y muselina en tonos pastel, blanco peluca que embellece el rostro y lo hace sin edad, entonces es eternamente joven), lo que corresponde a un determinado tipo de entorno en el que viven. La revolución de la estética del rococó ocurre de hecho en la interacción armoniosa de todos los detalles de la decoración, que contribuyen igualmente a todas las artes (y el "menor" se evalúan, obviamente, a la par con los tradicionalmente "noble") se refieren a la creación de entornos ecológicos y homogénea. El hecho histórico de que comienza el rococó (incluso si las premisas son trazables desde los últimos años del siglo XVII) es la transferencia de la corte de Versalles en París después de la muerte de Louis XIV (1715), encargado por el regente duque de Orleans, el hecho de que determinada por la nobleza de la necesidad de reorganizar los palacios privados de la capital, por largos años habitada sólo ocasionalmente. A obviar los espacios confinados se desarrolló rápidamente en el período de la regencia el gusto por las paredes de color pálido, "abierto" por la profusión de espejos y estucos illeggiadrite ligero para los pequeños muebles y lacado en tonos pastel, para ejecutivos también desde las sombras, a los ornamentos de tamaño mínimo y sujeto frívolo, en clara oposición al mobiliario Louis XIV, suntuosa (pero también pesado), dominado por los colores oscuros y los dorados. Raros fueron en Francia las grandes realizaciones arquitectónicas, estructuras usufruirono tanto como aún barroco muy sobrio y funcional, destinado en la práctica como un apoyo de la decoración, la mayoría de las fachadas interiores, inferido a partir de toda una serie de repertorios (cabe recordar que en 1734 por J. A. Meissonnier, cuyos dibujos influyeron profundamente en la producción de tallistas y orfebres de la época); esta decoración se basa en variaciones infinitas, mejor si asimétrica, la línea curva que define los elementos naturales (hojas, flores, animales) según un espíritu elegante que a menudo se refiere a la elegancia exótica y fabulosas del oriente (obras maestras en este sentido son el Hôtel de Matignon de No. Pineau de 1720-31 y el Hôtel de Soubise de G. Boffrand, también decorado por F. Boucher, 1736). En la arquitectura francesa son en realidad mucho más frecuentes las construcciones de pequeñas dimensiones para parques y jardines (readaptado a veces estos "Inglés" según los cánones de la pintoresca, más adaptada a los nuevos gustos): los pabellones de caza, el "Casini de placeres", Sans Soucis, el monrepos, el ermitages, todos conectados con las necesidades de la vida mundana. La escultura fue una multa exclusivamente decorativo, suavizando las formas, enriquecido por detalles descriptivos y generalmente retrata personajes mitológicos según una declarada intención erótica. La pintura, desde el color claro y brillante, extendiéndose a tocar y matices en un dibujo rápido y roto, tiene estrechas analogías con la porcelana, grabado, los tejidos para mobiliario, ya que muestra escenas pastoriles, idilios, fiestas y galanti campestri, erótico episodios diarios, crónicas, expresando con acentos irónico malintencionado o los principios de una vida frívola, pero refinado. En Francia se acostumbra a distinguir un primer período Regency (1715-30) en la generación del arquitecto G. M. Oppenordt decorador de F. A. Vassé y del ebanist Ch. Cressent, pintores de J.-A. Watteau, J. B. Pater y J.-M. Nattier; un período rocaille (1730-45) que encuentra su máxima expresión en Meissonnier, Pineau, en Boucher y Chardin; un último período Pompadour (1745-64) involuto ya en ciertos excesos decorativos y en parte influenciadas por linearismo clasicista, representado por el arquitecto J. A. Gabriel, decorando por J. Verbeckt y J. H. Fragonard. Arte: en otros países europeos Fuera de Francia, el rococó se generalizó en breve assolutistiche que asume como un modelo de vida social a la nobleza francesa, idealizado como depositario del saber vivir y gusto. En el decenio 1730-40 artistas y artesanos franceses fueron de hecho, invitó a todas las cortes de Europa empezando con el fenómeno de la internacionalización de la cultura figurativa típicas de toda la segunda mitad del siglo. Este fenómeno vivió precisamente en la figura del artista errante (Italia basta pensar de Tiepolo y Rosalba Carriera), estimulado sobre todo el desarrollo de la artesanía en los cánones son comunes a toda Europa, según un proceso regido no sólo por la evolución del gusto, sino también, y declarado por los mismos gobernantes, por las leyes de la expansión económica. Movimientos similares a rococó, aunque no totalmente identificado con él, se había manifestado en Inglaterra (en muebles Chippendale, a través de cuyas interpretaciones, además, el gusto Rococó fue introducido en América y en ciertos temas pictóricos de Hogarth a Gainsborough) y en España (churriguerismo). En Italia se puede hablar de rococó, especialmente para las artes decorativas, partícipes en el International Taste (los estucos de Serpotta; "el gabinete chino" para el Palacio de Portici, ahora en Capodimonte, todo en porcelana y espejos), mientras que en construcciones arquitectónicas de caprichosas curvas de plantas sólo tuvo lugar en edificios privados de pequeñas dimensiones (Villa Palagonia en Bagheria, cerca de Palermo), siendo todavía viva la tradición barroca, en particular relacionadas con la committenza eclesiásticos. Por lo que se refiere al móvil italiano, el sabor del Rococó francés desarrollado mediante la adopción parcial de elementos estilísticos de Louis XV y la transformación progresiva de los elementos de la ornamentación barroca (estilo barroco). En Venecia, en el marco del desarrollo independiente (y dirigida en gran parte a los clientes extranjeros) de que la pintura, puede definir el estilo Rococó en la elección de los temas como el capricho, fantásticas vistas y la escena de la vida (Marco Ricci, Zais, Guardi y Longhi) y el uso generalizado de pastel y acuarela (Rosalba Carriera). El estilo del rococó se reunió con su gran desarrollo en los países de habla alemana de acuerdo a dos destinos precisos y claramente diferenciadas: por un lado, la arquitectura y la artesanía a los tribunales, que elaboró también formas originales, pero siempre dentro del modelo francés, por otro lado, la arquitectura, entendida como una síntesis entre el espacio y la decoración, de las iglesias y conventos, que representa la última gran expresión autónoma de esta rama de la arquitectura. Alrededor de los numerosos tribunales alemanes proliferarono castillos, las residencias nobles, pequeñas construcciones de placer, que asumió en tamaño enfático o incluso plantas retórico a las líneas curvas y elíptica de la construcción del sector privado francés (sólo los castillos reales se rehizo la monumentalidad clasicista Versalles) y desarrolló la decoración en tonos más o menos moderados, según precisas variantes locales (residencia del príncipe-obispo de Würzburg, 1719-44, B. Neumann, con la colaboración de R. de cocinado y J. L. Hildebrandt, y frescos de Tiepolo; Palazzina di Caccia de Amalienburg en estacionamiento Nymphenburg en Munich, 1734, F. de Cuvilliés). La arquitectura religiosa floreció especialmente en Baviera y en Bohemia, con los hermanos Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer, y en Austria, especialmente con Fischer von Erlach, quien desarrolló los locales ya existentes en la arquitectura tardobarocca locales para llegar a construir edificios caracterizados por la amplitud y luminosidad (de un espacio único de planta circular, elíptica u oval, paredes blancas, grandes y numerosas ventanas, estucos y dorados que resaltan los elementos estructurales y encuadre lienzos y frescos), donde realizan una perfecta armonía y una interrelación total entre los elementos constructivos y figurativos. También la producción pictórica no asume un papel autónomo pero, dadas las necesidades especiales, se destinó casi exclusivamente para ilustrar temas históricos-fiesta en tonos alegórico-mitológico o temas religiosos; después se convirtieron en grandes lienzos y frescos que, pese a la considerable ligereza y vaporosità ejecución, derivan de la decoración barroca Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl). Descripción general Loc. (Abreviatura en inglés de arte popular, el arte popular) utilizados en italiano como sf. Introducido por los estudiosos L. Flieder y R. Banham y aprobada en 1961 por el crítico inglés L. Alloway, el término indica un movimiento artístico vanguardista nacido en paralelo en Gran Bretaña y los Estados Unidos alrededor de 1955, como una reacción a la pintura de los expresionistas abstractos. Los artistas del pop art dibujar formas y lenguaje desde el repertorio de los mass-media, es decir, de los medios de comunicación y cultura de masas: la televisión, la publicidad, imágenes, fotografías, comics, consumibles, etc.; por lo tanto, servir las imágenes y objetos que ya existen, manipulados y presentados en diversas formas, se carga una nueva expresividad. El objetivo del movimiento es restar la operación artística a su carácter de experiencia única y subjetiva, por riaccostare arte en lugar de la realidad cotidiana. La figuración de lo trivial y cotidiano de pop art, mediado por las diferentes experiencias del cubismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo, tuvo su primera definición en Gran Bretaña a través de las actividades del Grupo Independiente de Londres (1953-58). La primera ópera inglesa de pop, creada por Richard Hamilton, fue inscrito en la exposición "Esta mañana", que se celebró en Londres en 1956. En Estados Unidos el arte pop surgió a partir de la fecha de agotamiento de experiencias abstractas, por los topes al final de las reuniones informales y especialmente por el de "objeto exaltations consumidas" por los artistas del nuevo papá. El pintor español (Fuente de cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Se formó en Sevilla, el animado centro de la cultura figurativa de carácter realista. En 1617 abrió su propio taller en Llerena, en Extremadura, pero en 1629 se radicó de regreso a Sevilla y permaneció allí (excepto una estancia en Madrid en 1634) hasta 1659 ca. Cuando se reduce, en condiciones de extrema pobreza, se trasladó a Madrid, donde intentó en vano para ser insertado en el clima cultural de la ciudad. La actividad de Zurbaran es esplicò casi exclusivamente en la producción de imágenes sagradas de muy alto número (ca. 600) y calidad a veces no sublime, debido en parte a que el uso generalizado de los colaboradores, en parte para momentos de crisis del pintor, especialmente en los últimos años de vida, cuando se consideró aprobada por sus contemporáneos en favor de Murillo. El estilo de Zurbarán comprende tanto el naturalismo típico sevillano, desarrollado y llevado a los más altos resultados para el uso del color, siempre lúcida y deslumbrante, incluso en tonos oscuros; tanto la tradición disegnativa del Manierismo Español, que lleva el pintor para resolver sus composiciones en las cifras de la primera planta, desde elegantes contornos y incisivos, claramente separados de los fondos neutro u oscuro, fuera de cualquier ambiente histórico. La mayoría de sus obras fueron realizadas como ciclos devocional a iglesias y monasterios de Sevilla y otras ciudades españolas (actualmente dispersas entre varios museos), sinceramente partícipes de la religiosidad popular (pinturas para la Merced Calzada de Sevilla, 1629; las pinturas de Nuestra Señora de la Defension en Jerez de la Frontera, 1638-39). La famosa serie de santos que Pierce por misticheggianti claves para celebración de elegante decoración. Alrededor de 1633 Zurbarán se dedicó también por un tiempo corto para Natura morta, dejando una de las mayores obras maestras del género, de pureza absoluta: el plato de cedros, un cesto de naranjas y la taza con rosa (1633, ya en Florencia, la colección Contini Bonacossi, desde 1973 en Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). La influencia de Zurbarán, bastante limitada en España, en lugar de eso fue enorme en América Latina, especialmente en Perú, donde el pintor envió numerosas obras durante el período 1640-58. Bartolomé Esteban Murillo, El pintor español Sevilla (1617-1682). Los inicios artísticos de Murillo fueron esencialmente vinculada a la ciudad de Navidad, primero como estudiante mediocre Juan del Castillo, luego como pintor independiente, sensible al arte de Ribera, Zurbarán, Velázquez; el joven trabaja, fuerte en diseño y modelado pero sustancialmente poco originales el demuestran también un partícipe de los Generic caravaggismo flotando en el entorno español. Contactos con la pintura italiana, a través de B. El Cavallino y A. Vaccari, flamenca y (quizá visitó las colecciones reales durante un viaje a Madrid en 1648, donde pudo estudiar las obras de Rubens y Van Dyck), dio lugar a una interpretación original de colorismo véneto al que se une un uso ligero profundamente escenográficas y barroco; estos caracteres aparecen ya en las once pinturas con milagros de santos franciscanos del convento de la orden homónima en Sevilla (1645-48), hoy dispersas, y en el nacimiento de la Virgen (París, Museo del Louvre), inicios triunfales de una larga actividad al servicio de las cofradías y órdenes religiosas dentro del cual Murillo resultó ser sincero y convincente intérprete de misticismo contrarreformistas. La interpretación realista suavemente, populares y comunicativo de la sagrada episodio, cada vez más evidente en las obras maduras (ciclo para el Hospicio de la caridad en Sevilla, ca. 1670-80: la curación del paralítico en la piscina, La Galería Nacional de Londres; el regreso del hijo pródigo, Washington, National Gallery), sumado a la sofisticación del color y alta calidad formal, han hecho de las composiciones de temas de Murillo el más popular de los religiosos oleografia (pensando en las innumerables versiones de la Inmaculada Concepción, algunas de las cuales en Madrid Prado), que ha venido a alterar, en el desgaste de la imagen, el verdadero y gran valor artístico. Los ciclos de las pinturas de género popolaresco (niños que comen fruta, Mónaco, Alte Pinakothek Gallego; la ventana, Washington, National Gallery), a partir de aberturas en el mundo picaresco que inauguró un género destinatoa gran éxito hasta el siglo XVIII presentados, y los retratos del valor naturalístico (caballero con collar, Madrid, Prado), contribuirán a clarificar la profunda inspiración del artista, que tiene como objetivo mejorar las posibilidades expresivas del color, a veces con compiacimenti virtuosa. "Para profundizar ver arte Gedea vol 7 pp 262-269" "para profundizar ver arte Gedea vol 7 pp 262-269" El Léxico Sm. [Del Rococó francés, alteración ligera de rocaille]. El estilo decorativo que se desarrolló en París en 1730 y que dominó en otros estilos de unos veinte años, la propagación y luego a la derecha hacia el final del siglo en las regiones del norte de Francia, de Italia y de Europa central hasta Rusia. Con el valor de Adj., pertenecientes a, exactamente este estilo: móvil, fachada, gusto rococó; por extensión, lambiccato artificiales, pero no sin gracia: un estilo rococó. Arte: en Francia Ferozmente opuestos por las corrientes y tardobarocche classicistiche contemporáneo, el rococó fue considerado negativamente a lo largo del siglo XIX hasta el primer análisis crítico realizado por los hermanos De Goncourt, quien advirtió la estrecha relación con una determinada concepción de la vida social, tanto en la estética revolucionaria le informamos. Ideológicamente el rococó es la expresión artística de la aristocracia de la cosmopolita ciudad de venir al final de su función histórica, que enmascara la conciencia del declive con una filosofía de evasión de la realidad, creando un mundo ficticio en el mito de la eterna juventud y de la tranquila serenidad. A continuación, ajustar el comportamiento social en los conceptos de refinamiento y elegancia, hasta la frivolidad de una parte y el libertinaje filosófico de otro. La huida de la realidad se produce tanto en el plano intelectual y en el existencial y cada detalle del ambiente debe concederse a la forma de vida: todo debe ser hermoso, de hecho "bonito", ya que el concepto de belleza está compuesto por sí solo lo que es delicada y frágil, matizado, claro, pintorescos. Bajo este aspecto entendemos entonces la "necesidad" de un determinado tipo de ropa (ornamentos leer de seda y muselina en tonos pastel, blanco peluca que embellece el rostro y lo hace sin edad, entonces es eternamente joven), lo que corresponde a un determinado tipo de entorno en el que viven. La revolución de la estética del rococó ocurre de hecho en la interacción armoniosa de todos los detalles de la decoración, que contribuyen igualmente a todas las artes (y el "menor" se evalúan, obviamente, a la par con los tradicionalmente "noble") se refieren a la creación de entornos ecológicos y homogénea. El hecho histórico de que comienza el rococó (incluso si las premisas son trazables desde los últimos años del siglo XVII) es la transferencia de la corte de Versalles en París después de la muerte de Louis XIV (1715), encargado por el regente duque de Orleans, el hecho de que determinada por la nobleza de la necesidad de reorganizar los palacios privados de la capital, por largos años habitada sólo ocasionalmente. A obviar los espacios confinados se desarrolló rápidamente en el período de la regencia el gusto por las paredes de color pálido, "abierto" por la profusión de espejos y estucos illeggiadrite ligero para los pequeños muebles y lacado en tonos pastel, para ejecutivos también desde las sombras, a los ornamentos de tamaño mínimo y sujeto frívolo, en clara oposición al mobiliario Louis XIV, suntuosa (pero también pesado), dominado por los colores oscuros y los dorados. Raros fueron en Francia las grandes realizaciones arquitectónicas, estructuras usufruirono tanto como aún barroco muy sobrio y funcional, destinado en la práctica como un apoyo de la decoración, la mayoría de las fachadas interiores, inferido a partir de toda una serie de repertorios (cabe recordar que en 1734 por J. A. Meissonnier, cuyos dibujos influyeron profundamente en la producción de tallistas y orfebres de la época); esta decoración se basa en variaciones infinitas, mejor si asimétrica, la línea curva que define los elementos naturales (hojas, flores, animales) según un espíritu elegante que a menudo se refiere a la elegancia exótica y fabulosas del oriente (obras maestras en este sentido son el Hôtel de Matignon de No. Pineau de 1720-31 y el Hôtel de Soubise de G. Boffrand, también decorado por F. Boucher, 1736). En la arquitectura francesa son en realidad mucho más frecuentes las construcciones de pequeñas dimensiones para parques y jardines (readaptado a veces estos "Inglés" según los cánones de la pintoresca, más adaptada a los nuevos gustos): los pabellones de caza, el "Casini de placeres", Sans Soucis, el monrepos, el ermitages, todos conectados con las necesidades de la vida mundana. La escultura fue una multa exclusivamente decorativo, suavizando las formas, enriquecido por detalles descriptivos y generalmente retrata personajes mitológicos según una declarada intención erótica. La pintura, desde el color claro y brillante, extendiéndose a tocar y matices en un dibujo rápido y roto, tiene estrechas analogías con la porcelana, grabado, los tejidos para mobiliario, ya que muestra escenas pastoriles, idilios, fiestas y galanti campestri, erótico episodios diarios, crónicas, expresando con acentos irónico malintencionado o los principios de una vida frívola, pero refinado. En Francia se acostumbra a distinguir un primer período Regency (1715-30) en la generación del arquitecto G. M. Oppenordt decorador de F. A. Vassé y del ebanist Ch. Cressent, pintores de J.-A. Watteau, J. B. Pater y J.-M. Nattier; un período rocaille (1730-45) que encuentra su máxima expresión en Meissonnier, Pineau, en Boucher y Chardin; un último período Pompadour (1745-64) involuto ya en ciertos excesos decorativos y en parte influenciadas por linearismo clasicista, representado por el arquitecto J. A. Gabriel, decorando por J. Verbeckt y J. H. Fragonard. Arte: en otros países europeos Fuera de Francia, el rococó se generalizó en breve assolutistiche que asume como un modelo de vida social a la nobleza francesa, idealizado como depositario del saber vivir y gusto. En el decenio 1730-40 artistas y artesanos franceses fueron de hecho, invitó a todas las cortes de Europa empezando con el fenómeno de la internacionalización de la cultura figurativa típicas de toda la segunda mitad del siglo. Este fenómeno vivió precisamente en la figura del artista errante (Italia basta pensar de Tiepolo y Rosalba Carriera), estimulado sobre todo el desarrollo de la artesanía en los cánones son comunes a toda Europa, según un proceso regido no sólo por la evolución del gusto, sino también, y declarado por los mismos gobernantes, por las leyes de la expansión económica. Movimientos similares a rococó, aunque no totalmente identificado con él, se había manifestado en Inglaterra (en muebles Chippendale, a través de cuyas interpretaciones, además, el gusto Rococó fue introducido en América y en ciertos temas pictóricos de Hogarth a Gainsborough) y en España (churriguerismo). En Italia se puede hablar de rococó, especialmente para las artes decorativas, partícipes en el International Taste (los estucos de Serpotta; "el gabinete chino" para el Palacio de Portici, ahora en Capodimonte, todo en porcelana y espejos), mientras que en construcciones arquitectónicas de caprichosas curvas de plantas sólo tuvo lugar en edificios privados de pequeñas dimensiones (Villa Palagonia en Bagheria, cerca de Palermo), siendo todavía viva la tradición barroca, en particular relacionadas con la committenza eclesiásticos. Por lo que se refiere al móvil italiano, el sabor del Rococó francés desarrollado mediante la adopción parcial de elementos estilísticos de Louis XV y la transformación progresiva de los elementos de la ornamentación barroca (estilo barroco). En Venecia, en el marco del desarrollo independiente (y dirigida en gran parte a los clientes extranjeros) de que la pintura, puede definir el estilo Rococó en la elección de los temas como el capricho, fantásticas vistas y la escena de la vida (Marco Ricci, Zais, Guardi y Longhi) y el uso generalizado de pastel y acuarela (Rosalba Carriera). El estilo del rococó se reunió con su gran desarrollo en los países de habla alemana de acuerdo a dos destinos precisos y claramente diferenciadas: por un lado, la arquitectura y la artesanía a los tribunales, que elaboró también formas originales, pero siempre dentro del modelo francés, por otro lado, la arquitectura, entendida como una síntesis entre el espacio y la decoración, de las iglesias y conventos, que representa la última gran expresión autónoma de esta rama de la arquitectura. Alrededor de los numerosos tribunales alemanes proliferarono castillos, las residencias nobles, pequeñas construcciones de placer, que asumió en tamaño enfático o incluso plantas retórico a las líneas curvas y elíptica de la construcción del sector privado francés (sólo los castillos reales se rehizo la monumentalidad clasicista Versalles) y desarrolló la decoración en tonos más o menos moderados, según precisas variantes locales (residencia del príncipe-obispo de Würzburg, 1719-44, B. Neumann, con la colaboración de R. de cocinado y J. L. Hildebrandt, y frescos de Tiepolo; Palazzina di Caccia de Amalienburg en estacionamiento Nymphenburg en Munich, 1734, F. de Cuvilliés). La arquitectura religiosa floreció especialmente en Baviera y en Bohemia, con los hermanos Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer, y en Austria, especialmente con Fischer von Erlach, quien desarrolló los locales ya existentes en la arquitectura tardobarocca locales para llegar a construir edificios caracterizados por la amplitud y luminosidad (de un espacio único de planta circular, elíptica u oval, paredes blancas, grandes y numerosas ventanas, estucos y dorados que resaltan los elementos estructurales y encuadre lienzos y frescos), donde realizan una perfecta armonía y una interrelación total entre los elementos constructivos y figurativos. También la producción pictórica no asume un papel autónomo pero, dadas las necesidades especiales, se destinó casi exclusivamente para ilustrar temas históricos-fiesta en tonos alegórico-mitológico o temas religiosos; después se convirtieron en grandes lienzos y frescos que, pese a la considerable ligereza y vaporosità ejecución, derivan de la decoración barroca Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl). Descripción general Loc. (Abreviatura en inglés de arte popular, el arte popular) utilizados en italiano como sf. Introducido por los estudiosos L. Flieder y R. Banham y aprobada en 1961 por el crítico inglés L. Alloway, el término indica un movimiento artístico vanguardista nacido en paralelo en Gran Bretaña y los Estados Unidos alrededor de 1955, como una reacción a la pintura de los expresionistas abstractos. Los artistas del pop art dibujar formas y lenguaje desde el repertorio de los mass-media, es decir, de los medios de comunicación y cultura de masas: la televisión, la publicidad, imágenes, fotografías, comics, consumibles, etc.; por lo tanto, servir las imágenes y objetos que ya existen, manipulados y presentados en diversas formas, se carga una nueva expresividad. El objetivo del movimiento es restar la operación artística a su carácter de experiencia única y subjetiva, por riaccostare arte en lugar de la realidad cotidiana. La figuración de lo trivial y cotidiano de pop art, mediado por las diferentes experiencias del cubismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo, tuvo su primera definición en Gran Bretaña a través de las actividades del Grupo Independiente de Londres (1953-58). La primera ópera inglesa de pop, creada por Richard Hamilton, fue inscrito en la exposición "Esta mañana", que se celebró en Londres en 1956. En Estados Unidos el arte pop surgió a partir de la fecha de agotamiento de experiencias abstractas, por los topes al final de las reuniones informales y especialmente por el de "objeto exaltations consumidas" por los artistas del nuevo papá. El pintor español (Fuente de cantos, Badajoz, 1598-Madrid 1664). Se formó en Sevilla, el animado centro de la cultura figurativa de carácter realista. En 1617 abrió su propio taller en Llerena, en Extremadura, pero en 1629 se radicó de regreso a Sevilla y permaneció allí (excepto una estancia en Madrid en 1634) hasta 1659 ca. Cuando se reduce, en condiciones de extrema pobreza, se trasladó a Madrid, donde intentó en vano para ser insertado en el clima cultural de la ciudad. La actividad de Zurbaran es esplicò casi exclusivamente en la producción de imágenes sagradas de muy alto número (ca. 600) y calidad a veces no sublime, debido en parte a que el uso generalizado de los colaboradores, en parte para momentos de crisis del pintor, especialmente en los últimos años de vida, cuando se consideró aprobada por sus contemporáneos en favor de Murillo. El estilo de Zurbarán comprende tanto el naturalismo típico sevillano, desarrollado y llevado a los más altos resultados para el uso del color, siempre lúcida y deslumbrante, incluso en tonos oscuros; tanto la tradición disegnativa del Manierismo Español, que lleva el pintor para resolver sus composiciones en las cifras de la primera planta, desde elegantes contornos y incisivos, claramente separados de los fondos neutro u oscuro, fuera de cualquier ambiente histórico. La mayoría de sus obras fueron realizadas como ciclos devocional a iglesias y monasterios de Sevilla y otras ciudades españolas (actualmente dispersas entre varios museos), sinceramente partícipes de la religiosidad popular (pinturas para la Merced Calzada de Sevilla, 1629; las pinturas de Nuestra Señora de la Defension en Jerez de la Frontera, 1638-39). La famosa serie de santos que Pierce por misticheggianti claves para celebración de elegante decoración. Alrededor de 1633 Zurbarán se dedicó también por un tiempo corto para Natura morta, dejando una de las mayores obras maestras del género, de pureza absoluta: el plato de cedros, un cesto de naranjas y la taza con rosa (1633, ya en Florencia, la colección Contini Bonacossi, desde 1973 en Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Foundation). La influencia de Zurbarán, bastante limitada en España, en lugar de eso fue enorme en América Latina, especialmente en Perú, donde el pintor envió numerosas obras durante el período 1640-58. Bartolomé Esteban Murillo, El pintor español Sevilla (1617-1682). Los inicios artísticos de Murillo fueron esencialmente vinculada a la ciudad de Navidad, primero como estudiante mediocre Juan del Castillo, luego como pintor independiente, sensible al arte de Ribera, Zurbarán, Velázquez; el joven trabaja, fuerte en diseño y modelado pero sustancialmente poco originales el demuestran también un partícipe de los Generic caravaggismo flotando en el entorno español. Contactos con la pintura italiana, a través de B. El Cavallino y A. Vaccari, flamenca y (quizá visitó las colecciones reales durante un viaje a Madrid en 1648, donde pudo estudiar las obras de Rubens y Van Dyck), dio lugar a una interpretación original de colorismo véneto al que se une un uso ligero profundamente escenográficas y barroco; estos caracteres aparecen ya en las once pinturas con milagros de santos franciscanos del convento de la orden homónima en Sevilla (1645-48), hoy dispersas, y en el nacimiento de la Virgen (París, Museo del Louvre), inicios triunfales de una larga actividad al servicio de las cofradías y órdenes religiosas dentro del cual Murillo resultó ser sincero y convincente intérprete de misticismo contrarreformistas. La interpretación realista suavemente, populares y comunicativo de la sagrada episodio, cada vez más evidente en las obras maduras (ciclo para el Hospicio de la caridad en Sevilla, ca. 1670-80: la curación del paralítico en la piscina, La Galería Nacional de Londres; el regreso del hijo pródigo, Washington, National Gallery), sumado a la sofisticación del color y alta calidad formal, han hecho de las composiciones de temas de Murillo el más popular de los religiosos oleografia (pensando en las innumerables versiones de la Inmaculada Concepción, algunas de las cuales en Madrid Prado), que ha venido a alterar, en el desgaste de la imagen, el verdadero y gran valor artístico. Los ciclos de las pinturas de género popolaresco (niños que comen fruta, Mónaco, Alte Pinakothek Gallego; la ventana, Washington, National Gallery), a partir de aberturas en el mundo picaresco que inauguró un género destinatoa gran éxito hasta el siglo XVIII presentados, y los retratos del valor naturalístico (caballero con collar, Madrid, Prado), contribuirán a clarificar la profunda inspiración del artista, que tiene como objetivo mejorar las posibilidades expresivas del color, a veces con compiacimenti virtuosa. "Para profundizar ver arte Gedea vol 7 pp 262-269" "para profundizar ver arte Gedea vol 7 pp 262-269" El Léxico Sm. [Del Rococó francés, alteración ligera de rocaille]. El estilo decorativo que se desarrolló en París en 1730 y que dominó en otros estilos de unos veinte años, la propagación y luego a la derecha hacia el final del siglo en las regiones del norte de Francia, de Italia y de Europa central hasta Rusia. Con el valor de Adj., pertenecientes a, exactamente este estilo: móvil, fachada, gusto rococó; por extensión, lambiccato artificiales, pero no sin gracia: un estilo rococó. Arte: en Francia Ferozmente opuestos por las corrientes y tardobarocche classicistiche contemporáneo, el rococó fue considerado negativamente a lo largo del siglo XIX hasta el primer análisis crítico realizado por los hermanos De Goncourt, quien advirtió la estrecha relación con una determinada concepción de la vida social, tanto en la estética revolucionaria le informamos. Ideológicamente el rococó es la expresión artística de la aristocracia de la cosmopolita ciudad de venir al final de su función histórica, que enmascara la conciencia del declive con una filosofía de evasión de la realidad, creando un mundo ficticio en el mito de la eterna juventud y de la tranquila serenidad. A continuación, ajustar el comportamiento social en los conceptos de refinamiento y elegancia, hasta la frivolidad de una parte y el libertinaje filosófico de otro. La huida de la realidad se produce tanto en el plano intelectual y en el existencial y cada detalle del ambiente debe concederse a la forma de vida: todo debe ser hermoso, de hecho "bonito", ya que el concepto de belleza está compuesto por sí solo lo que es delicada y frágil, matizado, claro, pintorescos. Bajo este aspecto entendemos entonces la "necesidad" de un determinado tipo de ropa (ornamentos leer de seda y muselina en tonos pastel, blanco peluca que embellece el rostro y lo hace sin edad, entonces es eternamente joven), lo que corresponde a un determinado tipo de entorno en el que viven. La revolución de la estética del rococó ocurre de hecho en la interacción armoniosa de todos los detalles de la decoración, que contribuyen igualmente a todas las artes (y el "menor" se evalúan, obviamente, a la par con los tradicionalmente "noble") se refieren a la creación de entornos ecológicos y homogénea. El hecho histórico de que comienza el rococó (incluso si las premisas son trazables desde los últimos años del siglo XVII) es la transferencia de la corte de Versalles en París después de la muerte de Louis XIV (1715), encargado por el regente duque de Orleans, el hecho de que determinada por la nobleza de la necesidad de reorganizar los palacios privados de la capital, por largos años habitada sólo ocasionalmente. A obviar los espacios confinados se desarrolló rápidamente en el período de la regencia el gusto por las paredes de color pálido, "abierto" por la profusión de espejos y estucos illeggiadrite ligero para los pequeños muebles y lacado en tonos pastel, para ejecutivos también desde las sombras, a los ornamentos de tamaño mínimo y sujeto frívolo, en clara oposición al mobiliario Louis XIV, suntuosa (pero también pesado), dominado por los colores oscuros y los dorados. Raros fueron en Francia las grandes realizaciones arquitectónicas, estructuras usufruirono tanto como aún barroco muy sobrio y funcional, destinado en la práctica como un apoyo de la decoración, la mayoría de las fachadas interiores, inferido a partir de toda una serie de repertorios (cabe recordar que en 1734 por J. A. Meissonnier, cuyos dibujos influyeron profundamente en la producción de tallistas y orfebres de la época); esta decoración se basa en variaciones infinitas, mejor si asimétrica, la línea curva que define los elementos naturales (hojas, flores, animales) según un espíritu elegante que a menudo se refiere a la elegancia exótica y fabulosas del oriente (obras maestras en este sentido son el Hôtel de Matignon de No. Pineau de 1720-31 y el Hôtel de Soubise de G. Boffrand, también decorado por F. Boucher, 1736). En la arquitectura francesa son en realidad mucho más frecuentes las construcciones de pequeñas dimensiones para parques y jardines (readaptado a veces estos "Inglés" según los cánones de la pintoresca, más adaptada a los nuevos gustos): los pabellones de caza, el "Casini de placeres", Sans Soucis, el monrepos, el ermitages, todos conectados con las necesidades de la vida mundana. La escultura fue una multa exclusivamente decorativo, suavizando las formas, enriquecido por detalles descriptivos y generalmente retrata personajes mitológicos según una declarada intención erótica. La pintura, desde el color claro y brillante, extendiéndose a tocar y matices en un dibujo rápido y roto, tiene estrechas analogías con la porcelana, grabado, los tejidos para mobiliario, ya que muestra escenas pastoriles, idilios, fiestas y galanti campestri, erótico episodios diarios, crónicas, expresando con acentos irónico malintencionado o los principios de una vida frívola, pero refinado. En Francia se acostumbra a distinguir un primer período Regency (1715-30) en la generación del arquitecto G. M. Oppenordt decorador de F. A. Vassé y del ebanist Ch. Cressent, pintores de J.-A. Watteau, J. B. Pater y J.-M. Nattier; un período rocaille (1730-45) que encuentra su máxima expresión en Meissonnier, Pineau, en Boucher y Chardin; un último período Pompadour (1745-64) involuto ya en ciertos excesos decorativos y en parte influenciadas por linearismo clasicista, representado por el arquitecto J. A. Gabriel, decorando por J. Verbeckt y J. H. Fragonard. Arte: en otros países europeos Fuera de Francia, el rococó se generalizó en breve assolutistiche que asume como un modelo de vida social a la nobleza francesa, idealizado como depositario del saber vivir y gusto. En el decenio 1730-40 artistas y artesanos franceses fueron de hecho, invitó a todas las cortes de Europa empezando con el fenómeno de la internacionalización de la cultura figurativa típicas de toda la segunda mitad del siglo. Este fenómeno vivió precisamente en la figura del artista errante (Italia basta pensar de Tiepolo y Rosalba Carriera), estimulado sobre todo el desarrollo de la artesanía en los cánones son comunes a toda Europa, según un proceso regido no sólo por la evolución del gusto, sino también, y declarado por los mismos gobernantes, por las leyes de la expansión económica. Movimientos similares a rococó, aunque no totalmente identificado con él, se había manifestado en Inglaterra (en muebles Chippendale, a través de cuyas interpretaciones, además, el gusto Rococó fue introducido en América y en ciertos temas pictóricos de Hogarth a Gainsborough) y en España (churriguerismo). En Italia se puede hablar de rococó, especialmente para las artes decorativas, partícipes en el International Taste (los estucos de Serpotta; "el gabinete chino" para el Palacio de Portici, ahora en Capodimonte, todo en porcelana y espejos), mientras que en construcciones arquitectónicas de caprichosas curvas de plantas sólo tuvo lugar en edificios privados de pequeñas dimensiones (Villa Palagonia en Bagheria, cerca de Palermo), siendo todavía viva la tradición barroca, en particular relacionadas con la committenza eclesiásticos. Por lo que se refiere al móvil italiano, el sabor del Rococó francés desarrollado mediante la adopción parcial de elementos estilísticos de Louis XV y la transformación progresiva de los elementos de la ornamentación barroca (estilo barroco). En Venecia, en el marco del desarrollo independiente (y dirigida en gran parte a los clientes extranjeros) de que la pintura, puede definir el estilo Rococó en la elección de los temas como el capricho, fantásticas vistas y la escena de la vida (Marco Ricci, Zais, Guardi y Longhi) y el uso generalizado de pastel y acuarela (Rosalba Carriera). El estilo del rococó se reunió con su gran desarrollo en los países de habla alemana de acuerdo a dos destinos precisos y claramente diferenciadas: por un lado, la arquitectura y la artesanía a los tribunales, que elaboró también formas originales, pero siempre dentro del modelo francés, por otro lado, la arquitectura, entendida como una síntesis entre el espacio y la decoración, de las iglesias y conventos, que representa la última gran expresión autónoma de esta rama de la arquitectura. Alrededor de los numerosos tribunales alemanes proliferarono castillos, las residencias nobles, pequeñas construcciones de placer, que asumió en tamaño enfático o incluso plantas retórico a las líneas curvas y elíptica de la construcción del sector privado francés (sólo los castillos reales se rehizo la monumentalidad clasicista Versalles) y desarrolló la decoración en tonos más o menos moderados, según precisas variantes locales (residencia del príncipe-obispo de Würzburg, 1719-44, B. Neumann, con la colaboración de R. de cocinado y J. L. Hildebrandt, y frescos de Tiepolo; Palazzina di Caccia de Amalienburg en estacionamiento Nymphenburg en Munich, 1734, F. de Cuvilliés). La arquitectura religiosa floreció especialmente en Baviera y en Bohemia, con los hermanos Asam, D. Zimmermann, Dientzenhofer, y en Austria, especialmente con Fischer von Erlach, quien desarrolló los locales ya existentes en la arquitectura tardobarocca locales para llegar a construir edificios caracterizados por la amplitud y luminosidad (de un espacio único de planta circular, elíptica u oval, paredes blancas, grandes y numerosas ventanas, estucos y dorados que resaltan los elementos estructurales y encuadre lienzos y frescos), donde realizan una perfecta armonía y una interrelación total entre los elementos constructivos y figurativos. También la producción pictórica no asume un papel autónomo pero, dadas las necesidades especiales, se destinó casi exclusivamente para ilustrar temas históricos-fiesta en tonos alegórico-mitológico o temas religiosos; después se convirtieron en grandes lienzos y frescos que, pese a la considerable ligereza y vaporosità ejecución, derivan de la decoración barroca Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl). Descripción general Loc. (Abreviatura en inglés de arte popular, el arte popular) utilizados en italiano como sf. Introducido por los estudiosos L. Flieder y R. Banham y aprobada en 1961 por el crítico inglés L. Alloway, el término indica un movimiento artístico vanguardista nacido en paralelo en Gran Bretaña y los Estados Unidos alrededor de 1955, como una reacción a la pintura de los expresionistas abstractos. Los artistas del pop art dibujar formas y lenguaje desde el repertorio de los mass-media, es decir, de los medios de comunicación y cultura de masas: la televisión, la publicidad, imágenes, fotografías, comics, consumibles, etc.; por lo tanto, servir las imágenes y objetos que ya existen, manipulados y presentados en diversas formas, se carga una nueva expresividad. El objetivo del movimiento es restar la operación artística a su carácter de experiencia única y subjetiva, por riaccostare arte en lugar de la realidad cotidiana. La figuración de lo trivial y cotidiano de pop art, mediado por las diferentes experiencias del cubismo, futurismo, dadaísmo y surrealismo, tuvo su primera definición en Gran Bretaña a través de las actividades del Grupo Independiente de Londres (1953-58). La primera ópera inglesa de pop, creada por Richard Hamilton, fue inscrito en la exposición "Esta mañana", que se celebró en Londres en 1956. En Estados Unidos el arte pop surgió a partir de la fecha de agotamiento de experiencias abstractas, por los topes al final de las reuniones informales y especialmente por el de "objeto exaltations consumidas" por los artistas del nuevo papá.
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