@elliamartelzer1
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Der spanische Maler (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598 - Madrid 1664). Er in Sevilla geschult, und das lebhafte Zentrum von einem figurativen Kultur der realistischen Natur. 1617 eröffnete er sein eigenes Geschäft an Llerena, in der Extremadura, aber 1629 ließ er sich zurück nach Sevilla und blieb dort (mit Ausnahme bei einem Aufenthalt in Madrid im Jahre 1634) bis 1659 Ca. Wenn reduziert, in extremer Armut, zog er nach Madrid, wo er vergeblich im kulturellen Klima der Stadt eingefügt werden ausprobiert. Die Aktivität von Zurbaran ist esplicò fast ausschließlich in der Produktion von heiligen Bilder in sehr hoher Zahl (Ca. 600) und die Qualität manchmal nicht erhaben, zum Teil aufgrund der weit verbreiteten Verwendung von Mitarbeitern, teilweise in Momenten der Krise des Malers, vor allem in den letzten Jahren des Lebens, wenn es von seinen Zeitgenossen zugunsten von Murillo weitergegeben. Der Stil von Zurbaran umfasst sowohl der Naturalismus typischen sevillanischen, entwickelt und auf die höchsten Ergebnisse für die Verwendung von Farbe geholt, immer klar und strahlend auch in dunklen Tönen; sowohl die disegnativa Tradition des Manierismus Spanisch, was der Maler seine Kompositionen in den Gestalten der ersten Etage zu lösen, trägt, von eleganten Konturen und Schneidezähne, deutlich von der neutralen mittel oder dunkel getrennt, außerhalb jeder historischen Ambiente. Die meisten seiner Werke wurden als hingebungsvolle Zyklen für Kirchen und Klöster von Sevilla und andere spanische Städte (derzeit unter verschiedenen Museen verstreut), aufrichtig Teilhaber der religiöse Gefühl beliebt (Gemälde für die Merced Calzada in Sevilla, 1629 durchgeführt; Gemälde für Nuestra Senora de la Defension in Jerez de la Frontera, 1638-39). Die berühmte Reihe von Heiligen, die Pierce durch misticheggianti cues Feier dekorativ Elegant. Um 1633 Zurbaran widmete sich auch für eine kurze Zeit zu Natura morta, eines der größten Meisterwerke des Genres, der absoluten Reinheit: die Schale der Zedern, ein Korb mit Orangen und Schale mit Rosa (1633, bereits in Florenz, der Contini Bonacossi Sammlung, von 1973 in Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Stiftung). Der Einfluss von Zurbaran, eher in Spanien beschränkt, wurde stattdessen riesige in Lateinamerika, vor allem in Peru, wo der Maler zahlreiche Werke im Zeitraum 1640-58 gesendet. Murillo, Bartolome Esteban Der spanische Maler Sevilla (1617-1682). Die künstlerischen Anfänge von Murillo, die im Wesentlichen an die Stadt Weihnachten ab, zuerst als Student der mittelmäßigen Juan del Castillo, als eigenständige Maler, sensibel für die Kunst von Ribera, Zurbarán, Velázquez; den Jugendlichen arbeitet, Stark im Design und modelliert, aber wesentlich kleiner Vorlagen, die auch der generischen caravaggismo schwebt in Spanischer Sprache zeigen. Kontakte mit der italienischen Malerei, durch B. Die Cavallino und A. Vaccari, flämischen und (vielleicht besucht der königlichen Sammlungen während einer Reise nach Madrid im Jahre 1648, wo er die Werke von Rubens und Van Dyck studieren konnte), trieb eine ursprüngliche Bedeutung des colorismo Veneto, tritt eine leichte Verwendung tief szenografische und Barock. Diese Zeichen erscheinen bereits in der elf Gemälde mit Wunder der franziskanischen Heiligen für das Kloster der gleichnamigen Ordnung in Sevilla (1645-48), heute zerstreut und in der Geburt der Jungfrau (Paris, Louvre), triumphal Anfänge einer langen Tätigkeit im Dienst der Bruderschaften und Ordensgemeinschaften, innerhalb dessen Murillo erwies sich als aufrichtiger Dolmetscher und überzeugend der Mystik counter-reformistischen. Die Bedeutung realistisch sanft, beliebte Volksmusik und kommunikativen der Heiligen Episode, zunehmend in den Werken reif (Zyklus für das Hospiz der Caritas in Sevilla, Ca. 1670-80: die Heilung des Gelähmten am Pool, London, National Gallery; die Rückkehr des verlorenen Sohnes, Washington, National Gallery), verbunden mit der Raffinesse der Farben und eine hohe Qualität der formalen, der Kompositionen von Murillo Themen Die beliebtesten religiösen oleografia (denken der unzähligen Versionen von der Unbefleckten Empfängnis, von denen einige in Madrid Prado), das gekommen ist, zu verändern, in der Abnutzung des Bildes, die real und hohem künstlerischen Wert ermöglicht haben. Die Zyklen der Gemälde der Gattung popolaresco (Jungen, die Frucht essen, Monaco, Alte Pinakothek Galizisch, das Fenster, Washington, National Gallery), effektiven Öffnungen auf der Schelmenroman Welt, ein Genre destinatoa großer Erfolg eröffnet bis zum achtzehnten Jahrhundert vorgelegt, und die Porträts der naturalistischen Einstellung (Gentleman mit Kragen, Madrid, Prado), zur Klärung der tiefste Inspiration des Künstlers, die darauf abzielt, die Ausdrucksmöglichkeiten der Farbe zu verbessern, manchmal mit compiacimenti tugendhafte beitragen wird. " Siehe Gedea Kunst Bd. 7 pp 262-269" "Zur Vertiefung siehe Gedea Kunst Bd. 7 pp 262-269" zu vertiefen. Das Lexikon Sm. [Aus dem französischen Rokoko, Veränderung, unbeschwert von Rocaille]. Die dekorativen Stil, der in Paris um 1730 entwickelt und auf andere Stile dominiert seit ungefähr zwanzig Jahren, Verbreitung und dann rechts in Richtung zum Ende des Jahrhunderts in den nördlichen Regionen von Frankreich, Italien und Mitteleuropa bis nach Russland. Mit dem Wert der Adj., Zugehörigkeit, genau dieser Stil: Mobile, Fassade, Rokoko Geschmack; für Erweiterung, künstliche Lambiccato, aber nicht ohne Gnade: eine Frisur Rokoko. Kunst: in Frankreich Heftig von zeitgenössischen Strömungen und classicistiche tardobarocche entgegengesetzt, das Rokoko war negativ während des neunzehnten Jahrhunderts, bis die erste kritische Analyse durchgeführt durch die Brüder De Goncourt, die sowohl die enge Beziehung mit einer bestimmten Auffassung des sozialen Lebens gewarnt, sowohl die ästhetischen Revolutionäre ihn informiert. Ideologisch das Rokoko ist der künstlerische Ausdruck der Aristokratie der kosmopolitischen am Ende seiner historischen Funktion, die Masken, die das Gewissen der Rückgang mit einer Philosophie der Hinterziehung von Wirklichkeit, Erstellen einer fiktiven Welt, die auf dem Mythos der ewigen Jugend und der Unruffled Gelassenheit. Soziales Verhalten ist dann auf Konzepten der Feinheit und Eleganz eingestellt, bis die Frivolität und der philosophischen libertinismus von der anderen. Die Flucht aus der Realität tritt sowohl auf der intellektuellen Ebene und auf die existentielle und jedes Detail der Umwelt auf den Weg des Lebens gewährt werden sollte: Alles muss schön sein, denn "nett", da der Begriff der Schönheit selbst besteht nur aus Was ist zart und zerbrechlich, nuanciert, klar, malerischen. Unter diesem Aspekt verstehen wir dann die "Notwendigkeit" einer bestimmten Art der Kleidung (paramente Lesen von Seide und Musselin in Pastelltönen, weiße Perücke, die das Gesicht schmückt und Macht ohne Alter, dann ewig Jungen), die sich auf eine bestimmte Art der Umgebung, in der zu leben entspricht. Die ästhetische Revolution des Rokoko tritt in der Tat in das harmonische Zusammenspiel aller Details der Einrichtung, die ebenfalls dazu beitragen, alle Künste (und die "Kleine" sind offensichtlich auf einer Gleichheit ausgewertet, mit denen traditionell "edel") beziehen sich auf die Erstellung von organischen Umgebungen und homogen. Die historische Tatsache, von der aus Sie beginnen, das Rokoko (auch wenn die Räumlichkeiten rückführbar sind seit den letzten Jahren des 17. Jh.) ist die Übertragung des Hofes von Versailles in Paris nach dem Tod von Louis XIV (1715), beauftragt durch das Regent Herzog von Orléans, die Tatsache, dass für den Adel die Notwendigkeit der privaten Paläste des Kapitals zu reorganisieren ermittelt, die durch lange Jahre nur gelegentlich bewohnt. In den beengten Platzverhältnissen schnell in der Zeit der Regentschaft entwickelte den Geschmack für den hellen Wänden, "Aus" durch die Überfülle der Spiegel und illeggiadrite Stuckarbeiten Licht für die kleine Möbel vermeiden und lackiert in Pastelltönen, für Führungskräfte auch von der hellen Farbtöne für die Ornamente der Mindestgröße und frivol, in klarer Opposition zu Möbel Louis XIV, üppige, (aber auch schwer) Durch die dunklen Farben und von der Vergoldung dominiert. Selten waren in Frankreich die großen architektonischen Umsetzungen, die usufruirono Strukturen noch Barock so viel wie sehr nüchtern und funktional, in der Praxis als Unterstützung der Dekoration, die meisten der inneren Fassaden, aus einer ganzen Reihe von repertorien abgeleitet (es sei daran erinnert, dass im Jahr 1734 von J. A. Meissonnier, deren Zeichnungen tief auf die Produktion von Carver und Goldschmiede der Epoche beeinflusst); diese Einrichtung war auf unendlichen Variationen, besser, wenn die asymmetrische, die gekrümmte Linie die natürlichen Elemente definiert (Blätter, Blüten, Tiere) Nach einem Geist anmutige, die oft auf exotische Eleganz und fabelhafte des Ostens (Meisterwerke in diesem Sinne sind das Hôtel de Matignon von Nr. Pineau von 1720-31 und des Hôtel de Soubise von G. Boffrand, auch durch F.Boucher, 1736 eingerichtet). In der französischen Architektur in der Tat auch sehr viel häufiger die Konstruktionen mit kleinen Abmessungen für Parks und Gärten (manchmal readapted Diese "Englisch" entsprechend der Kanones der malerischen, mehr zu den neuen Geschmack geeignet): die Pavillons der Jagd, die "casini der Genüsse", Sans Soucis, die monrepos, der ermitages, alle mit den Bedürfnissen des weltlichen Lebens verbunden. Die Skulptur war eine feine Dekorative ausschließlich, die Aufweichung der Formen, durch beschreibende Details angereichert und im allgemeinen Darstellung mythologischer Figuren nach einem erklärte Absicht erotisch. Die Malerei, von der klaren Farben und brillante verteilte sich zu berühren und Nuancen auf eine schnelle Zeichnung und gebrochen, hat enge Analogien mit der Porzellan, Gravieren, die Stoffe für Einrichtung, da schildert pastoralen Szenen, Idylle, feste galanti und campestri, erotische Episoden, tägliche Chronik, Ausdruck mit ironischen Akzenten böswillige oder die Grundsätze eines Lebens Frivol aber verfeinert. Für Frankreich ist es üblich, zu einer ersten Periode Regency (1715-30) in der Generation der Architekt G. M. Oppenordt der Dekorateur F.A. Vassé und des ebanist Ch Cressent unterscheiden, der Maler J.-A. Watteau, J. B. Pater und J.-M. Nattier; ein Zeitraum Rocaille (1730-45), der seinen höchsten Ausdruck in Meissonnier, Pineau, in Boucher und Chardin findet; eine letzte Periode Pompadour (1745-64) involuto bereits in bestimmten dekorative Schwerfälligkeit und teilweise beeinflusst von linearismo klassizistische, vertreten durch den Architekten J. A. Gabriel, Dekorieren von J. und J.H.Verbeckt Fragonard. Kunst: In anderen Europäischen Ländern Außerhalb Frankreichs das Rokoko wurde verbreitet in kurzen assolutistiche, die als Modell des sozialen Lebens der Französischen Adel, Idealisierten als Verwahrer zu wissen, wie man leben und Geschmack angenommen. In der Dekade 1730-40 Künstler und Französische Handwerker in der Tat in allen Höfen Europas, beginnend mit dem Phänomen der Internationalisierung des figurativen Kultur typisch für die gesamte zweite Hälfte des Jahrhunderts eingeladen wurden. Dieses Phänomen genau lebte in der Abbildung des wandernden Artist (für Italien genügt es, daran zu denken, Tiepolo und Rosalba Carriera), die vor allem die Entwicklung des Handwerks auf der Chorherren angeregt, die für ganz Europa, nach einem Verfahren nicht nur durch die Entwicklung der Geschmack, sondern auch, und von den gleichen Herrscher erklärte, durch die Gesetze der wirtschaftlichen Expansion geregelt. Ähnliche Bewegungen zu Rokoko, selbst wenn sie nicht völlig mit ihr identifiziert, in England manifestiert (in Möbel Chippendale, durch deren Interpretationen, außerdem, das Rokoko Geschmack war in Amerika und in bestimmten Themen eingeführt Bildmaterial von Hogarth zu Gainsborough) und in Spanien (churriguerismo). Für Italien kann es sprechen von Rokoko vor allem für dekorative Künste, Teilhaber an den internationalen Geschmack (die Stuckarbeiten von serpotta; die "Chinesische Kabinett" für den Palast von Portici, jetzt bei Capodimonte, alles aus Porzellan und Spiegel), während die architektonischen Konstruktionen zu launisch Pflanzen Kurven nur in privaten Gebäuden mit kleinen Abmessungen statt (Villa Palagonia in Bagheria in der Nähe von Palermo), die immer noch am Leben Die barocke Tradition, insbesondere im Zusammenhang mit der kirchlichen committenza. Was betrifft die Italienischen mobile, den Geschmack des französischen Rokoko durch die teilweise Annahme des stilistischen Elemente von Louis XV und die schrittweise Umwandlung der Elemente des barocken Verzierungen (Stil Barock) entwickelt. In Venedig, im Rahmen der unabhängigen Entwicklung (und zum großen Teil auf die ausländischen Kunden) der Malerei angesprochen werden, können im Stil des Rokoko definieren, die Wahl der Themen wie die Laune, fantastische Aussicht und die Szene des Lebens (Marco Ricci, Zais, Guardi und Longhi) und die weit verbreitete Verwendung von Pastell und Aquarell (Rosalba Carriera). Der Stil des Rokoko seine wichtige Entwicklung in den deutschsprachigen Ländern nach zwei Ziele präzise und klar differenziert: Auf der einen Seite die Architektur und das Handwerk an die Gerichte, die auch die ursprünglichen Formen, aber immer innerhalb des französischen Modell, auf der anderen Seite die Architektur, verstanden als eine Synthese zwischen Raum und Dekoration, der Kirchen und Klöster, stellt den letzten großen autonomen Ausdruck dieser besonderen Zweig der Architektur erarbeitet. Rund um die zahlreichen deutschen Gerichte proliferarono Burgen, die edle Residenzen, kleine Konstruktionen der Freude, dass in der Größe emphatischen oder sogar rhetorische Pflanzen auf gebogenen Linien übernommen und elliptischen der privaten Bau Französisch (nur die königsschlösser sie die Monumentalität klassizistischen Versailles remade) und entwickelte die Dekoration in Töne mehr oder weniger moderat, nach genauen lokale Varianten (Residenz des Prinzen - Bischof von Würzburg, 1719-44, B.Neumann, in Zusammenarbeit mit dem R. de gekocht und J. L. Hildebrandt, und Fresken von Tiepolo; Palazzina di Caccia der Amalienburg im Park Nymphenburg in München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiöse Architektur blühte besonders in Bayern und in Böhmen, mit der die Brüder Asam, D.Zimmermann, Dientzenhofer und in Österreich, vor allem mit Fischer von Erlach, die Räumlichkeiten, die bereits in der Architektur lokale tardobarocca Anfahrt Gebäude von der Großzügigkeit und Helligkeit (einen einzigartigen Raum, runde, elliptische oder ovale, weiße Wände, große und zahlreiche Windows, Stuck und Vergoldung, dass die strukturellen Elemente und Framing Gemälde und Fresken unterstreichen plant), wo Sie eine perfekte Harmonie und insgesamt eine Wechselbeziehung zwischen der konstruktiven Elemente und figurative, führen Sie charakterisiert. Auch die bildnerischen Produktion nicht eine eigenständige Rolle, aber angesichts der besonderen Bedürfnisse angenommen, wurde fast ausschließlich verwiesen historischen Themen - Feier in allegorischen Töne-mythologischen und religiösen Themen zu illustrieren; es entwickelte dann in große Leinwände und Fresken, die trotz der erheblichen Leichtigkeit und Vaporosità Ausführung, ergeben sich aus der barocke Dekoration Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl). Allgemeine Beschreibung Loc. Englisch (Abkürzung für populäre Kunst, populäre Kunst) in Italienisch als sf verwendet. Durch gelehrte L. Flieder und R. Banham eingeführt und 1961 von der Kritiker Englisch L. Alloway, nahm den Begriff zeigt an, eine künstlerische Bewegung der Avantgarde parallel in Großbritannien und in den Vereinigten Staaten um 1955 geboren, als Reaktion auf die Malerei des abstrakten Expressionismus. Die Künstler der Pop Art zeichnen Formen und Sprache aus dem Repertoire der Massenmedien, d. h. der Mittel der Kommunikation und der Massenkultur: Fernsehen, Werbung, Bilder, Fotos, Comics, Verbrauchsmaterial, etc.; sie sind daher Bilder und Objekte, die schon vorhanden sind, die auf verschiedene Weise manipuliert und präsentiert dazu dienen, können Sie eine neue Ausdruckskraft laden. Ziel der Bewegung ist der künstlerische Betrieb zu seinem Charakter als einzigartige Erfahrung und subjektive, für riaccostare statt Kunst auf die alltägliche Wirklichkeit zu subtrahieren. Die figuration des Trivialen und das tägliche Leben der Pop Art, die von den verschiedenen Erfahrungen des Kubismus, Futurismus, Dadaismus und Surrealismus vermittelte, hatte seine erste Definition in Großbritannien durch die Aktivitäten der unabhängige Gruppe von London (1953-58). Die erste Oper, Deutsch pop, erstellt von Richard Hamilton, war in der Ausstellung "bezeichnet dieses Morgen ist" in London im Jahr 1956 statt. In den Vereinigten Staaten der Pop Art entstand aus der Erschöpfung der abstrakten Erfahrungen, die durch die Anschläge am Ende der informellen und vor allem durch Erhöhungen des "Objekt verbraucht" von Künstlern der Neuen Dada. Der spanische Maler (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598 - Madrid 1664). Er in Sevilla geschult, und das lebhafte Zentrum von einem figurativen Kultur der realistischen Natur. 1617 eröffnete er sein eigenes Geschäft an Llerena, in der Extremadura, aber 1629 ließ er sich zurück nach Sevilla und blieb dort (mit Ausnahme bei einem Aufenthalt in Madrid im Jahre 1634) bis 1659 Ca. Wenn reduziert, in extremer Armut, zog er nach Madrid, wo er vergeblich im kulturellen Klima der Stadt eingefügt werden ausprobiert. Die Aktivität von Zurbaran ist esplicò fast ausschließlich in der Produktion von heiligen Bilder in sehr hoher Zahl (Ca. 600) und die Qualität manchmal nicht erhaben, zum Teil aufgrund der weit verbreiteten Verwendung von Mitarbeitern, teilweise in Momenten der Krise des Malers, vor allem in den letzten Jahren des Lebens, wenn es von seinen Zeitgenossen zugunsten von Murillo weitergegeben. Der Stil von Zurbaran umfasst sowohl der Naturalismus typischen sevillanischen, entwickelt und auf die höchsten Ergebnisse für die Verwendung von Farbe geholt, immer klar und strahlend auch in dunklen Tönen; sowohl die disegnativa Tradition des Manierismus Spanisch, was der Maler seine Kompositionen in den Gestalten der ersten Etage zu lösen, trägt, von eleganten Konturen und Schneidezähne, deutlich von der neutralen mittel oder dunkel getrennt, außerhalb jeder historischen Ambiente. Die meisten seiner Werke wurden als hingebungsvolle Zyklen für Kirchen und Klöster von Sevilla und andere spanische Städte (derzeit unter verschiedenen Museen verstreut), aufrichtig Teilhaber der religiöse Gefühl beliebt (Gemälde für die Merced Calzada in Sevilla, 1629 durchgeführt; Gemälde für Nuestra Senora de la Defension in Jerez de la Frontera, 1638-39). Die berühmte Reihe von Heiligen, die Pierce durch misticheggianti cues Feier dekorativ Elegant. Um 1633 Zurbaran widmete sich auch für eine kurze Zeit zu Natura morta, eines der größten Meisterwerke des Genres, der absoluten Reinheit: die Schale der Zedern, ein Korb mit Orangen und Schale mit Rosa (1633, bereits in Florenz, der Contini Bonacossi Sammlung, von 1973 in Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Stiftung). Der Einfluss von Zurbaran, eher in Spanien beschränkt, wurde stattdessen riesige in Lateinamerika, vor allem in Peru, wo der Maler zahlreiche Werke im Zeitraum 1640-58 gesendet. Murillo, Bartolome Esteban Der spanische Maler Sevilla (1617-1682). Die künstlerischen Anfänge von Murillo, die im Wesentlichen an die Stadt Weihnachten ab, zuerst als Student der mittelmäßigen Juan del Castillo, als eigenständige Maler, sensibel für die Kunst von Ribera, Zurbarán, Velázquez; den Jugendlichen arbeitet, Stark im Design und modelliert, aber wesentlich kleiner Vorlagen, die auch der generischen caravaggismo schwebt in Spanischer Sprache zeigen. Kontakte mit der italienischen Malerei, durch B. Die Cavallino und A. Vaccari, flämischen und (vielleicht besucht der königlichen Sammlungen während einer Reise nach Madrid im Jahre 1648, wo er die Werke von Rubens und Van Dyck studieren konnte), trieb eine ursprüngliche Bedeutung des colorismo Veneto, tritt eine leichte Verwendung tief szenografische und Barock. Diese Zeichen erscheinen bereits in der elf Gemälde mit Wunder der franziskanischen Heiligen für das Kloster der gleichnamigen Ordnung in Sevilla (1645-48), heute zerstreut und in der Geburt der Jungfrau (Paris, Louvre), triumphal Anfänge einer langen Tätigkeit im Dienst der Bruderschaften und Ordensgemeinschaften, innerhalb dessen Murillo erwies sich als aufrichtiger Dolmetscher und überzeugend der Mystik counter-reformistischen. Die Bedeutung realistisch sanft, beliebte Volksmusik und kommunikativen der Heiligen Episode, zunehmend in den Werken reif (Zyklus für das Hospiz der Caritas in Sevilla, Ca. 1670-80: die Heilung des Gelähmten am Pool, London, National Gallery; die Rückkehr des verlorenen Sohnes, Washington, National Gallery), verbunden mit der Raffinesse der Farben und eine hohe Qualität der formalen, der Kompositionen von Murillo Themen Die beliebtesten religiösen oleografia (denken der unzähligen Versionen von der Unbefleckten Empfängnis, von denen einige in Madrid Prado), das gekommen ist, zu verändern, in der Abnutzung des Bildes, die real und hohem künstlerischen Wert ermöglicht haben. Die Zyklen der Gemälde der Gattung popolaresco (Jungen, die Frucht essen, Monaco, Alte Pinakothek Galizisch, das Fenster, Washington, National Gallery), effektiven Öffnungen auf der Schelmenroman Welt, ein Genre destinatoa großer Erfolg eröffnet bis zum achtzehnten Jahrhundert vorgelegt, und die Porträts der naturalistischen Einstellung (Gentleman mit Kragen, Madrid, Prado), zur Klärung der tiefste Inspiration des Künstlers, die darauf abzielt, die Ausdrucksmöglichkeiten der Farbe zu verbessern, manchmal mit compiacimenti tugendhafte beitragen wird. " Siehe Gedea Kunst Bd. 7 pp 262-269" "Zur Vertiefung siehe Gedea Kunst Bd. 7 pp 262-269" zu vertiefen. Das Lexikon Sm. [Aus dem französischen Rokoko, Veränderung, unbeschwert von Rocaille]. Die dekorativen Stil, der in Paris um 1730 entwickelt und auf andere Stile dominiert seit ungefähr zwanzig Jahren, Verbreitung und dann rechts in Richtung zum Ende des Jahrhunderts in den nördlichen Regionen von Frankreich, Italien und Mitteleuropa bis nach Russland. Mit dem Wert der Adj., Zugehörigkeit, genau dieser Stil: Mobile, Fassade, Rokoko Geschmack; für Erweiterung, künstliche Lambiccato, aber nicht ohne Gnade: eine Frisur Rokoko. Kunst: in Frankreich Heftig von zeitgenössischen Strömungen und classicistiche tardobarocche entgegengesetzt, das Rokoko war negativ während des neunzehnten Jahrhunderts, bis die erste kritische Analyse durchgeführt durch die Brüder De Goncourt, die sowohl die enge Beziehung mit einer bestimmten Auffassung des sozialen Lebens gewarnt, sowohl die ästhetischen Revolutionäre ihn informiert. Ideologisch das Rokoko ist der künstlerische Ausdruck der Aristokratie der kosmopolitischen am Ende seiner historischen Funktion, die Masken, die das Gewissen der Rückgang mit einer Philosophie der Hinterziehung von Wirklichkeit, Erstellen einer fiktiven Welt, die auf dem Mythos der ewigen Jugend und der Unruffled Gelassenheit. Soziales Verhalten ist dann auf Konzepten der Feinheit und Eleganz eingestellt, bis die Frivolität und der philosophischen libertinismus von der anderen. Die Flucht aus der Realität tritt sowohl auf der intellektuellen Ebene und auf die existentielle und jedes Detail der Umwelt auf den Weg des Lebens gewährt werden sollte: Alles muss schön sein, denn "nett", da der Begriff der Schönheit selbst besteht nur aus Was ist zart und zerbrechlich, nuanciert, klar, malerischen. Unter diesem Aspekt verstehen wir dann die "Notwendigkeit" einer bestimmten Art der Kleidung (paramente Lesen von Seide und Musselin in Pastelltönen, weiße Perücke, die das Gesicht schmückt und Macht ohne Alter, dann ewig Jungen), die sich auf eine bestimmte Art der Umgebung, in der zu leben entspricht. Die ästhetische Revolution des Rokoko tritt in der Tat in das harmonische Zusammenspiel aller Details der Einrichtung, die ebenfalls dazu beitragen, alle Künste (und die "Kleine" sind offensichtlich auf einer Gleichheit ausgewertet, mit denen traditionell "edel") beziehen sich auf die Erstellung von organischen Umgebungen und homogen. Die historische Tatsache, von der aus Sie beginnen, das Rokoko (auch wenn die Räumlichkeiten rückführbar sind seit den letzten Jahren des 17. Jh.) ist die Übertragung des Hofes von Versailles in Paris nach dem Tod von Louis XIV (1715), beauftragt durch das Regent Herzog von Orléans, die Tatsache, dass für den Adel die Notwendigkeit der privaten Paläste des Kapitals zu reorganisieren ermittelt, die durch lange Jahre nur gelegentlich bewohnt. In den beengten Platzverhältnissen schnell in der Zeit der Regentschaft entwickelte den Geschmack für den hellen Wänden, "Aus" durch die Überfülle der Spiegel und illeggiadrite Stuckarbeiten Licht für die kleine Möbel vermeiden und lackiert in Pastelltönen, für Führungskräfte auch von der hellen Farbtöne für die Ornamente der Mindestgröße und frivol, in klarer Opposition zu Möbel Louis XIV, üppige, (aber auch schwer) Durch die dunklen Farben und von der Vergoldung dominiert. Selten waren in Frankreich die großen architektonischen Umsetzungen, die usufruirono Strukturen noch Barock so viel wie sehr nüchtern und funktional, in der Praxis als Unterstützung der Dekoration, die meisten der inneren Fassaden, aus einer ganzen Reihe von repertorien abgeleitet (es sei daran erinnert, dass im Jahr 1734 von J. A. Meissonnier, deren Zeichnungen tief auf die Produktion von Carver und Goldschmiede der Epoche beeinflusst); diese Einrichtung war auf unendlichen Variationen, besser, wenn die asymmetrische, die gekrümmte Linie die natürlichen Elemente definiert (Blätter, Blüten, Tiere) Nach einem Geist anmutige, die oft auf exotische Eleganz und fabelhafte des Ostens (Meisterwerke in diesem Sinne sind das Hôtel de Matignon von Nr. Pineau von 1720-31 und des Hôtel de Soubise von G. Boffrand, auch durch F.Boucher, 1736 eingerichtet). In der französischen Architektur in der Tat auch sehr viel häufiger die Konstruktionen mit kleinen Abmessungen für Parks und Gärten (manchmal readapted Diese "Englisch" entsprechend der Kanones der malerischen, mehr zu den neuen Geschmack geeignet): die Pavillons der Jagd, die "casini der Genüsse", Sans Soucis, die monrepos, der ermitages, alle mit den Bedürfnissen des weltlichen Lebens verbunden. Die Skulptur war eine feine Dekorative ausschließlich, die Aufweichung der Formen, durch beschreibende Details angereichert und im allgemeinen Darstellung mythologischer Figuren nach einem erklärte Absicht erotisch. Die Malerei, von der klaren Farben und brillante verteilte sich zu berühren und Nuancen auf eine schnelle Zeichnung und gebrochen, hat enge Analogien mit der Porzellan, Gravieren, die Stoffe für Einrichtung, da schildert pastoralen Szenen, Idylle, feste galanti und campestri, erotische Episoden, tägliche Chronik, Ausdruck mit ironischen Akzenten böswillige oder die Grundsätze eines Lebens Frivol aber verfeinert. Für Frankreich ist es üblich, zu einer ersten Periode Regency (1715-30) in der Generation der Architekt G. M. Oppenordt der Dekorateur F.A. Vassé und des ebanist Ch Cressent unterscheiden, der Maler J.-A. Watteau, J. B. Pater und J.-M. Nattier; ein Zeitraum Rocaille (1730-45), der seinen höchsten Ausdruck in Meissonnier, Pineau, in Boucher und Chardin findet; eine letzte Periode Pompadour (1745-64) involuto bereits in bestimmten dekorative Schwerfälligkeit und teilweise beeinflusst von linearismo klassizistische, vertreten durch den Architekten J. A. Gabriel, Dekorieren von J. und J.H.Verbeckt Fragonard. Kunst: In anderen Europäischen Ländern Außerhalb Frankreichs das Rokoko wurde verbreitet in kurzen assolutistiche, die als Modell des sozialen Lebens der Französischen Adel, Idealisierten als Verwahrer zu wissen, wie man leben und Geschmack angenommen. In der Dekade 1730-40 Künstler und Französische Handwerker in der Tat in allen Höfen Europas, beginnend mit dem Phänomen der Internationalisierung des figurativen Kultur typisch für die gesamte zweite Hälfte des Jahrhunderts eingeladen wurden. Dieses Phänomen genau lebte in der Abbildung des wandernden Artist (für Italien genügt es, daran zu denken, Tiepolo und Rosalba Carriera), die vor allem die Entwicklung des Handwerks auf der Chorherren angeregt, die für ganz Europa, nach einem Verfahren nicht nur durch die Entwicklung der Geschmack, sondern auch, und von den gleichen Herrscher erklärte, durch die Gesetze der wirtschaftlichen Expansion geregelt. Ähnliche Bewegungen zu Rokoko, selbst wenn sie nicht völlig mit ihr identifiziert, in England manifestiert (in Möbel Chippendale, durch deren Interpretationen, außerdem, das Rokoko Geschmack war in Amerika und in bestimmten Themen eingeführt Bildmaterial von Hogarth zu Gainsborough) und in Spanien (churriguerismo). Für Italien kann es sprechen von Rokoko vor allem für dekorative Künste, Teilhaber an den internationalen Geschmack (die Stuckarbeiten von serpotta; die "Chinesische Kabinett" für den Palast von Portici, jetzt bei Capodimonte, alles aus Porzellan und Spiegel), während die architektonischen Konstruktionen zu launisch Pflanzen Kurven nur in privaten Gebäuden mit kleinen Abmessungen statt (Villa Palagonia in Bagheria in der Nähe von Palermo), die immer noch am Leben Die barocke Tradition, insbesondere im Zusammenhang mit der kirchlichen committenza. Was betrifft die Italienischen mobile, den Geschmack des französischen Rokoko durch die teilweise Annahme des stilistischen Elemente von Louis XV und die schrittweise Umwandlung der Elemente des barocken Verzierungen (Stil Barock) entwickelt. In Venedig, im Rahmen der unabhängigen Entwicklung (und zum großen Teil auf die ausländischen Kunden) der Malerei angesprochen werden, können im Stil des Rokoko definieren, die Wahl der Themen wie die Laune, fantastische Aussicht und die Szene des Lebens (Marco Ricci, Zais, Guardi und Longhi) und die weit verbreitete Verwendung von Pastell und Aquarell (Rosalba Carriera). Der Stil des Rokoko seine wichtige Entwicklung in den deutschsprachigen Ländern nach zwei Ziele präzise und klar differenziert: Auf der einen Seite die Architektur und das Handwerk an die Gerichte, die auch die ursprünglichen Formen, aber immer innerhalb des französischen Modell, auf der anderen Seite die Architektur, verstanden als eine Synthese zwischen Raum und Dekoration, der Kirchen und Klöster, stellt den letzten großen autonomen Ausdruck dieser besonderen Zweig der Architektur erarbeitet. Rund um die zahlreichen deutschen Gerichte proliferarono Burgen, die edle Residenzen, kleine Konstruktionen der Freude, dass in der Größe emphatischen oder sogar rhetorische Pflanzen auf gebogenen Linien übernommen und elliptischen der privaten Bau Französisch (nur die königsschlösser sie die Monumentalität klassizistischen Versailles remade) und entwickelte die Dekoration in Töne mehr oder weniger moderat, nach genauen lokale Varianten (Residenz des Prinzen - Bischof von Würzburg, 1719-44, B.Neumann, in Zusammenarbeit mit dem R. de gekocht und J. L. Hildebrandt, und Fresken von Tiepolo; Palazzina di Caccia der Amalienburg im Park Nymphenburg in München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiöse Architektur blühte besonders in Bayern und in Böhmen, mit der die Brüder Asam, D.Zimmermann, Dientzenhofer und in Österreich, vor allem mit Fischer von Erlach, die Räumlichkeiten, die bereits in der Architektur lokale tardobarocca Anfahrt Gebäude von der Großzügigkeit und Helligkeit (einen einzigartigen Raum, runde, elliptische oder ovale, weiße Wände, große und zahlreiche Windows, Stuck und Vergoldung, dass die strukturellen Elemente und Framing Gemälde und Fresken unterstreichen plant), wo Sie eine perfekte Harmonie und insgesamt eine Wechselbeziehung zwischen der konstruktiven Elemente und figurative, führen Sie charakterisiert. Auch die bildnerischen Produktion nicht eine eigenständige Rolle, aber angesichts der besonderen Bedürfnisse angenommen, wurde fast ausschließlich verwiesen historischen Themen - Feier in allegorischen Töne-mythologischen und religiösen Themen zu illustrieren; es entwickelte dann in große Leinwände und Fresken, die trotz der erheblichen Leichtigkeit und Vaporosità Ausführung, ergeben sich aus der barocke Dekoration Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl). Allgemeine Beschreibung Loc. Englisch (Abkürzung für populäre Kunst, populäre Kunst) in Italienisch als sf verwendet. Durch gelehrte L. Flieder und R. Banham eingeführt und 1961 von der Kritiker Englisch L. Alloway, nahm den Begriff zeigt an, eine künstlerische Bewegung der Avantgarde parallel in Großbritannien und in den Vereinigten Staaten um 1955 geboren, als Reaktion auf die Malerei des abstrakten Expressionismus. Die Künstler der Pop Art zeichnen Formen und Sprache aus dem Repertoire der Massenmedien, d. h. der Mittel der Kommunikation und der Massenkultur: Fernsehen, Werbung, Bilder, Fotos, Comics, Verbrauchsmaterial, etc.; sie sind daher Bilder und Objekte, die schon vorhanden sind, die auf verschiedene Weise manipuliert und präsentiert dazu dienen, können Sie eine neue Ausdruckskraft laden. Ziel der Bewegung ist der künstlerische Betrieb zu seinem Charakter als einzigartige Erfahrung und subjektive, für riaccostare statt Kunst auf die alltägliche Wirklichkeit zu subtrahieren. Die figuration des Trivialen und das tägliche Leben der Pop Art, die von den verschiedenen Erfahrungen des Kubismus, Futurismus, Dadaismus und Surrealismus vermittelte, hatte seine erste Definition in Großbritannien durch die Aktivitäten der unabhängige Gruppe von London (1953-58). Die erste Oper, Deutsch pop, erstellt von Richard Hamilton, war in der Ausstellung "bezeichnet dieses Morgen ist" in London im Jahr 1956 statt. In den Vereinigten Staaten der Pop Art entstand aus der Erschöpfung der abstrakten Erfahrungen, die durch die Anschläge am Ende der informellen und vor allem durch Erhöhungen des "Objekt verbraucht" von Künstlern der Neuen Dada. Der spanische Maler (Fuente de Cantos, Badajoz, 1598 - Madrid 1664). Er in Sevilla geschult, und das lebhafte Zentrum von einem figurativen Kultur der realistischen Natur. 1617 eröffnete er sein eigenes Geschäft an Llerena, in der Extremadura, aber 1629 ließ er sich zurück nach Sevilla und blieb dort (mit Ausnahme bei einem Aufenthalt in Madrid im Jahre 1634) bis 1659 Ca. Wenn reduziert, in extremer Armut, zog er nach Madrid, wo er vergeblich im kulturellen Klima der Stadt eingefügt werden ausprobiert. Die Aktivität von Zurbaran ist esplicò fast ausschließlich in der Produktion von heiligen Bilder in sehr hoher Zahl (Ca. 600) und die Qualität manchmal nicht erhaben, zum Teil aufgrund der weit verbreiteten Verwendung von Mitarbeitern, teilweise in Momenten der Krise des Malers, vor allem in den letzten Jahren des Lebens, wenn es von seinen Zeitgenossen zugunsten von Murillo weitergegeben. Der Stil von Zurbaran umfasst sowohl der Naturalismus typischen sevillanischen, entwickelt und auf die höchsten Ergebnisse für die Verwendung von Farbe geholt, immer klar und strahlend auch in dunklen Tönen; sowohl die disegnativa Tradition des Manierismus Spanisch, was der Maler seine Kompositionen in den Gestalten der ersten Etage zu lösen, trägt, von eleganten Konturen und Schneidezähne, deutlich von der neutralen mittel oder dunkel getrennt, außerhalb jeder historischen Ambiente. Die meisten seiner Werke wurden als hingebungsvolle Zyklen für Kirchen und Klöster von Sevilla und andere spanische Städte (derzeit unter verschiedenen Museen verstreut), aufrichtig Teilhaber der religiöse Gefühl beliebt (Gemälde für die Merced Calzada in Sevilla, 1629 durchgeführt; Gemälde für Nuestra Senora de la Defension in Jerez de la Frontera, 1638-39). Die berühmte Reihe von Heiligen, die Pierce durch misticheggianti cues Feier dekorativ Elegant. Um 1633 Zurbaran widmete sich auch für eine kurze Zeit zu Natura morta, eines der größten Meisterwerke des Genres, der absoluten Reinheit: die Schale der Zedern, ein Korb mit Orangen und Schale mit Rosa (1633, bereits in Florenz, der Contini Bonacossi Sammlung, von 1973 in Los Angeles, Pasadena, Norton Simon Stiftung). Der Einfluss von Zurbaran, eher in Spanien beschränkt, wurde stattdessen riesige in Lateinamerika, vor allem in Peru, wo der Maler zahlreiche Werke im Zeitraum 1640-58 gesendet. Murillo, Bartolome Esteban Der spanische Maler Sevilla (1617-1682). Die künstlerischen Anfänge von Murillo, die im Wesentlichen an die Stadt Weihnachten ab, zuerst als Student der mittelmäßigen Juan del Castillo, als eigenständige Maler, sensibel für die Kunst von Ribera, Zurbarán, Velázquez; den Jugendlichen arbeitet, Stark im Design und modelliert, aber wesentlich kleiner Vorlagen, die auch der generischen caravaggismo schwebt in Spanischer Sprache zeigen. Kontakte mit der italienischen Malerei, durch B. Die Cavallino und A. Vaccari, flämischen und (vielleicht besucht der königlichen Sammlungen während einer Reise nach Madrid im Jahre 1648, wo er die Werke von Rubens und Van Dyck studieren konnte), trieb eine ursprüngliche Bedeutung des colorismo Veneto, tritt eine leichte Verwendung tief szenografische und Barock. Diese Zeichen erscheinen bereits in der elf Gemälde mit Wunder der franziskanischen Heiligen für das Kloster der gleichnamigen Ordnung in Sevilla (1645-48), heute zerstreut und in der Geburt der Jungfrau (Paris, Louvre), triumphal Anfänge einer langen Tätigkeit im Dienst der Bruderschaften und Ordensgemeinschaften, innerhalb dessen Murillo erwies sich als aufrichtiger Dolmetscher und überzeugend der Mystik counter-reformistischen. Die Bedeutung realistisch sanft, beliebte Volksmusik und kommunikativen der Heiligen Episode, zunehmend in den Werken reif (Zyklus für das Hospiz der Caritas in Sevilla, Ca. 1670-80: die Heilung des Gelähmten am Pool, London, National Gallery; die Rückkehr des verlorenen Sohnes, Washington, National Gallery), verbunden mit der Raffinesse der Farben und eine hohe Qualität der formalen, der Kompositionen von Murillo Themen Die beliebtesten religiösen oleografia (denken der unzähligen Versionen von der Unbefleckten Empfängnis, von denen einige in Madrid Prado), das gekommen ist, zu verändern, in der Abnutzung des Bildes, die real und hohem künstlerischen Wert ermöglicht haben. Die Zyklen der Gemälde der Gattung popolaresco (Jungen, die Frucht essen, Monaco, Alte Pinakothek Galizisch, das Fenster, Washington, National Gallery), effektiven Öffnungen auf der Schelmenroman Welt, ein Genre destinatoa großer Erfolg eröffnet bis zum achtzehnten Jahrhundert vorgelegt, und die Porträts der naturalistischen Einstellung (Gentleman mit Kragen, Madrid, Prado), zur Klärung der tiefste Inspiration des Künstlers, die darauf abzielt, die Ausdrucksmöglichkeiten der Farbe zu verbessern, manchmal mit compiacimenti tugendhafte beitragen wird. " Siehe Gedea Kunst Bd. 7 pp 262-269" "Zur Vertiefung siehe Gedea Kunst Bd. 7 pp 262-269" zu vertiefen. Das Lexikon Sm. [Aus dem französischen Rokoko, Veränderung, unbeschwert von Rocaille]. Die dekorativen Stil, der in Paris um 1730 entwickelt und auf andere Stile dominiert seit ungefähr zwanzig Jahren, Verbreitung und dann rechts in Richtung zum Ende des Jahrhunderts in den nördlichen Regionen von Frankreich, Italien und Mitteleuropa bis nach Russland. Mit dem Wert der Adj., Zugehörigkeit, genau dieser Stil: Mobile, Fassade, Rokoko Geschmack; für Erweiterung, künstliche Lambiccato, aber nicht ohne Gnade: eine Frisur Rokoko. Kunst: in Frankreich Heftig von zeitgenössischen Strömungen und classicistiche tardobarocche entgegengesetzt, das Rokoko war negativ während des neunzehnten Jahrhunderts, bis die erste kritische Analyse durchgeführt durch die Brüder De Goncourt, die sowohl die enge Beziehung mit einer bestimmten Auffassung des sozialen Lebens gewarnt, sowohl die ästhetischen Revolutionäre ihn informiert. Ideologisch das Rokoko ist der künstlerische Ausdruck der Aristokratie der kosmopolitischen am Ende seiner historischen Funktion, die Masken, die das Gewissen der Rückgang mit einer Philosophie der Hinterziehung von Wirklichkeit, Erstellen einer fiktiven Welt, die auf dem Mythos der ewigen Jugend und der Unruffled Gelassenheit. Soziales Verhalten ist dann auf Konzepten der Feinheit und Eleganz eingestellt, bis die Frivolität und der philosophischen libertinismus von der anderen. Die Flucht aus der Realität tritt sowohl auf der intellektuellen Ebene und auf die existentielle und jedes Detail der Umwelt auf den Weg des Lebens gewährt werden sollte: Alles muss schön sein, denn "nett", da der Begriff der Schönheit selbst besteht nur aus Was ist zart und zerbrechlich, nuanciert, klar, malerischen. Unter diesem Aspekt verstehen wir dann die "Notwendigkeit" einer bestimmten Art der Kleidung (paramente Lesen von Seide und Musselin in Pastelltönen, weiße Perücke, die das Gesicht schmückt und Macht ohne Alter, dann ewig Jungen), die sich auf eine bestimmte Art der Umgebung, in der zu leben entspricht. Die ästhetische Revolution des Rokoko tritt in der Tat in das harmonische Zusammenspiel aller Details der Einrichtung, die ebenfalls dazu beitragen, alle Künste (und die "Kleine" sind offensichtlich auf einer Gleichheit ausgewertet, mit denen traditionell "edel") beziehen sich auf die Erstellung von organischen Umgebungen und homogen. Die historische Tatsache, von der aus Sie beginnen, das Rokoko (auch wenn die Räumlichkeiten rückführbar sind seit den letzten Jahren des 17. Jh.) ist die Übertragung des Hofes von Versailles in Paris nach dem Tod von Louis XIV (1715), beauftragt durch das Regent Herzog von Orléans, die Tatsache, dass für den Adel die Notwendigkeit der privaten Paläste des Kapitals zu reorganisieren ermittelt, die durch lange Jahre nur gelegentlich bewohnt. In den beengten Platzverhältnissen schnell in der Zeit der Regentschaft entwickelte den Geschmack für den hellen Wänden, "Aus" durch die Überfülle der Spiegel und illeggiadrite Stuckarbeiten Licht für die kleine Möbel vermeiden und lackiert in Pastelltönen, für Führungskräfte auch von der hellen Farbtöne für die Ornamente der Mindestgröße und frivol, in klarer Opposition zu Möbel Louis XIV, üppige, (aber auch schwer) Durch die dunklen Farben und von der Vergoldung dominiert. Selten waren in Frankreich die großen architektonischen Umsetzungen, die usufruirono Strukturen noch Barock so viel wie sehr nüchtern und funktional, in der Praxis als Unterstützung der Dekoration, die meisten der inneren Fassaden, aus einer ganzen Reihe von repertorien abgeleitet (es sei daran erinnert, dass im Jahr 1734 von J. A. Meissonnier, deren Zeichnungen tief auf die Produktion von Carver und Goldschmiede der Epoche beeinflusst); diese Einrichtung war auf unendlichen Variationen, besser, wenn die asymmetrische, die gekrümmte Linie die natürlichen Elemente definiert (Blätter, Blüten, Tiere) Nach einem Geist anmutige, die oft auf exotische Eleganz und fabelhafte des Ostens (Meisterwerke in diesem Sinne sind das Hôtel de Matignon von Nr. Pineau von 1720-31 und des Hôtel de Soubise von G. Boffrand, auch durch F.Boucher, 1736 eingerichtet). In der französischen Architektur in der Tat auch sehr viel häufiger die Konstruktionen mit kleinen Abmessungen für Parks und Gärten (manchmal readapted Diese "Englisch" entsprechend der Kanones der malerischen, mehr zu den neuen Geschmack geeignet): die Pavillons der Jagd, die "casini der Genüsse", Sans Soucis, die monrepos, der ermitages, alle mit den Bedürfnissen des weltlichen Lebens verbunden. Die Skulptur war eine feine Dekorative ausschließlich, die Aufweichung der Formen, durch beschreibende Details angereichert und im allgemeinen Darstellung mythologischer Figuren nach einem erklärte Absicht erotisch. Die Malerei, von der klaren Farben und brillante verteilte sich zu berühren und Nuancen auf eine schnelle Zeichnung und gebrochen, hat enge Analogien mit der Porzellan, Gravieren, die Stoffe für Einrichtung, da schildert pastoralen Szenen, Idylle, feste galanti und campestri, erotische Episoden, tägliche Chronik, Ausdruck mit ironischen Akzenten böswillige oder die Grundsätze eines Lebens Frivol aber verfeinert. Für Frankreich ist es üblich, zu einer ersten Periode Regency (1715-30) in der Generation der Architekt G. M. Oppenordt der Dekorateur F.A. Vassé und des ebanist Ch Cressent unterscheiden, der Maler J.-A. Watteau, J. B. Pater und J.-M. Nattier; ein Zeitraum Rocaille (1730-45), der seinen höchsten Ausdruck in Meissonnier, Pineau, in Boucher und Chardin findet; eine letzte Periode Pompadour (1745-64) involuto bereits in bestimmten dekorative Schwerfälligkeit und teilweise beeinflusst von linearismo klassizistische, vertreten durch den Architekten J. A. Gabriel, Dekorieren von J. und J.H.Verbeckt Fragonard. Kunst: In anderen Europäischen Ländern Außerhalb Frankreichs das Rokoko wurde verbreitet in kurzen assolutistiche, die als Modell des sozialen Lebens der Französischen Adel, Idealisierten als Verwahrer zu wissen, wie man leben und Geschmack angenommen. In der Dekade 1730-40 Künstler und Französische Handwerker in der Tat in allen Höfen Europas, beginnend mit dem Phänomen der Internationalisierung des figurativen Kultur typisch für die gesamte zweite Hälfte des Jahrhunderts eingeladen wurden. Dieses Phänomen genau lebte in der Abbildung des wandernden Artist (für Italien genügt es, daran zu denken, Tiepolo und Rosalba Carriera), die vor allem die Entwicklung des Handwerks auf der Chorherren angeregt, die für ganz Europa, nach einem Verfahren nicht nur durch die Entwicklung der Geschmack, sondern auch, und von den gleichen Herrscher erklärte, durch die Gesetze der wirtschaftlichen Expansion geregelt. Ähnliche Bewegungen zu Rokoko, selbst wenn sie nicht völlig mit ihr identifiziert, in England manifestiert (in Möbel Chippendale, durch deren Interpretationen, außerdem, das Rokoko Geschmack war in Amerika und in bestimmten Themen eingeführt Bildmaterial von Hogarth zu Gainsborough) und in Spanien (churriguerismo). Für Italien kann es sprechen von Rokoko vor allem für dekorative Künste, Teilhaber an den internationalen Geschmack (die Stuckarbeiten von serpotta; die "Chinesische Kabinett" für den Palast von Portici, jetzt bei Capodimonte, alles aus Porzellan und Spiegel), während die architektonischen Konstruktionen zu launisch Pflanzen Kurven nur in privaten Gebäuden mit kleinen Abmessungen statt (Villa Palagonia in Bagheria in der Nähe von Palermo), die immer noch am Leben Die barocke Tradition, insbesondere im Zusammenhang mit der kirchlichen committenza. Was betrifft die Italienischen mobile, den Geschmack des französischen Rokoko durch die teilweise Annahme des stilistischen Elemente von Louis XV und die schrittweise Umwandlung der Elemente des barocken Verzierungen (Stil Barock) entwickelt. In Venedig, im Rahmen der unabhängigen Entwicklung (und zum großen Teil auf die ausländischen Kunden) der Malerei angesprochen werden, können im Stil des Rokoko definieren, die Wahl der Themen wie die Laune, fantastische Aussicht und die Szene des Lebens (Marco Ricci, Zais, Guardi und Longhi) und die weit verbreitete Verwendung von Pastell und Aquarell (Rosalba Carriera). Der Stil des Rokoko seine wichtige Entwicklung in den deutschsprachigen Ländern nach zwei Ziele präzise und klar differenziert: Auf der einen Seite die Architektur und das Handwerk an die Gerichte, die auch die ursprünglichen Formen, aber immer innerhalb des französischen Modell, auf der anderen Seite die Architektur, verstanden als eine Synthese zwischen Raum und Dekoration, der Kirchen und Klöster, stellt den letzten großen autonomen Ausdruck dieser besonderen Zweig der Architektur erarbeitet. Rund um die zahlreichen deutschen Gerichte proliferarono Burgen, die edle Residenzen, kleine Konstruktionen der Freude, dass in der Größe emphatischen oder sogar rhetorische Pflanzen auf gebogenen Linien übernommen und elliptischen der privaten Bau Französisch (nur die königsschlösser sie die Monumentalität klassizistischen Versailles remade) und entwickelte die Dekoration in Töne mehr oder weniger moderat, nach genauen lokale Varianten (Residenz des Prinzen - Bischof von Würzburg, 1719-44, B.Neumann, in Zusammenarbeit mit dem R. de gekocht und J. L. Hildebrandt, und Fresken von Tiepolo; Palazzina di Caccia der Amalienburg im Park Nymphenburg in München, 1734, F. de Cuvilliés). Religiöse Architektur blühte besonders in Bayern und in Böhmen, mit der die Brüder Asam, D.Zimmermann, Dientzenhofer und in Österreich, vor allem mit Fischer von Erlach, die Räumlichkeiten, die bereits in der Architektur lokale tardobarocca Anfahrt Gebäude von der Großzügigkeit und Helligkeit (einen einzigartigen Raum, runde, elliptische oder ovale, weiße Wände, große und zahlreiche Windows, Stuck und Vergoldung, dass die strukturellen Elemente und Framing Gemälde und Fresken unterstreichen plant), wo Sie eine perfekte Harmonie und insgesamt eine Wechselbeziehung zwischen der konstruktiven Elemente und figurative, führen Sie charakterisiert. Auch die bildnerischen Produktion nicht eine eigenständige Rolle, aber angesichts der besonderen Bedürfnisse angenommen, wurde fast ausschließlich verwiesen historischen Themen - Feier in allegorischen Töne-mythologischen und religiösen Themen zu illustrieren; es entwickelte dann in große Leinwände und Fresken, die trotz der erheblichen Leichtigkeit und Vaporosità Ausführung, ergeben sich aus der barocke Dekoration Italiana (F. A. Maulbertsch, J. W. Bergl). Allgemeine Beschreibung Loc. Englisch (Abkürzung für populäre Kunst, populäre Kunst) in Italienisch als sf verwendet. Durch gelehrte L. Flieder und R. Banham eingeführt und 1961 von der Kritiker Englisch L. Alloway, nahm den Begriff zeigt an, eine künstlerische Bewegung der Avantgarde parallel in Großbritannien und in den Vereinigten Staaten um 1955 geboren, als Reaktion auf die Malerei des abstrakten Expressionismus. Die Künstler der Pop Art zeichnen Formen und Sprache aus dem Repertoire der Massenmedien, d. h. der Mittel der Kommunikation und der Massenkultur: Fernsehen, Werbung, Bilder, Fotos, Comics, Verbrauchsmaterial, etc.; sie sind daher Bilder und Objekte, die schon vorhanden sind, die auf verschiedene Weise manipuliert und präsentiert dazu dienen, können Sie eine neue Ausdruckskraft laden. Ziel der Bewegung ist der künstlerische Betrieb zu seinem Charakter als einzigartige Erfahrung und subjektive, für riaccostare statt Kunst auf die alltägliche Wirklichkeit zu subtrahieren. Die figuration des Trivialen und das tägliche Leben der Pop Art, die von den verschiedenen Erfahrungen des Kubismus, Futurismus, Dadaismus und Surrealismus vermittelte, hatte seine erste Definition in Großbritannien durch die Aktivitäten der unabhängige Gruppe von London (1953-58). Die erste Oper, Deutsch pop, erstellt von Richard Hamilton, war in der Ausstellung "bezeichnet dieses Morgen ist" in London im Jahr 1956 statt. In den Vereinigten Staaten der Pop Art entstand aus der Erschöpfung der abstrakten Erfahrungen, die durch die Anschläge am Ende der informellen und vor allem durch Erhöhungen des "Objekt verbraucht" von Künstlern der Neuen Dada.
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